Marsilio: Cataloghi

La donazione di Egidio Martini è la più importante fatta alla città di Venezia dagli inizi del Novecento, sia per il numero delle opere, che per l'alta qualità che per l'importanza filologico-storica. È una collezione di dipinti, quasi tutti di scuola veneziana, che vanno dal '400 agli inizi del '900 e che comprende opere di maestri importanti ma anche di artisti che proprio grazie agli studi di Martini hanno trovato una giusta collocazione nel contesto dell'arte veneta.

Il volume è realizzato nell'ambito delle celebrazioni del bicentenario della nascita di Giacomo Leopardi e rappresenta il catalogo dell'esposizione di Recanati (Villa Coloredo Mells, 30 giugno - 1 novembre 1998). Un percorso attraverso il Neoclassicismo e il Purismo avendo come riferimento le annotazioni, le esperienze artistiche negli scritti di Giacomo Leopardi ("Zibaldone" e "Epistolario"). Un inedito taccuino canoviano con 57 disegni autografi, sculture dell'artista, dipinti e disegni di Mengs, Felice Giani, Tommaso, Minardi; preziose sculture di Thomite rendono insolita la mostra e il relativo catalogo.

Il volume costituisce il catalogo della mostra (Fossombrone, San Francesco, 19 luglio - 19 ottobre 1997). e potenzialmente disagevoli che si producono all'interno di un mezzo di trasporto dalla metà del '700 ai giorni nostri. Il testo si articola in undici capitoli, distribuiti in sei parti. Ciascuna di esse è dedicata a uno specifico mezzo di trasporto, con le tipologie abitative che lo caratterizzano, esaminate nella loro evoluzione su base cronologica; la quinta parte analizza progetti di domesticità in movimento che, pur non essendo stati realizzati, hanno influenzato l'immaginario collettivo; infine la sesta, analizza gli oggetti tecnologici che accompagnano l'uomo nei suoi viaggi.

Il volume è il catalogo di una mostra tenuta a Empoli (17 settembre-11 dicembre 1994) nella Chiesa di Santo Stefano degli Agostiniani. La mostra è dedicata alle tavole dei due "Santi": San Michele Arcangelo e San Giovanni Evangelista. In mostra anche dodici opere giovanili del Pontormo, alcuni dipinti di altri maestri fiorentini del primo Cinquecento e 15 dipinti e disegni di Jacopo da Empoli.

Il progetto è un inedito percorso di ricerca dedicato dal MAN a fotografi italiani che dal secondo dopoguerra hanno raccontato il mondo sociale della Sardegna, esplorandone lo sviluppo tra arcaismi irrisolti, modernità incombente e un complesso rapporto con l'Italia continentale. Le fotografie di Lisetta Carmi testimoniano lo sguardo d'intensa empatia che l'artista ha rivolto alla Sardegna a partire dalla prima metà degli anni sessanta, alla ricerca di temi quali la dignità del lavoro, il ruolo delle donne e le trasformazioni sociali e paesaggistiche dell'isola. Lisetta Carmi, genovese, pianista, fotografa, seguace di Babaji, studiosa e iniziata al silenzio non ha vissuto una vita, né due. Ha vissuto tante esistenze quante sono le arti che ha accarezzato con talento, come la fotografia (sua la storica immagine di Ezra Pound ritratto sulla porta di casa), la musica e il misticismo. Oggi Lisetta Carmi ha quasi novantasei anni, ha abbandonato la fotografia nel 1984, vive in Puglia guidando un ashram «per la trasformazione delle persone e per la purificazione della loro mente, per la meditazione e per il karma yoga», eppure Lisetta Carmi e i suoi lavori sono più attuali che mai. Dopo lunghi anni di oblio le sue fotografie sono oggi oggetto di grande attenzione. Lo dimostra questa pubblicazione che, attraverso scatti inediti, permette di arricchire la sua vicenda artistica.

Palazzo Grimani a Santa Maria Formosa costituisce un unicum architettonico a Venezia, così come unica è la sua storia. Edificato agli inizi del Cinquecento in stile manierista, caso più unico che raro in città, era la dimora di un'importantissima famiglia patrizia, che annoverava tra i suoi esponenti Patriarchi, Cardinali, Dogi e Procuratori, tutti collezionisti appassionati di antichità greche e romane. Una raccolta vastissima e molto prestigiosa, quella dei Grimani, che alla morte del Patriarca Giovanni, nel 1596, fu donata alla Repubblica Serenissima e collocata all'interno della Biblioteca Marciana, dove fino a oggi è stata esposta. L'esposizione Domus Grimani 1594 - 2019 riporta dopo oltre quattro secoli la collezione statuaria del Patriarca Giovanni nel suo luogo d'origine, palazzo Grimani, divenuto nel frattempo museo statale. Fulcro della mostra è la ricostruzione della Tribuna del patriarca Giovanni, l'ambiente più singolare dell'intera dimora, le cui pareti, scandite da pilastri, elementi architettonici e nicchie erano state ideate per esporre la straordinaria collezione di antichità della famiglia Grimani. Il catalogo approfondisce la storia della collezione Grimani, a partire dal camerino delle antichità, e ne rivela la straordinaria bellezza, anche grazie a un'importante campagna fotografica realizzata per l'occasione. Il volume prosegue con la descrizione delle sale che costituiscono lo spazio espositivo che conduce alla Tribuna, regalando al lettore la meraviglia della decorazioni di una dimora aristocratica del XVI secolo, grazie alle immagini di arredi, arazzi, quadri e oggetti evocativi di un'epoca e di uno stile di vita unici nel loro genere. Edizione in lingua inglese.

