Fotografia e fotografi

Federico Pignatelli della Leonessa, fondatore, proprietario e presidente dei Pier 59 Studios, i più grandi e celebri studi fotografici e multimediali al mondo, definiti la Hollywood della fotografia, è anche fondatore e Presidente di Art and Fashion Group (AFG), holding di servizi integrati per la pubblicità e la moda, tra cui produzione nonché rappresentanza di talenti. Architetto e designer per passione, oltre agli studi fotografici, ha ideato e progettato nei dettagli le case in cui vive, compresi il loft di SoHo, a New York, e la villa di Beverly Hills, in California, oltre agli interni dei suoi due yacht a motore, uno ormeggiato nel Mediterraneo, l'altro ai Caraibi. Nato a Roma nel 1963 da una famiglia tra le più nobili e antiche d'Italia, le cui origini risalgono al 900 d.C., Pignatelli detiene il titolo di Principe e vanta tra i suoi antenati Papa Innocenzo XII (1691-1700), oltre a numerosi Cardinali e Condottieri al servizio dello Stato Pontificio. Pignatelli ha lavorato con successo nel settore immobiliare, come giornalista finanziario esperto di politica monetaria internazionale, nell'investment banking tecnologico e come venture capitalist vivendo a Roma, Milano, Ginevra, Londra e New York, che infine ha scelto come sua residenza. Nel 1993 ha deciso di dedicarsi alla sua passione di sempre: la fotografia.

Forme in movimento, colore d'immaginazione, stupore.

In ogni situazione di crisi, a soffrire di più sono sempre i bambini. La loro debolezza fisica fa sì che siano spesso i primi a morire di fame, malattia e disidratazione. Estranei ai giochi di potere che regolano il mondo, non riescono a capire perché esista il pericolo, perché qualcuno voglia fare loro del male, o perché debbano partire, spesso da un momento all'altro, e abbandonare la scuola, gli amici e la propria casa. In questa serie, che si collega direttamente a Exodus, Sebastião Salgado presenta90 ritratti di giovanissimi esuli, migranti e rifugiati. Pur provenendo da diversi paesi ed essendo vittima di diverse crisi, tutti i suoi soggetti sono in fuga e hanno meno di 15 anni. Nel corso del suo ampio reportage, Salgado è rimasto colpito non solo dall'intrinseca innocenza di questi bambini e queste bambine, ma anche dalle loro impressionanti riserve di energia ed entusiasmo, persino nelle circostanze più deprimenti. Nei rifugi di fortuna allestiti sul ciglio della strada in Angola e in Burundi, così come nelle baraccopoli brasiliane e negli accampamenti dallo sviluppo caotico e incontrollato in Libano e in Iraq, i bambini rimanevano tali: erano pronti alla risata come al pianto, giocavano a calcio, sguazzavano nell'acqua sporca, facevano i monelli con gli amici e in genere erano entusiasti di farsi fotografare. Per Salgado, la loro esuberanza costituiva un curioso paradosso. Come può un bambino sorridente essere simbolo di privazione e angoscia? Egli tuttavia notò che, quando chiedeva ai bambini di mettersi in fila per farsi ritrarre a uno a uno, quella frivolezza collettiva svaniva. Di fronte alla macchina fotografica, ciascuno di loro si faceva molto più serio. Non erano più parte di un gruppo scalmanato, ma singoli individui. Assumevano pose più solenni, e fissavano l'obiettivo con un'improvvisa intensità, come se di punto in bianco si rendessero conto del proprio stato. Osservando il loro sguardo, le mani che giocherellavano nervosamente e i vestiti logori che cascavano da quei corpi terribilmente esili, Salgado capì che quegli scatti meritavano una serie a parte. Le fotografie non vogliono essere una dichiarazione sui sentimenti dei soggetti né intendono esporne per filo e per segno le carenze in fatto di salute, istruzione e alloggio. La raccolta permette piuttosto a90 bambini di guardare l'osservatore con tutto il candore dell'infanzia e la totale incertezza per il futuro. Belli, fieri, pensierosi e tristi, stanno in piedi davanti all'obiettivo per un istante della loro vita, ma pongono domande su cui riflettere per anni a venire. Rimarranno in esilio? Avranno sempre un nemico da cui fuggire? Una volta diventati grandi, seguiranno la strada del perdono o della vendetta? Ma soprattutto, diventeranno mai grandi?

