Hoaki

Armato di nient’altro che un album da disegno e un pennarello a punta fine, colori ad acquerello e uno sgabello pieghevole, Lapin racconta le immagini e i fenomeni della vita urbana di tutti i giorni. L’ispirazione è ovunque, in tutti gli esempi della vita di città. In questo diario visivo di Barcellona, una vera chicca per sketcher e amanti della capitale catalana, l’urban sketcher Lapin crea una narrazione grafica dei suoi ambienti metropolitani per trasmettere una visione fortemente espressiva e profondamente personale della città. Utilizzando vecchi registri contabili che trova nei mercatini delle pulci, Lapin, armato di nient’altro che un album da disegno e un pennarello a punta fine, colori ad acquerello e il suo sgabello pieghevole, racconta le immagini e i fenomeni della vita urbana di tutti i giorni: le strade trafficate, i caffè affollati, i monumenti iconici, i muri schizzati di graffiti, i marciapiedi stipati di persone. A definire lo stile visivo quasi giornalistico di Lapin sono la tecnica di sketching che presta un’attenzione meticolosa al dettaglio, il suo particolare uso del colore e le distorsioni prospettiche che sorprendono e divertono. Mentre racconta storie evocative attraverso i suoi disegni, Lapin offre anche uno sguardo nuovo sulle trasformazioni urbane che la città sta affrontando di questi tempi: hub e piazze verdi, aree di parcheggio e giardini. L’artista ama definirsi un “illustratore mobile”, una sorta di esploratore e documentarista urbano moderno itinerante, che si immerge nel proprio habitat (nella fattispecie, Barcellona) e registra quello che vede. Il risultato è un reportage grafico della cultura della città, dalla sua architettura emblematica fino alle lastre ornamentali di cemento che costituiscono la pavimentazione dei marciapiedi e quasi tutto ciò che rientra fra una cosa e l’altra.

Questo libro contiene una selezione rappresentativa delle opere di alcuni tra i migliori ceramisti del mondo. Attraverso le loro parole, i 25 artisti ospiti spiegano i processi creativi dietro la loro opera, cosa li ispira, le strategie che mettono in campo per mantenersi innovativi e creativi, ciò che distingue la loro opera da quella di altri artisti della ceramica e in che modo la realizzano. Con esempi delle loro creazioni più personali - oggetti capaci di colpirci dal punto di vista emotivo, di sorprenderci e farci riflettere - gli artisti rivelano importanti dettagli delle loro creazioni in ceramica, come i processi di creazione e modellazione, e i trattamenti di smaltatura e ingobbio scelti per dare all’argilla colore e 'texture'. Al lettore viene offerta una visione illuminante del personalissimo universo creativo dei singoli artisti, che include i tratti distintivi della loro opera e alcuni dei segreti che caratterizzano i loro processi creativi. Modelli di sperimentalità, rischio e versatilità, gli straordinari artisti illustrati in questo libro riscoprono tradizioni millenarie, reinventano le prospettive, travalicano i confini, raccontano storie e si ribellano alle aspettative convenzionali, creando nel processo uno spazio entusiasmante nel quale arte, argilla, acqua, aria e fuoco si incontrano e, infine, ispirano. Tra i ceramisti compresi nella pubblicazione: BELGIO: Ann VanHoey; CINA: Wan Liya; PAESI BASSI: Cecil Kemperink; UK: Nicholas Lees; USA: Lauren Nauman, tra gli altri.

Un libro per designer e studenti che desiderano scoprire le ultime tendenze della tipografia. "The World’s Best Typography: The Yearbook of the Type Directors Club of NY" è un testo sacro di ispirazione per professionisti e cultori della tipografia. All’interno delle sue pagine, i più illustri creativi, ma anche gli editori e gli studenti, potranno trovare i modelli di riferimento, le tendenze più recenti, contenuti stimolanti e nuove fonti di ispirazione. I lettori saranno ispirati dall’incontro tra artigianato e creazione, abilità classiche e innovazioni all’avanguardia. Come illustrato in modo chiaro dai 750 design premiati e dai 35 font di nuova creazione, questo libro individua e stabilisce le tendenze del settore. Guadagnarsi un posto nella pubblicazione costituisce materia di concorrenza tra i designer di tutto il mondo. Suddiviso dapprima in due rami di competizione, uno dedicato al Design della comunicazione e l’altro al Design del carattere tipografico, il programma si compone oggi di un’unica gara, composta da tre discipline: Type Design, Tipografia e, per la prima volta, Lettering, disciplina dotata di una giuria a parte. Il Certificato di Eccellenza Tipografica rappresenta un biglietto per le migliori agenzie su scala globale. L’annuario riflette altresì le ultime tendenze nel settore della tipografia, stabilisce gli standard, rappresenta un articolo per collezionisti e contraddistingue i suoi possessori come leader del pensiero visivo.

