Silvana

Il libro raccoglie il lavoro di ricerca di Michele De Lucchi e AMDL CIRCLE ponendolo in dialogo con esperti in discipline differenti che ragionano sulla progettazione degli spazi: un tema che non è prerogativa degli architetti ma necessita, oggi più che mai, di una riflessione multidisciplinare e allargata per avere un impatto migliorativo sulla qualità della vita. «Cosa possiamo fare noi architetti per il mondo che verrà? Possiamo usare materiali ecologici, possiamo applicare le tecnologie più avanzate, ma se non ci abituiamo a pensare con una mentalità sostenibile "non servirà a niente costruire la casa più green del mondo, perché al suo interno continueremo a comportarci da consumisti irresponsabili". Dobbiamo quindi intervenire con un modo di pensare nuovo, che nasce adesso per il mondo di domani: attraverso le qualità dello spazio possiamo diffondere comportamenti virtuosi legati all’idea di stare bene insieme. Per questo abbiamo ideato le Earth Stations, architetture visionarie sviluppate per favorire le relazioni umane.» (Michele De Lucchi)

Il libro raccoglie il lavoro di ricerca di Michele De Lucchi e AMDL CIRCLE ponendolo in dialogo con esperti in discipline differenti che ragionano sulla progettazione degli spazi: un tema che non è prerogativa degli architetti ma necessita, oggi più che mai, di una riflessione multidisciplinare e allargata per avere un impatto migliorativo sulla qualità della vita. «Cosa possiamo fare noi architetti per il mondo che verrà? Possiamo usare materiali ecologici, possiamo applicare le tecnologie più avanzate, ma se non ci abituiamo a pensare con una mentalità sostenibile "non servirà a niente costruire la casa più green del mondo, perché al suo interno continueremo a comportarci da consumisti irresponsabili". Dobbiamo quindi intervenire con un modo di pensare nuovo, che nasce adesso per il mondo di domani: attraverso le qualità dello spazio possiamo diffondere comportamenti virtuosi legati all’idea di stare bene insieme. Per questo abbiamo ideato le Earth Stations, architetture visionarie sviluppate per favorire le relazioni umane.» (Michele De Lucchi)

Nell'Olimpo dell'arte di tutti i tempi uno scranno è occupato da Sandro Botticelli. Il maestro rinascimentale ha regalato alla storia delle immagini icone universali come la Nascita di Venere o La Primavera. In questo volume, una preziosa selezione di opere antiche corredate da schede critiche fa il punto sulle vicende di Sandro Botticelli dagli esordi alla Firenze splendente di Lorenzo il Magnifico, fino all'influenza morale del Savonarola. Più facce della stessa medaglia che Botticelli attraversa con la grazia della linea e l'esuberanza dell'invenzione. Ma la fortuna di Botticelli riverbera tra i secoli e oggi è parte della nostra memoria collettiva. Luchino Visconti, John Currin, Renato Guttuso, Valentino, Alfonso Cuarón, Cesare Tacchi, Giosetta Fioroni, David LaChapelle appartengono alla lunga schiera di artisti e creativi che hanno omaggiato Botticelli o hanno usato la forza delle sue icone per rimarcare il potere inesauribile e ambiguo della bellezza.

Dal dialogo e dall'amicizia tra l'artista Nino Rollo, ateo ma convinto del valore salvifico della scultura, un frate della comunità francescana, Padre Rosario, e un'amministrazione comunale illuminata, quella di Lequile, vicino Lecce, nasce nel 1983 il Monumento a San Francesco, una grande scultura-segnale in pietra, simbolo di valori civici e sacrali. Il volume documenta fotograficamente la messa in opera della scultura e ne illustra il senso mediante uno scritto dello stesso artista, “scultore pietrante”, come amava definirsi.