Da Anna Magnani a Grace Kelly, da Ezra Pound a Pier Paolo Pasolini, da Umberto di Savoia a Giorgio De Chirico, Paolo Di Paolo (Larino, Campobasso, 1925) ha raccontato la società italiana, il mondo del cinema e quello dell’arte tra gli anni cinquanta e sessanta attraverso uno sguardo sempre intellettualmente colto. Tra i principali fotografi della rivista «Il Mondo», diretta da Mario Pannunzio, e collaboratore delle principali riviste dell’epoca, Di Paolo viene riscoperto ora che il suo archivio è stato recuperato e studiato. Nel volume una attenzione particolare è dedicata al reportage “La lunga strada di sabbi” commissionato nel 1959 proprio da Pannunzio a Di Paolo per le foto e a Pasolini per i testi. Dedicato alle vacanze al mare degli italiani e pubblicato a puntate proprio nella rivista «Il Mondo», ci offre oggi uno spaccato autentico dell’Italia nel pieno del boom economico.

Marina Abramović, una delle personalità più conosciute, controverse e influenti dell'arte contemporanea, "sacerdotessa" e "matriarca" della performing art, quell'arte performativa, effimera, che opera tra esibizione e arte visiva e in cui l'artista utilizza come strumenti di espressione il proprio corpo e il tempo. Marina ha dato visibilità a una forma d'arte che è nel "qui e ora", avvalendosi delle energie che si creano tra le persone, piuttosto che di oggetti: per la sua indagine artistica sono comunque fondamentali palcoscenici, colori, simboli. Il catalogo si presenta come una straordinaria retrospettiva, frutto del diretto coinvolgimento dell'artista, che riunisce oltre 100 opere dagli anni settanta a oggi, offrendo, – attraverso dipinti, video, oggetti, fotografie, progetti e la ri-esecuzione dal vivo di sue celebri performance – una panoramica sui lavori più famosi della sua carriera, insieme alla possibilità di scoprire la meno nota produzione degli esordi. Nel volume verrà inoltre sottolineato lo stretto rapporto che l'artista ha avuto e continua ad avere con l'Italia. Secondo Marina: «piaccio più agli italiani che ai norvegesi perché le mie performance sono molto emotive». E in Italia, a partire dalla partecipazione a Contemporanea, a Roma nel 1973, hanno avuto luogo molte delle sue performance più significative, alcune delle quali rievocate in catalogo.

Un'invenzione non è una rivoluzione, ma solo l'inizio di un percorso. Le invenzioni introducono innovazione nella società, le rivoluzioni avvengono quando l'innovazione si diffonde e cambia radicalmente la vita di ogni giorno. Il progetto 15cBooktrade dell'Università di Oxford studia l'impatto economico e sociale dell'invenzione della stampa sulla società europea della prima età moderna. Da anni, e in collaborazione con centinaia di biblioteche europee e americane, raccogliamo dati dalle migliaia di volumi che ancora oggi sopravvivono e li analizziamo con tecnologie digitali innovative.

Con la sua singolare combinazione di talento, ambizione, energia e immaginazione Jacopo Tintoretto (1518/1519-1594) dominò il campo della pittura nella natia Venezia durante la seconda metà del Cinquecento. Stando ai contemporanei dell'artista e ai suoi primi biografi, egli ambiva a coprire ogni muro veneziano con le proprie tele. Giorgio Vasari lo definì “il più terribile cervello che abbia avuto mai la pittura”. Ritenuto, con Tiziano e Veronese, uno dei tre massimi pittori che contrassegnarono l'età d'oro dell'arte veneziana, Tintoretto fu un audace innovatore, tanto da stupire e, talvolta, indignare i suoi pari. Quella pennellata libera ed espressiva che spinse i detrattori a giudicare non finite le sue opere è ora riconosciuta come un passo fondamentale nello sviluppo della pittura a olio su tela. Ancor oggi il pubblico è impressionato dalle dimensioni sovrumane, dal dinamismo pittorico e dal carattere visionario delle opere tintorettiane. Pubblicato in coincidenza con il cinquecentenario della nascita dell'artista, ricorrenza celebrata con mostre sia in Italia sia negli Stati Uniti, questo volume offre una visione esaustiva della carriera di Tintoretto e degli esiti da lui raggiunti. Basandosi sulle ricerche più recenti, un gruppo internazionale di studiosi esplora in profondità vari aspetti dell'arte tintorettiana: dai metodi operativi alla venezianità di Jacopo e all'interesse da lui testimoniato per il ritratto, da accostare a quello rivolto alla pittura sacra, l'ambito da cui deriva principalmente la sua fama. Nuove scoperte biografiche forniscono risposte a interrogativi lungamente dibattuti sul posto occupato da Tintoretto nella società veneziana. Le numerose illustrazioni, molte delle quali dedicate a particolari delle opere, presentano oltre centoquaranta dei più importanti dipinti dell'artista – un'ampia parte dei quali restaurata di recente – insieme a una scelta dei suoi disegni più pregevoli. Il volume, rivolto non soltanto a esperti e studiosi che si occupano del Rinascimento italiano ma anche al lettore non specializzato, si propone come l'analisi definitiva di uno dei giganti dell'arte europea.