Una grande affinità legò Lewis Carroll e il suo fantastico universo alla fotografia. La morte del soggetto, la sua resurrezione al di là del reale, l'arresto del tempo, la presenza di ciò che è assente e l'assenza di ciò che è presente, tutti questi paradossi Carroll li visse un'infinità di volte dietro il suo obiettivo. La fotografia svolse un'altra funzione per il grande poeta: quella di essere la camera di compensazione della sua vita amorosa frustrata. Noi fotografi siamo una genia di bricconi, di guardoni e di ladri. Ci troviamo ovunque non siamo desiderati; tradiamo segreti che nessuno ci confida; spiamo senza vergogna ciò che non ci riguarda e ci appropriamo di cose che non ci appartengono. E, a lungo andare, ci ritroviamo possessori delle ricchezze di un mondo che abbiamo depredato. Fu dunque la fotografia che permise a Lewis Carroll, a questo pastore tentato dal maligno, di esorcizzare i demoni che lo perseguitavano. Grazie alla fotografia, la cattura dell'immagine poteva surrogare il possesso. "Era fatale" scrive André Bay, uno dei suoi più profondi conoscitori, "che Carroll facesse intervenire questo schermo tra l'inaccessibile fanciulla e la sua brama di averla. Egli la possedeva attraverso l'obiettivo". (Dallo scritto di Brassaï). Il volume raccoglie una serie di scritti sulla fotografia usciti su diversi periodici tra il 1855 e il 1899 e un saggio di Brassaï sulla fotografia dell'autore di Alice.

Che cos'è l'amore? Una domanda semplice e ingenua con cui ognuno di noi almeno una volta nella vita ha fatto i conti. Con questa domanda in testa, la fotografa Laura Lafon è partita insieme al suo amante per le Dry Mountains del Kurdistan per un viaggio attraverso la sensualità, le convenzioni sessuali e sociali con in testa questa unica parola: amore. Come in un sogno, tra l'irreale e il surreale, queste fotografie colpiscono e provocano per la loro immediatezza, e ci lasciano entrare in un mondo misterioso, fatto di regole da infrangere, anche con leggerezza e humor. Perché quando tutto è contenuto dentro rigidi conformismi, qualcosa ribolle sotto. E allora si conviene che l'amore non è solo un'emozione, o un sentimento, forse è anche libertà, audacia e potere. A volte si trova all'interno di convenzioni sociali, al centro di tradizioni, o bersaglio di tabù ed è allora che la sua dirompenza diventa ribellione. Forse rivoluzione. Involontaria, e inesorabile. Bellissima.

"Us and Them" è un tributo al legame tra due persone e all'arte. Pubblicato per la prima volta nel 1999, raccoglie fotografie di Helmut Newton e sua moglie, l'attrice e fotografa June Newton, conosciuta sotto lo pseudonimo di Alice Springs. Il volume è suddiviso in cinque sezioni, in cui si alternano il mondo intimo del "noi" e l'eleganza dell'ambiente sociale e professionale popolato da "loro". Le sezioni dedicate a "noi" contengono ritratti e autoritratti dei due fotografi, tanto sorprendenti nei momenti di vulnerabilità quanto contagiosi nelle situazioni di allegria. Li vediamo pensierosi, stanchi o in preda alle risate. Alice fotografa Helmut sul set con le sue modelle, nella doccia e sui tacchi a spillo. Helmut immortala Alice in cucina, travestita e mentre stende il bucato nuda. In queste immagini, scopriamo le fragilità e l'intimità caratteristiche di un legame a lungo termine e parallele allo stile di vita altamente raffinato per cui Newton era famoso. La forza degli scatti sta nell'individuare nel compagno o nella compagna che invecchia e diventa sempre più debole (Helmut all'ospedale, Alice che si sistema gli occhiali) lo stesso magnetismo e la stessa bellezza che possiedono i corpi perfetti ritratti da Newton nei suoi servizi di moda. Nella parte riservata a "loro", Newton e Springs volgono a turno i loro obiettivi sugli stessi soggetti - spesso famosi - tra cui Catherine Deneuve, Charlotte Rampling, David Hockney, Dennis Hopper, Karl Lagerfeld e Timothy Leary.

Vera fotografia è il timbro che autentica il retro di ogni stampa fotografica di Gianni Berengo Gardin. Ma è soprattutto la chiave per farci comprendere quanto le sue immagini siano "vere" e non "illustrazioni", come direbbe lui. Non frutto di elaborate manipolazioni, ma frammenti di realtà colti da uno sguardo attento e partecipe. Dalla Venezia degli anni Cinquanta (la sua città) fino alle fotografie più recenti dedicate alle Grandi Navi nella Laguna, il percorso del volume, e della mostra collegata, è insieme tematico e filologico. E dal momento che le opere di Berengo Gardin hanno raccontato un'epoca e costruito una visione, alcuni testimoni eccellenti (intellettuali, colleghi, registi, artisti, architetti...) hanno scelto e commentato ognuno una fotografia diversa, estratta dall'immenso archivio. Le 24 immagini commentate permettono ancor di più di ragionare sul valore della testimonianza sociale ed estetica di un grande maestro italiano.