Silvana

Il volume, che apre le celebrazioni per il centenario della nascita di Pier Paolo Pasolini (Bologna, 1922 - Lido di Ostia, 1975) vuole mettere in luce la sensibilità pittorica del poeta-regista, evidenziando la sua piena apertura al dialogo fra letteratura, cinema e arti figurative. Pasolini infatti, pittore egli stesso per tutta la vita, ha sempre indicato i modelli pittorici come riferimenti per il proprio linguaggio cinematografico. Allievo di Roberto Longhi all'Università di Bologna, dalle cui lezioni sul Romanico e su Caravaggio fu particolarmente influenzato, Pasolini costruisce inquadrature come scene dipinte, esprimendo efficacemente attraverso di esse contenuti molto complessi. La citazione artistica viene espressa attraverso la messa in posa, i lunghi primi piani che sottolineano la ieraticità dei volti (di attori presi il più delle volte dalla strada) e la ricostruzione di veri e propri tableaux vivants. Da 'Accattone' (1961) a 'Mamma Roma' (1962), da 'RoGoPaG' (1963) a 'Il Vangelo secondo Matteo' (1963-64), da 'Teorema' (1968), a 'Il Decameron' (1971), si rincorrono i riferimenti ai grandi artisti del passato, quali Mantegna, Caravaggio, Pontormo, Rosso Fiorentino, Piero della Francesca, Giotto, Velázquez, Francis Bacon. Ma la grande arte è presente nella concezione estetica di tutti i film di Pasolini, fino all'ultimo, lo scandaloso quanto lucidissimo e profetico 'Salò o Le 120 giornate di Sodoma'. Mamiano di Traversetolo, Fondazione Magnani Rocca, settembre - dicembre 2021.

Joan Miró (Barcellona, 1893 - Palma di Maiorca, 1983) è uno dei protagonisti della scena artistica internazionale del XX secolo. Attraverso cinquanta opere fra gli anni trenta e gli anni settanta, per la gran parte a olio su tela, il volume propone un percorso che evidenzia la sfida continua operata dall'artista nei confronti della pittura tradizionale, nell'intento di “assassinarla”. La sua arte si fonda su sensazioni, emozioni immediate e suggestioni: colori brillanti e forti contrasti, linee sottili e soggetti allucinati e onirici. Miró dipinge ispirandosi alle forme della natura, ma anche alla musica; per un periodo compone inoltre poesie di stile surrealista, seguendo meccanismi psicologici simili a quelli adottati in pittura. Egli aspirava al divino e la musica e la poesia erano le sue fonti di ispirazione. A essere particolarmente documentati sono gli ultimi decenni di attività dell'artista, con tele di grande formato e poetica bellezza, e i temi ricorrenti che egli reinventa con frequenza – con l'uso costante di simboli come gli uccelli, le stelle o i cieli stellati, la donna – nello stesso tempo sottolineando influenze così diverse come la tradizione popolare, la calligrafia asiatica o i graffiti urbani. Un viaggio dentro i sogni di Miró, perché questa è la trama della sua arte.

Uno straordinario e insolito racconto in cui lo sguardo dei celebri fotografi dell'agenzia Magnum Photos esplora il ciclismo, uno degli sport più popolari e amati di sempre. Una storia per immagini che non si limita a testimoniare le gesta dei campioni e le grandi manifestazioni internazionali, Tour de France in primis, ma anche la quotidiana e sorprendente umanità di tutti coloro che ne sono in qualche modo coinvolti. A differenza della tradizionale fotografia sportiva, le immagini qui raccolte - selezionate dall'enorme archivio della celebre agenzia americana, fondata a New York nel 1947 – raccontano il ciclismo attraverso la sensibilità e l'ironia di questi autori, in un percorso a tappe che parte dagli scatti di Robert Capa arriva fino ai giorni nostri, attraverso l'obiettivo di Alex Majoli. Un racconto che indaga la dimensione umana di uno degli sport più seguiti dal grande pubblico, che va oltre le gesta sportive e svela le alchimie del ciclismo, l'unico sport, come ripeteva Gianni Mura, dove "chi fugge non è un vigliacco".

