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Quando l'Uomo ha cercato di sorpassare le meraviglie della Natura e dei suoi materiali, allora ha creato il vetro. Questa pubblicazione sembra nascere - e lo si legge osservandone le immagini, le opere ed i così molteplici e differenti percorsi artistici dei protagonisti - come una straordinaria provocazione verso ciò che certe affermazioni del mondo del vetro e dell'arte avanzano da alcuni decenni oramai. Penso che non esista un dibattito più difficile e complesso di quello che si svolge intorno al concepire e catalogare l'oggetto in vetro. Eternamente in bilico tra manufatturiere minacce e risultati artistici straordinari, il Vetro non ha voluto ancora una volta concedere all'uomo di poterlo catalogare e classificare.

David Walter McDermott (1952) e Peter Thomas McGough (1958) si sono conosciuti sulla scena artistica dell'East Village di New York e si sono imposti all'attenzione internazionale per la fusione tra la loro arte e la vita che conducono. Ribellandosi ai confini del tempo in senso cronologico, gli artisti si appropriano dell'immaginario e dell'oggettistica del tardo Ottocento e del primo Novecento, ricostruendo le loro vite come dandy e flâneur. Il libro documenta gli ultimi due decenni di lavoro e comprende più di 120 opere realizzate con diversi mezzi fotografici d'epoca.

Un libro importante per conoscere il lavoro di un artista che usa i mezzi tecnici tradizionali al di fuori dagli schemi abituali, che crea un'espressione di arte contemporanea profondamente poetica e legata alla realtà umana più enigmatica e complessa. La pittura di Carroll (Melbourne, 1954) evoca fisicamente e metaforicamente il mistero e la complessità della vita quotidiana, lontana da modi e colori aggressivi, affine sia a Giotto che seppe rappresentare le persone, gli animali, i paesaggi, i gesti del suo tempo con sobrietà e concretezza, che a Morandi, che usò tutta la vita modelli poveri, ricoperti di polvere per stemperare forme e colori tropo definiti. Carroll crea opere capaci di esprimere la realtà umana universale in modo forte, essenziale e al tempo stesso sfuggente ed enigmatico di fronte a ogni pretesa di risposte univoche e di letture dogmatiche.

Una visione sorprendente dell'ultima Cena di Leonardo da Vinci ideata dall'artista e regista Peter Greenaway in una commistione di linguaggi: dall'arte al cinema, dalla poesia alla musica. L'autore di opere cinematografiche raffinatissime e non convenzionali, reinterpreta uno dei dipinti più famosi al mondo e utilizzando moderne e sofisticate tecnologie regala profonde emozioni. Un particolarissimo libro d'artista, documenta l'evento multimediale che si svolge nel Refettorio del Convento di Santa Maria delle Grazie, dove Leonardo ha dipinto il momento solenne in cui Cristo annuncia il tradimento ai dodici apostoli. Proiezioni di video e luce saranno accompagnati una colonna sonora di voci, musiche e suoni: il Cenacolo Vinciano prende vita. Un'iniziativa di Cosmit, prodotta dalla Fondazione Cosmit Event in occasione dei Saloni 2008. Curato da Change Performing Arts e la Sopraintendenza per i Beni architettonici e per il paesaggio di Milano.

Questo non è un libro, ma una raccolta di analisi culturali e formali sul lavoro complessivamente prodotto da Conrad-Bercah e W Office dall'inizio del terzo millennio - la cosiddetta era globale - che discute il problema dell'identità e pone l'attenzione sulle differenze culturali ancora presenti nel mondo occidentale, nonostante i supposti processi di globalizzazione. "West workroom" non è uno showroom ma un framework per ordinare materiale visivo e scritti secondo una geografia spirituale e personale. Il confronto tra pratica (progetti, icone, simboli) e teoria (saggi, "manifesti", diari, analisi culturali, scherzi e un glossario) tenta di eliminare il golfo che fino a oggi le ha tenute distinte, producendo una discussione non lineare sull'architettura e sul suo ruolo nella società contemporanea.

