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Francesco Clemente, nato nel movimento della Transavanguardia negli anni '80 e celebre in tutto il mondo, ha ritratto otto star dell'opera che hanno caratterizzato la stagione 2008-09 del Metropolitan Opera House di New York: Diana Damrau, Natalie Dessay, Renée Fleming, Angela Gheorghiu, Susan Graham, Karita Mattila, Anna Netrebko e Deborah Voigt. I dipinti, realizzati nell'arco di quattro mesi, li ritraggono come personaggi delle loro prossime interpretazioni. L'iniziativa è stata ideata e organizzata da Dodie Kazanjian, direttore della Galleria del Metropolitan che, ispirato dalle dive protagoniste della stagione al Met e dal talento nella ritrattistica che distingue Clemente, lo ha invitato a creare un unico ambiente che facesse da sfondo ai propri quadri.

Giardini incantati, splendide ma algide dame senza pietà, eroi solitari alla ricerca di un perduto amore, apparizioni magiche immerse in scenari di luci abbaglianti e visioni improvvise: la sorprendente e rapida attività, eclettica e prodigiosamente generosa di Claudio Guarino, "creatore" dall'imprevedibile e originale personalità, dagli oggetti alle installazioni, dai film alle performance ispirate all'opera lirica - raccolta per la prima volta in un libro. Documentato tutto il lavoro di un artista che sa parlare allo stesso tempo di desiderio, di piacere, di erotismo, non contrapposti o anche solo comparati alle norme vigenti, quanto piuttosto reimmaginati in un mondo fantastico, favoloso e senza limiti.

Percorsi mentali verso le terre lontane del ricordo e i mondi inesplorati della fantasia, i viaggi attraversano l'intera ricerca di Fausto Melotti, instancabile e ironico narratore. "L'arte è un viaggio", scriveva infatti l'artista, e I Viaggi è il titolo della raccolta di poesie e disegni pubblicata postuma nel 2002 e qui in parte riproposta, fatta di piccoli momenti, descritti attraverso immagini e parole, in cui l'anima del poeta Fausto si fonde con quella dell'artista Melotti. La preziosa selezione di scatti fotografici dell'amico intimo Ugo Mulas che completa il volume, svela l'intesa che c'era tra i due: le foto delineano in pochi dettagli delicati e sensibili l'artista e l'uomo, con il rispetto e l'ammirazione reciproci che legavano i due artisti. La casa editrice con questo volume inaugura la collana "I Quaderni dell'Istituto Italiano di Cultura di New York".

Street Portraits è una serie di fotografie scattate in cinque città del mondo a partire dal 2002: Londra, Sydney, Hanoi, Bangkok e New York con l'intento di sovvertire la gerarchia artificiale creata dalla fotografia di celebrità e la pubblicità. Ogni anno vengono spesi miliardi per mostrarci facce e prodotti ambientati in studi fotografici artificiali. In risposta a questo, l'artista ha usato una grande tavola bianca che rappresenta il muro dello studio o della galleria e l'ha posta dietro la gente comune che ha incontrato per la strada; nelle fotografie di ambientazioni urbane disperate la tavola bianca diventa un equilibratore, uno spazio negativo che unisce i soggetti mentre li separa dal loro contesto specifico, come una foto tessera. Nell'insieme il progetto Street Portraits è una meditazione sull'essenzialità umana e la conferma che facciamo tutti parte della stessa allargata famiglia.

Le figure scolpite di Michele Oka Doner impersonano archetipi umani. Dopo aver tolto la "pelle" all'idea di archetipo, l'artista si concentra sulle componenti corporee interne che comunicano la vita. La struttura delle vene e l'anatomia interna sono trasformate in trame di corallo, radici, roccia e corteccia, che esprimono la geologia essenziale della struttura della terra. Questo libro inizia con piccoli torsi tatuati di porcellana della metà degli anni '60, ma si concentra soprattutto sulla recente manifestazione della forza sia in fatto di scala che viscerale delle fusioni di bronzo in grandezza naturale.