Il volume è dedicato a Giuseppe Modica (Mazara del Vallo, 1953), artista affermato in ambito nazionale e internazionale, le cui opere sono caratterizzate da atmosfere enigmatiche e dense di presagi, che portano l'osservatore in una dimensione ignota e segreta che affascina e turba allo stesso tempo. I lavori qui presentati riflettono in particolare sul tema dell'atelier, soggetto fra i più indagati dal pittore siciliano: lo studio, infatti, rappresenta il luogo creativo per eccellenza, rifugio in cui la fecondità del pensiero, l'impulso creativo e l'ispirazione prendono forma traducendosi in opera finita, esteticamente compiuta.

Il volume descrive la stagione di maggior fulgore del Marchesato di Saluzzo, un piccolo stato di frontiera che nel basso Medioevo ha avuto un ruolo importante tra la Francia e le maggiori potenze territoriali italiane. Con il grande protagonista della stagione tardogotica, il marchese Tommaso III (1357?-1416), il clima culturale è pervaso dalla civiltà cavalleresca di stampo francese, mentre con i suoi successori Ludovico I (1416-1475) e Ludovico II (1475-1504), il territorio presenta una pluralità di espressioni artistiche. Nel corso del Cinquecento, quando lo stato perde la sua autonomia con l'annessione alla Francia, prima di essere assorbito dal Ducato di Savoia, la cultura figurativa saluzzese si avvia infine verso un aggiornamento al manierismo di ispirazione centroitaliana. Le opere presentate illustrano questo ampio percorso cronologico con numerosi esempi tratti dalla pittura, dalla scultura, dall'intaglio, dall'oreficeria, in un continuo gioco di rimandi tra i materiali esposti e ciò che è visibile sul territorio, accostando le commissioni di corte alla cultura variegata e spontanea che caratterizza le vallate alpine.

Gli scatti raccolti in questo volume ci accompagnano in sella alla nuova Multistrada V4 prodotta da Ducati, alla scoperta del suo spirito più profondo che coincide con l'essenza stessa del viaggio: 3000 km percorsi lungo alcuni degli itinerari più suggestivi d'Italia, ovvero sulle strade costiere della Sardegna, sui crateri sommitali in Sicilia e sulle vette innevate d'Abruzzo. Velocità e controllo, potenza ed equilibrio di questo veicolo - frutto di un progetto ambizioso che rappresenta un punto di svolta non solo per la celebre casa motociclistica italiana ma per l'intera industria del settore – si fondono con i paesaggi della natura circostante, restituendo l'esperienza di un tragitto che ha una sola meta in mente: la strada stessa.

Andrea Tinterri raccoglie in questo volume dal taglio personale - quasi un diario - nove racconti dedicati ad alcuni artisti e fotografi che hanno influenzato il suo approccio all'immagine, contribuendo alla sua formazione di critico: Alessandro Sambini, Francesco Jodice, Irma Blank, Alessandra Spranzi, Guido Segni, Gianni Pezzani, Nicolò Cecchella, Uliano Lucas, Stefano Serretta. Nove incontri molto diversi, che offrono una lettura originale di alcuni protagonisti della fotografia contemporanea.

Per più di trent'anni Arte Sella è stata sinonimo di arte nella natura, un laboratorio creativo unico in Italia e nel mondo, dove l'arte ha tessuto un dialogo continuo con la natura della Val di Sella, valle laterale della Valsugana, in Trentino. Il 29 ottobre 2018 la tempesta Vaia si è abbattuta su questi luoghi, devastando in pochi attimi il bosco alle pendici sud del monte Armentera, in cui si insinuava armoniosamente il percorso ArteNatura. Nonostante lo sgomento causato dall'evento, emerge forte la consapevolezza di quanto sia urgente una riflessione sulla coesistenza tra uomo e natura, e di come l'arte possa continuare a svolgere in tale contesto un ruolo importante. Arte Sella si fa foriera del messaggio attraverso questo libro, che raccoglie le immagini di dieci grandi fotografi a documentare l'accaduto. Borgo Valsugana, Spazio espositivo Montura, luglio - dicembre 2021.

