Taschen: Basic Art

Con Picasso e Braque a fare da apripista, il Cubismo è stato il primo movimento d'avanguardia del XX secolo. Pesantemente influenzato dall'asprezza dell'arte e della scultura africane e dei nativi americani, il Cubismo destruttura le convenzioni di punto di vista e prospettiva, rivoluzionando la pittura e l'arte occidentale in generale. Con le sue forme piatte, geometriche, sovrapposte, semplificate e i piani spaziali frammentati, il Cubismo è diventato uno dei movimenti più influenti e di vasta portata dell'arte moderna. Questo libro narra la storia ed espone la teoria dietro il Cubismo, ed esamina l'opera dei suoi primi esponenti, e degli artisti che li seguirono. Gli artisti: Pablo Picasso, Edmond Fortier, Paul Cézanne, George Braque, Henri Le Fauconnier, Jean Metzinger, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Henri Laurens, Salvador Dalí, Brassaï, Robert Delaunay, Raymond Duchamp-Villon.

La pop art, che raggiunse l'apice negli anni '60 del XX secolo, iniziò come rivolta contro gli approcci convenzionali all'arte e alla cultura e finì per mettere ampiamente in discussione la società moderna, la civiltà dei consumi, il ruolo dell'artista e la definizione stessa di opera d'arte. Dal momento che si concentrava sulle questioni del materialismo, della fama e dei media, la pop art attingeva alle fonti del mercato di massa, dalle immagini pubblicitarie ai fumetti, dai volti più famosi di Hollywood al materiale da imballaggio dei generi di consumo, incarnati alla perfezione dai barattoli di zuppa Campbell di Andy Warhol. Oltre a contestare l'establishment nobilitando queste e altre immagini popolari, ordinarie e kitsch, la pop art impiegò anche metodi di produzione di massa, ridimensionando il ruolo del singolo artista grazie a tecniche meccanizzate come la stampa serigrafica. Corredato di riproduzioni delle opere di artisti come Andy Warhol, Allen Jones, Ed Ruscha, Robert Indiana, Jasper Johns, Robert Rauschenberg e Roy Lichtenstein, questo volume illustra tutta la portata e l'influenza di uno dei movimenti modernisti più significativi.

Figura chiave dell’avanguardia internazionale, Piet Mondrian (1872–1944) è stato allo stesso tempo un pittore straordinario e un teorico dell’arte la cui influenza è ancora molto intensa oggi come allora. Per Mondrian, “L’emozione della bellezza è sempre impedita dalla presenza dell’oggetto, che deve perciò essere eliminato dalla rappresentazione figurativa”. Dopo aver coniato il termine De Stijl, o Neoplasticismo, portò avanti uno stile pittorico composto unicamente da colori primari (rosso, giallo, blu) su una griglia di linee verticali e orizzontali nere su sfondo bianco. Nella visione di Mondrian, questo tipo di pittura essenziale avrebbe contribuito al raggiungimento di una società in cui l’arte fine a se stessa non ha spazio, ma esiste piuttosto per la totale realizzazione della “bellezza”. Agli occhi dei contemporanei, Mondrian rappresentava un artista di assoluta modernità ma anche di grande integrità. Oggi rimane uno degli esponenti più originali di tutta l’arte moderna, una star celebrata in mostre in tutto il mondo, e una duratura fonte di ispirazione per il mondo della moda, dell’arte, dell’architettura e del design, dalle copertine degli album di gruppi come i White Stripes agli abiti di Yves Saint Laurent.

Il Surrealismo ha attraversato con successo gli anni venti sospinto anche dalle idee di André Breton e Sigmund Freud influenzando profondamente il mondo dell'arte fino ai giorni nostri. Dalì, Ernst, e Magritte hanno lasciato tracce ben visibili nel cinema, nel teatro, nella letteratura e in tutte le correnti di pensiero moderne.