Dopo un lutto doloroso l'artista parte per Cuba. Il libro è il resoconto fotografico e scritto delle sensazioni che quella terra gli ha trasmesso, nel bene e nel male, durante il viaggio da un capo all'altro dell'isola, per le strade e nei teatri, nella musica e nei mercati, ma soprattutto nelle palestre dove si allenano i giovani pugili, di cui Cuba è ricca. Il ricordo dell'isola è indelebile, come la gratitudine per aver riempito il vuoto lasciato dal familiare che non c'è più. Il desiderio di tornarci cresce.

Un artista riservato, Giorgio Morandi, che è uscito pochissimo dal suo studio e ha dedicato la sua arte straordinaria sempre agli stessi soggetti, dipingendoli all'infinito e riuscendo a renderli sempre diversi, nuovi. Si è circondato di persone colte e ha incontrato gli artisti del suo tempo; tra questi Giorgio de Chirico, Carlo Carrà, Arturo Martini. Per lunghi anni titolare della Cattedra di Storia dell'Arte all'Università di Bologna ha rapporti intensi anche con poeti del calibro di Eugenio Montale e Giuseppe Ungaretti che apprezzandone oltremodo il lavoro se ne fanno appassionati paladini. L'incisione ha avuto in lui uno straordinario interprete, le acqueforti conosciute, non numerosissime, sono una summa della leggerezza e della profondità che riusciva a raggiungere. Questo volume ne raccoglie una selezione preziosa, i soggetti a Morandi più cari, dai vasi ai fiori ai paesaggi fino alle conchiglie.

Cieli e fiumi e montagne e pietre che non hanno mai il colore appropriato: la natura da oggetto di attrazione a oggetto di indagine, schermo sul quale proiettare istanze psicologiche, gli affetti di uno spirito quasi visionario. La forza toccante e artificiosa del lavoro di Giovanni Frangi, che distribuisce il colore senza rispetto per verosimiglianza alcuna è una scacco al naturalismo dal cuore stesso della natura: quanto è forte il segno, quanto più sono larghe le strisce di nero sulla superficie bianca, tanto più è difficile leggere in esse fusti e corolee, un insieme di linee astratte che si rivela essere fiori e piante come bruciati.

In contrasto con il luogo comune che la vuole città grigia, produttiva e poco incline alle lusinghe della flànerie poetica, Milano ha ispirato nel XX secolo pagine e immagini di metafisica, incantata e ironica bellezza. Nel suo viaggio all'interno di un luogo fortemente simbolico della vita cittadina come la Fiera, un fotografo-viaggiatore come Giuseppe Ripa ha tenuto conto delle diverse anime della città, condensate negli spazi e nelle figure che danno vita a un microcosmo complesso, dove realtà e fantasia trovano un inatteso punto di incontro. Le immagini di Ripa rispondono a una medesima esigenza, quella di leggere lo spazio come elemento primo del rapporto tra l'uomo e il mondo, come misura di un rapporto in continuo divenire. In un'atmosfera di sospensione temporale, in un luogo di apparizioni quasi surreali, l'artista sembra divertirsi a porre in scacco, senza malizia e con leggerezza, la frenetica attività che appartiene a questi ambienti. Sono le figure e gli oggetti stessi a recitare, in forma di apparizione misteriosa, una silenziosa, garbata, eppure decisa reinvenzione del reale.

Heat è costituito da una serie di immagini che sono state tratte nel corso degli anni da una trasmissione TV di film per adulti bloccata da un segnale. A seguito dell'interruzione del segnale, i film si sono tramutati in flash. A seconda del grado di distorsione dell'immagine, le scene sono state ridotte all'astrazione completa. Questa applicazione della tecnologia ha trasformato quella che era una serie di normali film per adulti pieni di banalità e cliché cinematografici, creando un'opera visivamente affascinante. Il risultato è una cospicua raccolta di immagini che spaziano dal grottesco, al violento al contemplativo e a volte erotico, mai banali.