Il volume raccoglie una selezione di opere della collezione Ella Fontanals-Cisneros (una delle collezioni più importanti degli Stati Uniti) che si impossessano, ricreano o reinterpretano oggetti quotidiani e propongono un approccio giocoso, immaginativo, curioso e inaspettato nei confronti di oggetti usati nella vita di tutti i giorni. Ne fanno parte opere di artisti internazionali, emergenti e affermati di generazioni diverse, in vari media, dal monumentale all'intimo. Arricchita da un saggio esplicativo del curatore, Cecilia Fajardo-Hill, la pubblicazione offre un quadro generale di come gli oggetti nell'arte non siano più soggetti minori e limitati ma occupino ruoli da protagonisti nel cuore di sperimentazioni e rivolte contro l'accademismo. Il saggio, suddiviso in quattro sezioni: la Natura Morta, la Macchina, DadaDuchampReady Made e la Politica Quotidiana, consente un'esplorazione dialettica di argomenti storici riguardanti l'oggetto nell'arte.

Il libro raccoglie lavori fotografici realizzati da Carlo Ferraris tra il 1993 e il 2007 in Italia, a Romagnano Sesia, la città vicino al Monterosa dove è nato nel 1960, e a New York dove si è stabilito da tempo. Negli scatti e nei video l'artista lavora principalmente con situazioni costruite. "Questi set spiega - mi aiutano a creare immagini ambigue, provocatorie, che raccontano non solo la morte ma anche il dramma industriale, le energie cosmiche e situazioni eteree come il sogno". Nel 2004 ha ricevuto il premio "Foundation for the Arts" Associazione per la fotografia. La forza sovversiva dell'immaginario di Ferrari è nella sua ambiguità e incongruenza.

Cineasta, video maker, performer, disegnatrice, scultrice, Joan Jonas (New York, 1936) è considerata una delle figure di riferimento dell'arte americana del secondo dopoguerra. Grande sperimentatrice, Jonas ha al suo attivo una profonda esperienza di insegnamento. L'artista americana ha creato una nuova performance ideata appositamente per il Corso Superiore Arti Visive di quest'anno. Intitolata "The hand reverts to its own movement", la performance prende spunto da un testo di Aby Warburg, sul quale la Jonas interviene, mettendo a fuoco alcune parti che l'hanno particolarmente ispirata. Tema centrale è il disegno, in relazione al movimento e alla proiezione di immagini. Nella sua quarantennale attività artistica, l'artista statunitense ha tracciato un ritratto dell'identità femminile fluttuante tra corporeità e spiritualità.

Le opere documentate in questo libro sono state realizzate utilizzando diversi linguaggi espressivi, quali disegni, installazioni video, scultura e dipinti, dell'israeliano Adam Berg. L'artista esplora i regni dell'immaginazione effettiva e virtuale e l'esperienza della temporalità in relazione a ecologia, cultura e entropia. Il libro documenta alcuni progetti come "Dive", "Entropie" "Islands" e "Polar Invasion" dal disegno iniziale alla realizzazione finale. Caratteristica principale del libro è un'ampia gamma di disegni (1986-2007) che costituisce uno "strato di tempo" che precede le opere e allude a idee e sensazioni, tutte accomunate dall'atto di disegnare.

Solitamente l'universo pittorico di Pat Steir viene diviso in differenti stili, epoche e categorie. Questa monografia per la prima volta dimostra che c'é una linea di pensiero coerente che corre attraverso l'intera opera. Sebbene diversi tra loro i dipinti sono tutti collegati e l'espressione estetica di ciascun lavoro si lega a una ricerca filosofica di fondo che esplora il dubbio: "cos'é e cosa credi che sia", analizzando l'illusione filosofica della realtà e della sua percezione. Ogni dipinto è domanda e risposta di ciò che è: un dipinto. Su questo modo, Pat Steir ha costituito, in oltre 40 anni, un'opera che per il suo impatto contemporaneo potrebbe essere definita "scuola del vedere".

Alla fine del XIX secolo, Roma sta uscendo da un millennio di dominio papale e si avvia a diventare una città moderna e la capitale dell'Italia unita. Nel 1860 anche la fotografia, compiuti vent'anni, è pronta per un cambiamento: i dagherrotipi hanno fatto il loro tempo, il negativo su carta e le stampe su carta salata hanno lasciato il posto alla piastra di vetro umida e alle stampe all'albume e un gruppo di fotografi comincia a puntare gli obbiettivi a livello dell'acciottolato, immortalando scene di vita quotidiana accanto alle vestigia della città eterna e anticipando così quella che sarà la "fotografia di strada". Il volume raccoglie un importante corpus di opere di Vincenzo Carlo Domenico Baldassarre Simelli, Gustave Eugène Chauffourier, A. De Bonis ed Edmond Lebel. Trascorso un secolo e mezzo da quella sorta di "rinascimento" queste foto, pur guardando con deferenza al fascino di Roma, trasmettono un senso di intimità e candore in gran parte assente in altre opere italiane dello stesso periodo.