Il volume approfondisce la figura di Francesco d'Antonio di Francesco, l'orafo a cui l'Opera del Duomo di Siena affidò il compito di realizzare un reliquiario destinato a custodire la più importante reliquia esistente in città, insieme a quella del Sacro Chiodo: il braccio destro di San Giovanni Battista, dono di Pio II. Questo manufatto costituisce la sola opera pervenuta interamente progettata e realizzata nella bottega di Francesco d'Antonio, e dunque rappresenta il punto di partenza per l'imponente indagine artistica e storico-documentaria proposta in queste pagine. Gli autori, muovendo da un'accurata lettura dell'opera, ricostruiscono la personalità dell'artista, dedicando attenzione al contesto offerto dalla Siena dell'epoca, nella quale si forma e lavora per un lungo arco di tempo, confrontandosi con personalità quali Ghiberti, Donatello e Lorenzo di Pietro detto il Vecchietta. Il volume intende così porre delle basi per ricostruire un panorama complesso e per molti aspetti sfuggente - a causa delle ingenti perdite - come quello della produzione orafa a Siena tra gli anni trenta e gli anni ottanta del Quattrocento.

Il volume è dedicato alla figura dello scultore Guido Calori (Roma, 1885-1960). Noto soprattutto per l'attività scultorea premiata in numerose occasioni, Guido Calori, vincitore a soli ventitré anni del Pensionato artistico nazionale, si è distinto in campo decorativo e architettonico – famosa la collaborazione con Galileo Chini alle Terme di Salsomaggiore – ma anche pittorico e infine letterario, ottenendo per due volte il premio Poletti all'Accademia di San Luca. Per quarant'anni si è dedicato all'insegnamento, detenendo la cattedra di Scultura presso le Accademie di Belle Arti di Firenze, Bologna, Napoli e Roma. Il volume ripercorre la sua esperienza umana e artistica attraverso una narrazione condotta in prima persona, che si fonda sui ricordi da lui stesso trasmessi a parenti e amici anche in forma scritta, raffrontati sia ai documenti conservati nell'imponente archivio della Fondazione Museo dell'Opera di Guido Calori, sia ad altre fonti rintracciate in importanti istituzioni italiane. Non si tratta quindi di una biografia tradizionale e nemmeno di un testo di storia o storia dell'arte, sebbene gli eventi rievocati portino a riflettere sul delicato periodo vissuto dall'artista, ovvero il passaggio dal XIX al XX secolo. Questa "autobiografia postuma per procura" permette di conoscere un artista dalla personalità complessa e sfaccettata, che è vissuto ancorato a ben saldi e radicati principi morali e secondo i canoni classici dell'arte ai quali si è mantenuto fedele, con onestà e coerenza, per tutta la vita.

Il celebre ritratto La donna dal colletto bianco, posto a raffronto con sei disegni a matita - opere conservate al Musée di Grenoble -, offrono lo spunto per fare luce sull'arte di Amedeo Modigliani (Livorno, 1884 – Parigi, 1920), uno dei pittori più controversi e affascinanti del XX secolo. Leggendario membro della Scuola di Parigi, perfetto stereotipo dell'artista maledetto - sempre in bilico tra genio e sregolatezza - Modigliani unisce alle influenze estetiche di inizio secolo - in primis quelle di Cézanne e Toulouse-Lautrec - l'interesse per la scultura primitiva, e l'ammirazione per gli artisti senesi del Gotico e del Rinascimento. Modigliani, grazie a queste suggestioni, elabora una concezione assolutamente originale del ritratto, dove l'essenzialità della linea diventa il suo tratto distintivo, e il disegno, non più solo preparatorio, protagonista.

Venticinque anni di storia raccontati con 128 opere attinte dal patrimonio della GAM e della Galleria Sabauda, facendo ruotare le due raccolte pubbliche intorno a una significativa selezione di 73 capolavori dall'importante collezione privata dell'avvocato Giuseppe Iannaccone di Milano: attraverso tale dialogo si sono volute indagare, tramite opere di grande qualità artistica, la storia, le idee, i progetti e gli scontri che caratterizzarono gli anni tra le due guerre. La collezione di arte italiana di Giuseppe Iannaccone rappresenta oggi un unicum nel panorama italiano e internazionale. Nata nei primi anni novanta con la volontà manifesta di ricostruire un'alternativa alla dimensione retorica e ufficiale del tempo, essa è riuscita a rintracciare le opere di un significativo gruppo di artisti che credettero in un'arte dalle molte possibilità espressive, in un arco temporale che va dal 1920 al 1945, data de Il postribolo di Alberto Ziveri. Una sfida particolare è stata inoltre quella di presentare, accanto a quelle novecentesche, alcune mirate opere di arte antica della Galleria Sabauda, che si scalano tra il Cinquecento e il Settecento, particolarmente efficaci per evocare lontani ricordi, suggestioni e confronti, tematici o stilistici, che consciamente o inconsciamente sembrano aver influenzato e stimolato i nostri artisti di primo Novecento.