Dalle strade di New York alle pareti delle più importanti gallerie, il giovane graffitista e artista Jean-Michel Basquiat (1960-1988) venne catapultato alla ribalta della fama internazionale quando aveva poco più di vent'anni e morì per overdose a 27 anni. Protagonista di un film biografico diretto dall'artista e collega Julian Schnabel, Basquiat è uno degli artisti più ammirati tra quelli emersi nel corso del boom delle arti negli anni '80. Questo libro esplora la sua breve ma prolifica carriera.

Andy Warhol (1928-1987) è oggi riconosciuto come il più importante esponente del movimento della Pop Art. Ha ribaltato la tradizionale comprensione dell'arte rimpiazzandola con una visione che sconfessa l'individualità dell'artista. Warhol è stato un osservatore critico della società americana, che ha esposto il consumismo dei suoi compatrioti nei suoi dipinti (le serie Campbell e Brillo), nonché la loro fascinazione per il giornalismo sensazionalistico. Nel 1963 Warhol fondò la sua Factory a New York, letteralmente una fabbrica di idee e di lavoro, che influenzò il cinema degli anni Sessanta. Pubblicò l'influente rivista Interview nei tardi anni Settanta e produsse anche la propria opera d'arte: Warhol concepì l'idea, e un lavoratore della sua factory la mise in pratica. L'opera rimase (volutamente) anonima, cosa che nondimeno nulla tolse alla reputazione di Warhol. Il quale una volta osservò cinicamente che i ricchi abitanti di New York avrebbero volentieri appeso la sua Sedia elettrica in soggiorno, a patto che i colori si intonassero con tende e carte da parati.

Alvar Aalto (1898–1976) ha lasciato un segno unico nel panorama modernista. Influenzato tanto dal paesaggio quanto dall'indipendenza politica della Finlandia, suo Paese natale, ha progettato edifici caldi, sinuosi, attenti all'uomo e completamente agli antipodi dei lavori patinati, meccanici e geometrici che caratterizzavano buona parte della pratica architettonica europea del periodo. Che si trattasse di una chiesa, una villa, una sauna o una biblioteca pubblica, le strutture organiche di Aalto tendevano a sostituire intonaco e acciaio con legno e mattoni, spesso includendo forme curve, simili a onde, che comparivano anche nelle sedie, nella cristalleria e nelle lampade che progettava. Sempre fedele al dettaglio, Aalto insisteva sull'umanità del proprio lavoro, sostenendo che “architettura moderna non significa utilizzare materiali nuovi e immaturi, bensì lavorare con i materiali esistenti in modo più umano”. Molti degli edifici pubblici progettati da Aalto, come il Municipio di Säynätsalo, l'auditorium del Politecnico di Otaniemi, l'Istituto nazionale di previdenza sociale e la Casa della Cultura di Helsinki, si possono considerare pietre miliari non soltanto fisiche ma anche psicologiche della ricostruzione in Finlandia dopo le devastazioni della guerra.

Mark Rothko fa parte della generazione di artisti americani che ha completamente rivoluzionato l'essenza della pittura astratta. La sua evoluzione stilistica, nel passaggio da un repertorio visivo figurativo a uno stile astratto radicato nel rapporto attivo tra l'osservatore e il dipinto, incarna la visione radicale di un rinascimento in pittura. Rothko ha descritto questa relazione come "una consumata esperienza tra la pittura e l'osservatore". Le sue forme cromatiche attirano letteralmente l'osservatore in uno spazio riempito di una luce interiore. Rothko ha sempre respinto qualunque tentativo di interpretare i suoi dipinti. A interessargli erano soprattutto l'esperienza dell'osservatore, la fusione tra opera e supporto al di là della comprensione verbale. Rothko era un intellettuale, un pensatore, un uomo molto istruito. Amava la musica e la letteratura ed era appassionato di filosofia, specie delle opere di Friedrich Wilhelm Nietzsche e dell'antica filosofia e mitologia greche. Rothko fu protagonista del movimento dei pittori americani che divennero noti come espressionisti astratti. Formatosi originariamente a New York City nel periodo tra le due guerre, questo gruppo era anche definito la New York School. In tutta la storia dell'arte, furono i primi artisti americani a ricevere un riconoscimento internazionale come movimento significativo. Molti di loro, incluso Rothko, sono ormai figure leggendarie.

