Corraini

Architetto, designer e teorico, Andrea Branzi ha utilizzato il mezzo della poesia come un nuovo strumento di progettazione, che si aggiunge ai linguaggi tradizionali dell'architettura e del design. Lasciando da parte le più classiche riflessioni sulle tematiche professionali e disciplinari, "Nel regno dei viventi" si concentra sui grandi temi antropologici - la vita, la morte, il destino, l'universo umano ma anche il regno animale - quali elementi chiave della cultura progettuale. "Le mie poesie", scrive Branzi, "nascono dunque senza una precisa committenza e senza una finalità letteraria, come riflessioni su argomenti, a volte ironici a volte drammatici, che mi sono serviti a cercare di approfondire lo spessore del mio segno". Ventisei poesie, accompagnate da illustrazioni realizzate dallo stesso Andrea Branzi, ci portano a riflettere sulle più profonde tematiche dell'esistenza, e ci restituiscono un affresco dei grandi temi che hanno ispirato

Perfetti per il pranzo o la merenda, facili da cucinare e comodi da trasportare, gli onigiri sono il comfort food giapponese per eccellenza e possono essere preparati in tanti modi diversi. A cominciare da quelli suggeriti in questo libro, dove due autrici - nate in Giappone ma da molti anni residenti in Italia - condividono ricette, consigli e persino una fiaba in cui gli onigiri giocano una parte fondamentale

Perfetti per il pranzo o la merenda, facili da cucinare e comodi da trasportare, gli onigiri sono il comfort food giapponese per eccellenza e possono essere preparati in tanti modi diversi. A cominciare da quelli suggeriti in questo libro, dove due autrici - nate in Giappone ma da molti anni residenti in Italia - condividono ricette, consigli e persino una fiaba in cui gli onigiri giocano una parte fondamentale.

Il libro è dedicato ai tre finalisti del MAXXI Bvlgari Prize 2022, il progetto per il sostegno e la promozione dei giovani artisti che unisce il MAXXI - Museo nazionale delle arti del XXI secolo e Bvlgari, e che negli anni ha lanciato tanti nuovi talenti sulla scena internazionale. Gli artisti selezionati per questa terza edizione sono Alessandra Ferrini (Firenze 1984), Silvia Rosi (Scandiano - RE 1992) e Namsal Siedlecki (Greenfield USA 1986): tre personalità che si muovono liberamente tra linguaggi e discipline diverse, che vanno dal topos della fotografia di ritratto, nel caso di Rosi, all'indagine sociostoriografica e antropologica, in quello di Ferrini, ai processi di trasformazione della materia, in Siedlecki. Il volume include le immagini delle opere degli artisti, i saggi critici redatti dai giurati del Premio (Hou Hanru, Dirk Snauwaert, Chiara Parisi, Simone Frangi e Pier Paolo Pancotto) e i testi nati dalle conversazioni della curatrice Giulia Ferracci con ciascuno dei tre artisti.

Parlare di playground significa raccontare storie di definizione dello spazio urbano, di creatività, di contestazione, di riflessione sulla cultura dell'infanzia: il playground è una forma simbolica che ci porta al cuore antropologico delle nostre relazioni sociali. Questo libro, nato da una ricerca della curatrice e storica del design Domitilla Dardi iniziata sul web, si apre con una "storia per immagini" dei playground: una panoramica di progetti di artisti, designer e architetti che nel tempo si sono confrontati con la realizzazione di parchi giochi. A diversi autori è stato poi chiesto di immaginare per questo libro nuovi playground: ecco allora 9 idee proposte da Paul Cox, matali crasset, Konstantin Grcic, Martí Guixé, Lemonot, Gianluca Malgeri e Arina Endo, Studio Ossidiana, Parasite 2.0 e Olimpia Zagnoli, che hanno interpretato in libertà la doppia pagina del libro come un piano di gioco. Playgrounding esplora il significato dei parchi giochi anche attraverso molte immagini d'autore: dalle fotografie di Stefano Cerio e Fujio Kito a quelle provenienti dagli archivi digitali delle principali biblioteche del mondo, passando per gli scatti di grandi autori sul tema delle giostre.

In tutte le opere di interior ed exhibition design messe in mostra in queste undici stanze, Martí Guixé sostituisce alla deliberata ricerca di uno stile un modo inconfondibile di giocare con le cose del mondo e con le parole che lo connotano, per ridare significato e senso a ciò che facciamo, ai luoghi che abitiamo, tenendosi lontano dalle suggestioni facili e dagli ammiccamenti alle mode. Nascosti sotto il velo di un'apparente innocenza, i suoi progetti e il modo di comunicarli dischiudono nuovi mondi e creano stupore. Nel suo caso sembra appropriato parlare di conceptual design, un'attitudine rivolta, come in certa arte, ad affrancare il lavoro dell'artista dalla sottomissione al materiale, per rivolgere l'attenzione alla concettualizzazione dell'immagine e alla ricerca del vero senso delle cose che ci circondano. Le undici stanze sono tematiche, ciascuna ospita opere o progetti ritenuti omogenei per l'approccio concettuale sotteso e per la declinazione progettuale proposta: un modo, forse il solo possibile, per ordinare i lavori irriducibili a ogni tipo di facile classificazione di uno dei più geniali designer contemporanei.