Questo volume riunisce l'opera pittorica di Vincenzo Radino (Rapolla, Potenza, 1914, Milano 1988), un pittore appassionato e sapiente, quasi sconosciuto al pubblico, e l'opera fotografica di Francesco Radino (Bagno a Ripoli, Firenze, 1947), suo figlio, uno dei più noti e stimati fotografi italiani contemporanei. Scrive Francesco Radino: “Andavo spesso a trovare mio padre nello studio dove si rinchiudeva in silenzio la sera ed era bello osservare il suo lavoro tenace e malinconico, il suo comporre – su tele spaventosamente vuote – immagini che via via prendevano forma attraverso un rito magico e sorprendente. Erano nature morte, paesaggi, corpi di donna, che nascevano per incanto dai misteriosi sentieri della fantasia per poi riemergere, attraverso i suoi occhi socchiusi, in forme insolite e a volte incomprensibili al mio sguardo. [...] Da lui ho appreso dell'esistenza delle molteplici forme sovente nascoste e in attesa di essere svelate”. Pittura e fotografia sono strumenti di lavoro diversi e grande è stato il dibattito sulle influenze reciproche tra le due arti. Questo volume non intende creare un confronto tra pittura e fotografia ma mettere in luce alcuni momenti di vicinanza tra Vincenzo e Francesco Radino, come il forte legame con la terra, l'amore per la natura, l'attitudine a osservare le forme e le materie del mondo per penetrarne la complessità e i significati.

Nel 2018 la Fondazione Federico Zeri ha dedicato il corso annuale di alta formazione sui grandi conoscitori della storia dell’arte al suo illustre fondatore, di cui quest’anno ricorre il centenario della nascita. La pubblicazione di quegli interventi si inserisce dunque nel calendario degli eventi celebrativi. I contributi qui raccolti, scritti da sedici importanti studiosi, riflettono l’ampiezza degli interessi e del raggio d’azione di Zeri. Essi spaziano infatti dalla rievocazione delle riscoperte e dei dibattiti principali di cui egli è stato protagonista (dalla questione Giotto-Cavallini a Carlo Crivelli, da Donato de’ Bardi alla pittura dell’Italia centrale e meridionale, dallo Pseudo-Rinascimento alla pittura della Controriforma), alle riflessioni sulla sua magistrale padronanza degli strumenti della connoisseurship (la ricostruzione di polittici smembrati, i casi del Maestro delle Tavole Barberini e del Maestro dei Baldraccani, gli eccentrici fiorentini, il giovane Bernini) e al suo interesse per il censimento e la catalogazione del patrimonio artistico nazionale (i cataloghi di collezioni italiane, il repertorio della Natura morta). Non manca un affondo sulla sua scrittura scientifica, sobria e icastica in aperta reazione a quella elaborata da Roberto Longhi. Una pluralità di voci e strumenti a conferma della centralità di Zeri nel dibattito storico-artistico della seconda metà del Novecento.

Le metamorfosi sono un tema centrale della creatività contemporanea, indagata da artisti, stilisti, designer, filosofi e artigiani che hanno valicato gli steccati esclusivi delle rispettive discipline alla ricerca dell'inclusività mutevole delle stesse. Con spirito pioneristico, anche Bulgari le esplora nelle loro diverse accezioni: simboliche, creative e artistiche. Protagonista della narrazione è il serpente, emblema di rigenerazione in tutte le culture e icona della maestria orafa della maison romana dagli anni quaranta a oggi. Nelle metamorfosi simboliche, il rettile incarna l'archetipo di trasformazione e di rinnovamento che rimanda al dualismo della vita, mentre in quelle creative la sua malìa seduttrice ha profondamente ispirato la cultura materiale, dall'abbigliamento antico alla moda contemporanea, dal gioiello primitivo alle collezioni di Bulgari che lo celebrano come simbolo, mito, tema creativo e ornamento per la persona. Dal lato artistico, infine, Bulgari ha chiesto a cinque artisti di rappresentare la propria idea di metamorfosi: Refik Anadol, Ann Veronica Janssens, Azuma Makoto, Daan Roosegaard e Vincent Van Duysen le hanno così interpretate attraverso la poetica dei rispettivi linguaggi artistici, con risultati sorprendenti, eterogenei e potenti, a dimostrazione di come esse siano l'atto più rivoluzionario e profondo nella vita di una persona, di una società o di una cultura.