L'impatto dell'opera di Joseph Mallord William Turner (1775–1851) è simile a quello che si proverebbe acquistando improvvisamente la vista. I suoi paesaggi terrestri e marini bruciano l'occhio con una luce e un colore tanto incantevoli e una forza tanto primordiale che sembra sia il sole stesso a proiettare i suoi raggi oltre la cornice. Noto a ragione come “il pittore di luce”, Turner realizzò stampe, acquerelli e oli per trasformare il paesaggio passando da calme scene contemplative a quadri che palpitano di vita. Pur legando indissolubilmente la propria opera al Tamigi e al mare, nel contesto storico della rivoluzione industriale l'artista inserì anche imbarcazioni, treni e altri segni di attività umana, così da contrapporre la spinta della civiltà alle forze della natura. Questo volume offre una panoramica del celebre e vasto repertorio di Turner per presentare un artista che ha saputo coniugare un genere tradizionale con un radicale modernismo.

Claude Monet (1840-1926) è stato il pittore impressionista più originale e rappresentativo. Ha dedicato la sua lunga vita all'esplorazione pittorica delle sensazioni che la realtà, e in particolare il paesaggio, offre all'occhio umano. Ma, mentre il pittore Monet portava avanti i suoi temi con fiducia e perseveranza, la sua vita personale si svolgeva all'insegna dell'irrequietezza. Parigino di nascita, scoprì la pittura en plein air durante la sua giovinezza in provincia, dove una delle sue case, ad Argenteuil, è divenuta emblematica della fioritura artistica e della consacrazione ufficiale dell'impressionismo come movimento, con Monet come suo leader creativo. Nel suo tentativo di catturare il volto sempre mutevole della realtà, Monet andava al di là dell'impressionismo e quindi oltre i confini della pittura su tavola autosufficiente: a Giverny dipinse le serie dei Pioppi, Covoni e della Cattedrale di Rouen in cui declinava un soggetto in variazioni sempre nuove. Anche qui Monet rappresentò il famoso giardino con lo stagno delle ninfee che avrebbe dipinto su grandi tele verso la fine degli anni Venti. Quindi cercò di rendere non la realtà come esperita in senso oggettivo, bensì quella che si svolge "tra il soggetto e l'artista". Con la loro struttura aperta e solo vagamente rappresentativa nonché le dimensioni impressionanti, i dipinti di Monet dedicati alle ninfee indicano la strada agli sviluppi del futuro.

Con un acuto senso di osservazione e soggetti che spaziano dalla biblica torre di Babele alle feste di paese della vita contadina, il maestro disegnatore Pieter Bruegel il Vecchio fornisce una testimonianza unica sia dei costumi religiosi che della cultura popolare del suo tempo.

Enfant terrible della pittura barocca italiana, Caravaggio (1571-1610) sta finalmente ottenendo il riconoscimento che merita. Per quanto il suo nome sia ben noto, la sua opera è stata a lungo avversata e tenuta nell'oscurità. Non era solo il suo realismo teatrale a essere fuori moda per la sua epoca: violente critiche suscitavano anche i suoi soggetti ritratti in maniera anticonvenzionale e l'abitudine di impiegare come modelli persone appartenenti ai ceti popolari. L'eccezionale opera di Caravaggio ha dovuto superare secoli di discredito ed è stata riscoperta, ormai postuma, solo nel XIX secolo, quando al pittore è stato finalmente riconosciuto lo status di maestro. Caravaggio è oggi considerato il più importante pittore del primo Barocco, senza il quale non ci sarebbero stati Ribera, Zurbarán, Velázquez, Vermeer o Georges de La Tour. E le opere di Frans Hals, Rembrandt, Delacroix e Manet sarebbero certo state diverse. In questo libro troverete oltre 50 tra i migliori dipinti di Caravaggio, testimonianza di un genio che ha saputo trascendere la sua epoca.