Silvana

L'architettura, come disciplina e come professione, sta fronteggiando varie crisi per le quali, per il momento, è ben lontana dal trovare soluzioni efficaci. L'ipotesi alla base del progetto Cosmowomen considera la piena inclusione delle donne nel settore professionale e accademico dell'architettura un'opportunità strategica per fronteggiare questa situazione, in quanto capace di generare nuovi spazi da sottoporre alla riflessione e alla considerazione dei professionisti, o di consolidare e ampliare quelli già esistenti. Attraverso l'immagine delle sfere armillari, il progetto invita a riflette sulla filosofia e sulla politica dei luoghi materiali, indagando al contempo le caratteristiche della produzione architettonica femminile. Il volume presenta questo lavoro, documentando le realizzazioni di sessantacinque architette provenienti da più di venti nazioni diverse che hanno conseguito il master alla Bartlett School of Architecture negli ultimi dieci anni, introdotte dai testi di venti professioniste, esemplari per la loro brillante carriera accademica.

Vittorio Accornero de Testa (1896-1982) e Edina Altara (1898-1983), artisti e illustratori, incrociano i loro percorsi lavorativi a partire da “Il giornalino della Domenica”, dove Accornero debutta nel 1919 e Altara nel 1920. Il loro destino professionale si intreccia presto con quello personale: si sposano nel 1922 e insieme disegnano la partecipazione di nozze, un invito mondano che è anche una dichiarazione di stile. Negli anni del matrimonio la coppia condivide i destini dell’alta società, operando con entusiasmo ed energia nell’epoca dell’Art Déco. Prima uniti nella vita, poi separati, non perdono mai i contatti e riescono a reinventarsi anche nel complesso periodo che segue la Seconda guerra mondiale. L’esistenza dei due artisti interseca non poche dinamiche della creazione artistica in Italia, tra il territorio della grafica e l’ideazione di oggetti. Il volume è il ritratto di due esistenze spese alla ricerca di dimensioni creative sempre diverse, a fianco di nomi illustri del design e della moda, tra cui Rodolfo Gucci, che ebbe uno speciale sodalizio con Accornero, e Gio Ponti, che volle al suo fianco Edina Altara per importanti collaborazioni nell’ambito dell’arredamento.

Il dibattito sulla salvaguardia dell’ambiente è più che mai all’ordine del giorno a livello internazionale. Tuttavia è importante evidenziare come temi quali l’amore e la sensibilità per la Natura, e più in generale l’interesse per il Paesaggio, siano già stati fonte d’ispirazione per tantissimi artisti, dai pittori preromantici di fine Settecento ai maestri contemporanei. L’Infinita bellezza del paesaggio italiano è raccontata attraverso le immagini di questo volume, che presenta oltre 200 opere tra dipinti, sculture e installazioni dedicate a questo tema e alle sue diverse forme di rappresentazione. Dalle poetiche romantiche del pittoresco e del sublime, all’affermazione positivista del vero, passando attraverso le nuove ricerche divisioniste e simboliste e le provocazioni delle Avanguardie, fino ad arrivare alle semplificazioni della Pop Art e alle concettualizzazioni dell’arte contemporanea.

Il volume, a cura di Marco Meneguzzo, presenta un'ampia selezione di opere di Ivan Theimer (Olomouc, 1944), scultore fuggito in Francia nel 1968 e oggi diviso per lavoro tra Parigi e Pietrasanta. Noto soprattutto per la sua capacità di ideare monumenti pubblici di forte emotività – il più importante dei quali realizzato a Parigi, in Champ de Mars, a memoria del bicentenario della Dichiarazione dei Diritti dell'Uomo –, Theimer parte da un repertorio simbolico e figurativo che affonda le proprie radici nella storia dell'arte antica e negli archetipi dell'umanità, operando con modi, materiali e modelli opposti al costume artistico vigente, quello della Modernità. Le numerose illustrazioni a corredo del volume sono arricchite dalle fotografie di Aurelio Amendola, a testimoniare la formidabile capacità impattante delle opere di Theimer realizzate negli ultimi due decenni in varie città e piazze di Italia.