A cura della celebre calligrafa tedesca Stefanie Weigele, questo libro contiene tutorial ricchi di preziosi suggerimenti su come padroneggiare la calligrafia in punta di pennino. Innamoratevi della calligrafia in corsivo inglese e di altri stili di scrittura in punta di pennino, espandendo al contempo il vostro repertorio creativo, con questa guida pratica facile da seguire. Tutto ciò di cui avete bisogno per cominciare sono un pennino, dell’inchiostro e la carta adatta. Con un po’ di pratica sarete presto in grado di creare e stampare i vostri personali inviti, biglietti da visita e molto altro ancora. Ciascun capitolo contiene uno o più tutorial ricchi di suggerimenti utili su come trarre il meglio possibile dai contenuti divertendosi. Non è necessario essere già esperti della materia, grazie alle istruzioni spiegate nel dettaglio. Se invece avete una conoscenza diretta del mondo della calligrafia, questo libro sarà una grande risorsa per sviluppare le vostre abilità. L’autrice, una dei pochi calligrafi in Germania specializzati in calligrafia classica in punta di pennino, condivide il proprio approfondimento sugli strumenti, sui materiali e sulle regole e le cose da non fare, che vi aiuteranno a padroneggiare i metodi e le tecniche dimostrati in modo rapido ed efficace. Il libro include schede e griglie scaricabili con esercizi utili a mettere immediatamente in pratica le vostre abilità nuove di zecca.

Attraverso esercizi, i lettori impareranno a raccontare una storia mentre dipingono e disegnano un paesaggio con l'acquerello e altre tecniche. Questa guida pratica all'acquerello del paesaggio e ad altre tecniche di disegno e pittura accompagna i lettori in una serie di escursioni dal mare alla città, padroneggiando l'uso della linea e del colore lungo il percorso. Un utile manuale per disegnare sul posto, offre preziosi spunti su come osservare con attenzione il paesaggio che abbiamo davanti e scegliere cosa di esso vogliamo esprimere; come selezionare e dare priorità alle informazioni visive; e come applicare le tecniche di disegno per creare l'illusione che le nostre composizioni siano state organizzate senza sforzo, come dalla natura stessa. In ciascuna delle cinque sezioni del libro (Colore e Materiali; Orizzontalità e Profondità; Grafica, Ombre e Luce; Linee e Prospettiva; e Linee Urbane e Colori), l’autore suggerisce alcune delle domande che dovremmo chiedere quando osserviamo un paesaggio. Impareremo a raccontare una storia mentre dipingiamo, dando priorità ai rapporti cromatici e agli elementi grafici rispetto alla rappresentazione fedele del risultato finale.

Questa antologia sull’illustrazione di moda riunisce l’opera di cinquanta artisti contemporanei, designer e illustratori del settore. Il libro comprende le opere delle più autorevoli figure del settore, come Bil Donovan, Aurore de la Morinerie, Piet Paris, Daniel Egnéus, Cecilia Carlstedt e Amelie Hegardt, ma anche di giovani talenti apparsi sulla scena con grande successo. Il libro si apre con una breve introduzione sulla storia e l’evoluzione dell’illustrazione di moda, seguita da una serie di capitoli dedicati agli artisti partecipanti. Tutti gli artisti provengono da background e generazioni diversi, caratteristica che si evidenzia nella selezione delle opere, rappresentanti stili e tecniche profondamente eterogenei (astrattismo, realismo, espressionismo, figurativismo), che riflettono i diversi modi di interpretare la moda dal punto di vista delle belle arti.

Il settore software per design grafico è in continua evoluzione, per consentire ai designer di soddisfare requisiti di stampa specifici. “Printing design for graphic designers” è un manuale di riferimento che illustra progetti di design da tutto il mondo e si concentra sui processi utilizzati per la loro stampa. Il libro si apre con un’introduzione approfondita sulla storia della stampa, dai primitivi rulli a stampa utilizzati in Mesopotamia più di 5000 anni fa, fino alla tecnologia digitale dei giorni nostri. I progetti sono strutturati secondo le specifiche di stampa di ciascuno, che includono taglio e piegatura, stampa e verniciatura, inchiostro UV, stampa termografica, inchiostro termocromatico, serigrafia, inchiostro abrasivo, inchiostro tinta unita oro/argento, goffratura, debossing e stampa a caldo. Negli ultimi anni, grazie ai nuovi strumenti software, i designer hanno integrato nel loro lavoro le rifiniture di stampa. Il risultato è incredibilmente sofisticato, e gli effetti applicati a un’ampia varietà di oggetti, dai biglietti da visita alle copertine per dischi, ai libri, ai poster e all’arte…

