Curci

Quando e come appare sulla scena musicale il direttore d’orchestra? Quando e come diventa una figura iconica e quando il dirigere ottiene la dignità di una moderna disciplina dell’arte musicale? Queste sono le prime domande alle quali risponde l’autore attraverso un’ampia disamina dei sistemi della direzione d’orchestra in uso dalla fine del Seicento, quando nacquero i primi complessi moderni, sino ai primi decenni del Novecento, l’epoca dominata dal direttore divo e despota del podio. L’indagine segue i percorsi segreti dell’affermazione della “nuova arte”, prima in Francia e quindi in Germania, e considera le conseguenze di una diffusione pressoché capillare della direzione a due, spartita tra il maestro al cembalo e il primo violino, nel resto d’Europa. La contorta evoluzione del fenomeno viene presentata in tutti i suoi aspetti, anche i meno noti, valutando le pratiche settecentesche e ottocentesche in base alla diversa natura degli organismi sinfonici e teatrali e agli impegni connessi con la professione: segnatamente le prove d’orchestra, la lettura della partitura o dello “spartitino”, le grammatiche del gesto, nonché le diverse procedure nel controllare la massa orchestrale e i solisti. L’autore ricostruisce le vicende collegate alla genesi delle prime teorie del dirigere; analizza gli scritti di importanti compositori-direttori, tra i quali Schumann, Berlioz, Liszt e Wagner; passa in rassegna il lavoro delle prime associazioni concertistiche di Lipsia, Parigi e Londra; mette a fuoco le modalità d’uso della bacchetta onde rappresentare il ritmo e il disegno della frase musicale. Un elemento, quest’ultimo, destinato a diventare qualificante quando si consuma la separazione consensuale tra la composizione e l’esecuzione e si riconosce nel direttore il vero interprete, ossia il solo artista in grado di tradurre in suono la partitura facendo dell’orchestra il proprio strumento.

Lontano dagli occhi – e dalle orecchie – degli adulti, i ragazzi talvolta compongono musica, ricorrendo a quella creatività spontanea che permette loro di esprimersi senza i condizionamenti di una grammatica codificata. Questo volume delinea un nuovo approccio alla formazione musicale, assegnando al gioco un ruolo da protagonista: Matteo Manzitti immagina e racconta attività musicali di carattere ludico e improvvisativo, in cui si inizia a fare musica – nel duplice significato di crearla ed eseguirla insieme – prima ancora di impararne le regole grammaticali. Secondo l’idea che la scuola debba essere anzitutto attività piacevole e disinteressata, spazio sottratto alla frenesia del sistema economico e produttivo – in breve, spazio di libertà. Prefazione di Fabio Vacchi.

Le Suites per violoncello solo di Johann Sebastian Bach sono tra le composizioni più amate del repertorio musicale classico. Avvolte nel mistero - dopo la loro composizione rimasero sconosciute per quasi duecento anni - hanno acquisito un'aura magica che continua ad affascinare il pubblico di tutto il mondo. Vincitore del Gramophone Award nel 2007 per la sua interpretazione del capolavoro bachiano, il violoncellista Steven Isserlis torna in libreria per accompagnarci un questo viaggio musicale, mettendo a frutto tutta la sua profonda esperienza nell'esecuzione di queste pagine immortali.

Una raccolta di sei storie ispirate ad altrettanti protagonisti della musica internazionale. Un percorso tra generi diversi (blues, jazz, classica, rock e pop) e un confronto tra linguaggi, sonorità e strumenti, con al centro le sfide, le fragilità e i talenti degli artisti raccontati. Non biografie ma narrazioni che stimolano la riflessione su temi come l'inclusione, la povertà, la disabilità, il razzismo, la libertà di espressione. L'occasione, dunque, per avviare un dialogo intergenerazionale, che avvicina epoche solo apparentemente distanti all'insegna di valori più profondi di cui la musica è portavoce.

Ravel ha maneggiato con disinvolta abilità una molteplicità di stili e di linguaggi: l'avvenenza delle linee melodiche e delle sonorità che ne deriva suscita un'attrazione magnetica.

Wagner concepì un'idea di esperienza teatrale di immersione totale nell'opera, una vera e propria drammaturgia creata con l'orchestra che ha dissolto tutte le certezze dell'era musicale precedente.

Non si può immaginare il Settecento musicale senza l'opera di Antonio Vivaldi, capace di stregare il pubblico per calore cantabile e alacrità ritmica.

Dipinto a lungo come autore malinconico, romanticamente esangue e irresoluto, Schubert fu in realtà il musicista più complementare e innovativo rispetto al maestro Beethoven e alle sue sperimentazioni.

Le musiche di Mahler sono insieme ispiratrici e inquietanti, dirette in maniera disarmante e filosofiche in modo sfuggente, manifestazioni del tardo romanticismo e delle tensioni creative, psicologiche e sociali del primo Novecento.

Rossini rifondò il teatro musicale; insegnò ai francesi come cantare, agli italiani come scrivere per orchestra e ai tedeschi come far vibrare l'anima. E aprì il cantiere del romanticismo italiano.

Nata dal dialogo metafisico e visionario tra testo e musica, l'opera di Schumann incorpora sempre qualcosa di più, fino a rappresentare un messaggio che va oltre quello che noi possiamo sentire, scritto per «colui che ascolta segretamente».

Questo libro descrive una metodologia per lo studio del canto e della performance utile a quei cantanti professionisti, studenti di livello avanzato e insegnanti che considerano la ricerca espressiva della voce il punto centrale della loro esperienza. Il metodo tratta elementi di didattica del canto moderno per adulti e giovani, tracciando un percorso innovativo che ha come obiettivo principe il raggiungimento della qualità e varietà vocale delle grandi voci anglo-americane. Partendo dall'associazione dello "strumento voce" ad uno strumento acustico, l'autrice ne analizza le componenti timbriche concentrando l'attenzione sull'aspetto risonanziale e suggerendo dettagliati esercizi per il controllo di tutti gli aspetti coinvolti nella pratica del canto con il fine di aiutare il cantante e l'insegnante a delineare strategie efficaci per migliorare la performance artistica in maniera veloce, soddisfacente e creativa. Tra gli argomenti: fisiologia vocale, fisica acustica, impegno del corpo, meccanismi cognitivi coinvolti nella performance, linguaggi stilistici, colori vocali e abbellimenti, interpretazione del testo e presenza scenica. Una sezione specifica di questo libro è dedicata alla voce dei giovani studenti tra i 9 e i 13 anni.