In occasione delle celebrazioni per il 250° anniversario della fondazione dell'Accademia di Belle Arti di Carrara, il volume prende spunto dai soggiorni artistici di Giovanni Antonio Cybei (Carrara, 1706-1784) – scultore abate e primo direttore dell'istituzione – per illustrare il ricco e variegato ambiente culturale delle città dove egli lavorò. Uomo di ampie vedute, Cybei si lasciò affascinare dal mondo della pittura, così che la sua arte fu caratterizzata da una sensibilità materica, acquisita grazie allo studio con Corrado Giaquinto e alimentata attraverso commissioni svolte assieme a Pompeo Girolamo Batoni e Giovan Battista Tempesti. Tale interazione rappresenta una componente essenziale della sua produzione, in linea con gli intenti della scultura barocca, che fin dall'origine lanciò una sfida aperta alla pittura, arte mimetica per eccellenza. L'abate lavorò in importanti centri locali, ma anche in luoghi considerati minori, circostanza che consente di accendere i riflettori sulla variegata situazione dell'Italia e sulle sue numerose "repubbliche artistiche", territori capaci di committenze di primissimo piano, ingiustamente ancora poco considerate.

Il volume esplora trent'anni di ricerca artistica di Paolo Canevari (Roma, 1963), proponendo una selezione di sculture, disegni e installazioni che spaziano dalle prime realizzazioni nel solco dell'Arte Povera a quelle in gomma degli anni novanta, fino alle serie più recenti, Paesaggio e Constellation, parte del progetto in fieri Monuments of the Memory. Attraverso l'utilizzo di differenti media e materiali – dal disegno alla scultura, dalla performance all'installazione e al video – Canevari crea un linguaggio da lui definito Minimalismo Barocco, dove la forma e il concetto si costruiscono in un'alternanza di innumerevoli rimandi evocativi, per portare luce nei territori oscuri dell'uomo, inteso sia come individuo sia come umanità. Il volume, che celebra la prima retrospettiva dell'artista nel Regno Unito, presso la Cardi Gallery di Londra, è arricchito da un saggio inedito di Robert Storr, un breve racconto di Andrea Camilleri e due interviste con l'artista, una condotta da Shirin Neshat, l'altra da Robert Storr e Francesca Pietropaolo.

Rossano Ronci (Rimini, 1970), riesce nell'impresa di raccogliere in queste pagine gli istanti salienti delle tournée di Max Casacci con i Subsonica. Attraverso lo sguardo in bianco e nero del suo obbiettivo, Ronci ci racconta innanzi tutto di Max, qui definito "regista e motore immobile della band", artista a tutto tondo che, per quanto introverso e più defilato rispetto agli altri componenti, è capace di riportare a unità e ordine le diverse anime creative di un gruppo geniale. Il fotografo traspone le tensioni, il sudore, l'ebbrezza e il sangue che una performance musicale può trasmettere, ritagliando un punto d'osservazione più ampio rispetto alle classiche collezioni fotografiche che documentano "on stage" e "backstage": avendo condiviso ogni istante di numerosi tour, il fotografo restituisce molto più di un reportage. Questo è il ritratto di un'esperienza unica, capace di far percepire a chi lo guarda, il sentimento del momento. Testi di: Max Casacci, Denis Curti, Gabriele Ferraris, Michelangelo Pistoletto, Pier Paolo Pitacco.

Giorgio Vasari, nel dare alle stampe le sue Vite degli artisti, consegnò ai posteri un ritratto esemplare di Raffaello, contribuendo ad alimentare la fama del pittore che, affermatasi fin da subito, crebbe nelle epoche successive. Il mito di Raffaello e della perfezione della sua arte, frutto del successo immediato delle sue opere, si consolidò anche in virtù della loro diffusione: le sue creazioni infatti raggiunsero i contesti più disparati - in Italia e in Europa - grazie soprattutto all'opera degli incisori che con le loro stampe ne consentirono una rapida circolazione, rendendole modelli inesauribili di forme e invenzioni. Lo studio accolto in queste pagine si colloca nel solco delle ricerche riguardanti l'irradiamento dell'opera di Raffaello, e ne verifica per la prima volta la fortuna nello specifico campo dell'arazzeria. Un'indagine approfondita, che parte dalla serie di arazzi più nota - derivata dai cartoni raffaelleschi e da quelli realizzati per la "Scola Nuova" dai suoi collaboratori - per contemplare tutta una serie di manufatti derivata dalle opere pittoriche, con una particolare attenzione agli affreschi realizzati a Roma nelle Stanze Vaticane. Tessuti nelle più grandi manifatture europee, questi prodotti permisero la diffusione dell'opera di Raffaello contribuendo, al pari della più nota pratica incisoria, al consolidamento e all'arricchimento della fortuna del grande artista rinascimentale.