Il sedicesimo numero di Inventario si apre con una copertina dedicata ai fiammiferi per proseguire con Stefano Salis che commenta il lavoro dell'illustratore Noma Bar, mentre Paolo Bocchi presenta un'icona della moda, "Stockman" di Martin Margiela. Se i "Rimbalzi" di Beppe Finessi istituiscono un dialogo inedito tra momenti diversi della storia dell'arte, le "Cromie" di Manolo De Giorgi esplorano i significati del colore rosa. Le "Brevi Note" illustrate da Giulio Iacchetti sono dedicate agli animali giocattolo, mentre Corrado Levi racconta in "Perché" la lampada "Notturno Italiano" di Denis Santachiara. Dall'architettura - con il "Manuale dell'Architetto" di Fulvio Irace e Annalisa Ubaldi, che ci fanno alzare lo sguardo alla ricerca di nuove sopraelevazioni - si passa alla fotografia - con gli "Altri Sguardi" di Roberta Valtorta dedicati a Todd Hido - e alla pittura, in particolare a Theory of Painting di Mel Bochner, protagonista degli "Esercizi di Stile" di Francesco Garutti. Arianna Santambrogio propone una serie di "Accoppiamenti Giudiziosi" intorno al tema delle spine, delicate e minacciose insieme. Per "Normali Meraviglie", Damiano Gullì racconta le sculture-architetture di Przemek Pyszczek e Francesco Messina gli erbari di Massimo Gardone.

Pablo Picasso e Dora Maar indaga le reciproche suggestioni e gli intensi scambi tra i due artisti e riporta alla luce Dora Maar non solo come oggetto della rappresentazione di Picasso, sua amante e musa, ma come artista poliedrica, fotografa all'apice della sua carriera e importante punto di riferimento intellettuale per l'artista spagnolo. Concentrandosi sugli anni dal 1935 al 1944, il libro offre alcuni spunti per l'interpretazione del sodalizio tra Picasso e Maar attraverso i testi di Raphaël Bouvier, curatore della Fondazione Beyeler di Basilea, ed Emma Lewis, assistente curatrice alla Tate Modern. Il volume è pubblicato in occasione della mostra alla Pinacoteca Agnelli in collaborazione con la Fondazione Beyeler. Le due collezioni condividono infatti un nucleo di opere di Picasso, qui considerate da una nuova prospettiva: in controtendenza alla tradizionale storia dell'arte, che si è sempre concentrata sulla figura mitizzata di Pablo Picasso, questo progetto espositivo si focalizza invece sull'influenza che Dora Maar ha avuto sulla pratica dell'artista.

Il lavoro di Antonio Scaccabarozzi (Merate 1936 - Santa Maria Hoè 2008), inserito nel contesto culturale e nelle ricerche formali non solo italiane degli ultimi decenni del Novecento, va inteso come costante e rigorosa indagine sul senso e sulle potenzialità dell'arte, a partire dall'analisi degli elementi costitutivi dei linguaggi visivi, in particolare della pittura. Riflettendo su componenti quali spazio, linea, colore, chiaroscuro, luce, movimento ed equilibrio tra le parti, Scaccabarozzi arriva a sfrondare l'opera del suo bagaglio espressivo raggiungendo un'essenzialità assoluta, incorporando però anche l'imprevisto, l'infrazione o l'errore che possono irrompere nell'opera. Dalla fine degli anni Settanta, l'artista sente il bisogno di ammorbidire la regola; di sconfinare. Gli esiti più radicali e poetici arrivano con l'utilizzo di un materiale extra pittorico, di origine industriale: il polietilene. Il volume, a cura di Gabi Scardi, è pubblicato in occasione della mostra Antonio Scaccabarozzi. Progettare sconfinare (Museo del Novecento, Milano, 2022), che ripercorre l'attività dell'artista tra pittura, disegno e installazioni ambientali.

Ricostruendo il percorso artistico di Italo Zuffi dal 1996 al 2022, questa monografia raccoglie una serie di contributi critici sotto forma di conversazioni, una selezione dettagliata delle sue opere e un'ampia sezione biografica corredata da un'antologia di testi che ripercorrono in modo analitico la sua carriera. Il libro, a cura di Caterina Molteni, è pubblicato in occasione della mostra "Fronte e retro", a cura di Lorenzo Balbi e Davide Ferri, in programma a Bologna, tra il MAMbo e Palazzo De' Toschi, tra gennaio e maggio 2022.

Vite è un progetto editoriale con cui Foscarini parla di luce partendo non dalle proprie lampade ma dalle persone che vivono negli spazi che le lampade illuminano: un racconto che esplora il diverso senso di casa, il rapporto con la luce, la relazione tra la vita in casa e lo spazio esterno. Selezionato da ADI Design Index 2021, "vite" è un viaggio che ci porta in cinque città di tre diversi continenti, all'interno di ambienti veri, a incontrare persone reali nelle loro case - accompagnati dall'artista, fotografo e videomaker Gianluca Vassallo e dallo scrittore Flavio Soriga. Al centro dell'obiettivo e della narrazione sono le persone, mentre lo sguardo viene lasciato libero di aggirarsi in ambienti personali e pertanto anche imperfetti: non vediamo più i set fotografici tipici del mondo del design, ma case vissute, quotidiane, che ci raccontano da vicino le storie delle persone che le abitano, tra Copenaghen, New York, Napoli, Shanghai e Venezia.

Nei lavori di Lorenza Sannai, un'attenzione particolare viene data alla direzione della pennellata, a come la superficie dipinta, rigata dalle setole del pennello, risponde alla direzione della luce. Le sue opere esprimono una sensibilità che avverte inconsciamente il suono delle trasformazioni, una musica percepibile non dall'orecchio ma dall'occhio: sono schegge di colore che sfuggono a composizioni razionali e dialogano invece con le emozioni dell'artista, svelando le molteplici possibilità dell'esistenza oltre la misura della geometria. Nel libro d'artista Oltre la misura, le immagini dei dipinti sono accompagnate da un testo dell'artista e dai contributi di Annarosa Buttarelli, Cristina Costanzo e Anna Oggiano.