La pubblicazione, suddivisa in due tomi, è dedicata a una delle raccolte di medaglie più importanti al mondo, ovvero quella messa insieme nell'arco di mezzo secolo dall'ingegner Mario Scaglia, esponente di una solida dinastia di industriali lombardi. La collezione annovera quasi cinquecento esemplari metallici di ambito rinascimentale e barocco, di varie geografie (anche extraitaliane) e di altissima qualità. L'opera editoriale intende illustrare il prezioso patrimonio di questa raccolta e al contempo offrire uno strumento per inquadrare il tema della medaglia nel più ampio contesto della storia dell'arte, e della scultura in particolare. Le medaglie infatti si configurano quali eccezionali veicoli di comunicazione, che raccontano – attraverso i ritratti effigiati sul dritto, accompagnati da iscrizioni, e le rappresentazioni sul rovescio - storie di uomini e di donne di un passato lontano che si proietta al nostro presente, attraverso la costruzione di un'immagine destinata tanto ai loro contemporanei quanto ai posteri. Il primo volume accoglie una serie di contributi critici che indagano il tema della medaglia, e alcuni approfondimenti dedicati a una ventina di esemplari della raccolta di particolare interesse per rarità e curiosità. Il secondo volume pubblica catalogo scientifico della collezione.

Il volume prende spunto dalla rinnovata fruibilità di alcuni dipinti murali realizzati da Marcello Dudovich (Trieste, 1878 – Milano, 1962) negli ambienti di Palazzo Aeronautica a Roma, per indagare un capitolo poco conosciuto della biografia del grande cartellonista pubblicitario. Dudovich fu chiamato da Italo Balbo a decorare gli spazi accessori del Palazzo destinato a ospitare il nuovo Ministero dell'Aeronautica, realizzando tra il 1931 e il 1933 nove eccezionali murales per celebrare, con sorprendente freschezza non priva di humour, le prodezze dei conquistatori dell'aria della sua epoca. Le opere, realizzate insieme al collaboratore Walter Resentera, furono a lungo neglette e trascurate, e solo oggi un sapiente restauro ha riconsegnato al pubblico ciò che di esse è sopravvissuto. A partire da queste sorprendenti opere, accompagnate da documenti, fotografie e cimeli, sono presentate oltre 200 opere che ripercorrono lo stile e l'attività dell'artista non solo nel campo della réclame pubblicitaria ma anche nei settori dell'illustrazione, della pittura e della decorazione, restituendo al contempo - attraverso numerose testimonianze - l'atmosfera di un'epoca irrequieta e creativa, ammaliata dalla modernità e cruciale per la storia del nostro paese.

Il volume presenta duecento gioielli moda italiani che, dalla Dolce Vita degli anni 50 al Prêt-à-Porter degli 80, dal Minimalismo dei 90 fino al Fashion Tech del nuovo millennio, definiscono lo specchio estetico della società, mostrando la trasformazione degli stili e dei costumi, le ambizioni e le conquiste delle donne, l’evoluzione delle forme, dei materiali e delle nuove tecniche di produzione. Il racconto di una storia tipicamente italiana, per la capacità di coniugare creatività e manifattura, artigianato e industria, arte e tecnologia, bellezza e innovazione.

Lo straordinario fervore creativo cui pervenne la fotografia tra il primo e il secondo conflitto mondiali si può senz'altro attribuire alla circolazione dinamica di persone, idee, immagini e intenti che caratterizzò questo periodo in Europa e negli Stati Uniti. La migrazione volontaria e involontaria, la formidabile diffusione di pubblicazioni su ambedue le sponde dell'Atlantico, nonché le grandi mostre che fecero dialogare tra loro le più svariate realizzazioni artistiche, contribuirono a determinare un periodo di innovazione che segnò un momento aureo nella storia della fotografia, come pure nel campo delle arti e delle lettere. Poche raccolte di fotografie catturano lo spirito immaginativo di questo momento storico come la Thomas Walther Collection al Museum of Modern Art. Questo volume testimonia la vitalità di questo capitolo della storia della fotografia, fornendo prove della brillantezza dei professionisti che si esercitarono in Europa e negli Stati Uniti nel periodo tra le due guerre.