Il volume riunisce le opere di oltre cinquanta artiste italiane che, in differenti contesti storici e sociali, hanno raccontato il proprio modo di abitare il mondo. Concepito come un'indagine aperta sul presente, il progetto Io dico Io - I say I intercetta alcune questioni fondamentali che hanno attraversato e attraversano oggi i femminismi contemporanei: disegna alleanze e affinità, tesse corrispondenze e relazioni simboliche, crea dialoghi intergenerazionali a prescindere dalle cronologie.

Il volume presenta il patrimonio storico e artistico custodito nel Museo dei Bronzi Dorati e della Città di Pergola, inaugurato nel 1999 nell'ex convento di San Giacomo. Protagonisti della collezione sono i celebri bronzi dorati rinvenuti casualmente a Cartoceto di Pergola nel 1946: uno straordinario gruppo scultoreo d'epoca romana, con rara doratura originale, tuttora oggetto di dibattito fra gli studiosi in merito alla sua identificazione. A questo eccezionale reperto fanno da corollario nel museo, insieme ad altri ritrovamenti archeologici del territorio, una raccolta di pitture e sculture locali realizzate tra il XV e il XVIII secolo, una raccolta numismatica, i cimeli di età risorgimentale e la collezione di incisioni dell'artista contemporaneo Walter Valentini, esponente dell'astrattismo lirico internazionale e originario della città.

I tre saggi qui raccolti propongono una lettura specifica di momenti differenti del lavoro di Aurelio Galfetti e, a partire da un singolo progetto, dimostrano come l'idea di un'architettura territoriale abbia sempre legato nella sua attività il progetto (a qualsiasi scala) al luogo, al paesaggio e al territorio.

«A conclusione della settima edizione dello Swiss Architectural Award, che sta sempre più crescendo nel suo ciclo biennale, attirando l'attenzione della critica d'architettura internazionale, è d'obbligo accennare alle difficoltà socio-sanitarie conseguenti alla pandemia di COVID-19, che ha purtroppo influenzato lo svolgimento di questa edizione del Premio. Per questo voglio rivolgere un ringraziamento a tutti coloro (persone e istituzioni) che si sono prodigati per garantire la continuità di questo evento, anche come segno di speranza in uno scenario politico-culturale carico di molte incertezze. Quest'ultima edizione è stata accompagnata da due importanti elementi di novità: il primo è stato il passaggio di testimone, quale ente promotore del Premio, dalla Fondazione Svizzera per l'Architettura alla Fondazione Teatro dell'architettura, un'istituzione strettamente relazionata all'attività didattica e di ricerca dell'Accademia di architettura dell'USI e con la quale il Teatro condivide già la logistica nel campus di Mendrisio. Il secondo elemento di novità è stato il coinvolgimento (che si vorrebbe "strutturale"), come membri della giuria finale del Premio, dei rappresentanti delle tre Scuole universitarie di architettura presenti sul territorio svizzero, che per questa edizione sono stati: Riccardo Blumer per l'Accademia di Mendrisio, Christoph Girot per il Politecnico di Zurigo e Dieter Dietz per quello di Losanna. L'ampliamento della giuria è anche il segno di un'evoluzione che vuole sottolineare i valori impliciti e l'impegno etico che le tre Scuole universitarie riconoscono all'architettura, anche in futuro, una volta che l'ubriacatura della cosiddetta globalizzazione si sarà esaurita; una collaborazione preziosa, che risuona come segnale di altri possibili progetti comuni, come periodicamente auspicato dall'ex Segretario di Stato Charles Kleiber...» (Dall'Introduzione di Mario Botta")