Negli ultimi anni, la risografia ha attirato l’attenzione di stampatori e artisti, soprattutto appartenenti a circoli indipendenti e di self-publishing, grazie alle qualità tecniche e visive offerte. Tinte piatte vivaci, finiture calde e occasionali imperfezioni di uniformità e registro sono alcune tra le caratteristiche più attraenti. Il libro si apre con una breve storia della risografia, sottolineando i principi di base del processo di stampa e istruendo i lettori sulle tecniche della stampa artistica in grado di produrre colori più brillanti ed espressivi. Arricchito con i profili di famosi stampatori, esempi di prodotti stampati, opere contributo di stamperie e informazioni sugli studi di design e gli artisti da tutto il mondo, il libro riuscirà ad ampliare gli orizzonti di stampa dei lettori e illustrare la vasta gamma di possibilità offerte da questa tecnica affascinante e relativamente facile da applicare.

Approfondito e visivamente ricco, questo libro esplora l'illustrazione e le origini della creatività attraverso l'opera di 26 straordinari illustratori. In «How ideas are born», i lettori troveranno uno scrigno di immagini di 26 illustratori eterogenei da 12 paesi diversi, radunati, selezionati e curati dall'autore appositamente per questa pubblicazione. Le immagini e gli stili variano, dal fanciullesco e naïf al toccante, suggestivo e autenticamente magistrale. Oltre alle 270 immagini, il libro contiene 110 disegni e pagine estratte da taccuini e blocchi da disegno che fanno immergere il lettore ancor più profondamente nell'opera di ciascun artista. Gli elementi visivi si completano di interviste rivelatrici, durante le quali gli artisti raccontano cosa li ha spinti a diventare illustratori, le loro ispirazioni, e la ricerca, i metodi, la filosofia personale e i processi di lavoro che consentono loro di trasformare un impulso creativo o un'emozione in un'idea, e l'idea in un'opera d'arte. Scopriremo cosa guida e ispira questi artisti, ma anche le origini delle loro idee e della loro creatività, dall'innocente curiosità per le forme e i colori al desiderio di condividere con gli altri qualcosa di affascinante e meraviglioso in un modo unico e originale.

Sessanta progetti internazionali svelano le ultime tendenze dei ristoranti in fatto di design. In un mondo affollato da stili di vita frenetici, interazioni costanti e attività globali interconnesse, il cibo è diventato un denominatore comune che unisce gli abitanti di tutto il mondo, e le nuove tendenze dell’interior design dei ristoranti stanno acquisendo un’importanza via via maggiore. I progetti internazionali qui presentati svelano le ultime tendenze dei ristoranti in fatto di design. Alcuni con un look industriale, altri con una profusione di elementi del paesaggio portati nello spazio interno, alcuni con palette di colori audaci e senza più una sola parete bianca: un ampio ventaglio di possibilità che si apre in questo campo particolare dell’interior design. Con ogni progetto affiancato da un testo descrittivo, il libro concentra l’attenzione sulla palette dei colori, sull’illuminazione e sui dettagli decorativi, offrendo validi spunti di ispirazione e riferimenti ai designer professionali, agli amanti del cibo e alle altre figure legate all’attività della ristorazione.

Un'edizione che espone diversi tipi di prodotti e design industriali per uso domestico e personale, attraverso progetti da tutto il mondo. Questo libro contiene tipologie di prodotti e design industriale diversi tra loro, destinati all'uso domestico e personale, attraverso progetti da tutto il mondo che comprendono arredi, illuminazione e accessori innovativi, dai cestini alle librerie, ai tappeti, ai vasi e alla cancelleria, solo per citarne alcuni. Ogni oggetto presentato si completa di descrizioni del prodotto, fotografie e schizzi dei designer, che mostrano i processi di design, i materiali impiegati, brevi spiegazioni di come un prodotto prende vita, e una riflessione sulle caratteristiche specifiche del design creativo che rendono il prodotto unico. Attraverso un'ampia gamma di design audaci dal punto di vista stilistico ed estetico, il libro porta in evidenza l'interazione essenziale tra esseri umani e oggetti. Nelle pagine di questo libro, il lettore incontrerà molti esempi temerari di design del prodotto, oltre a prodotti che interagiscono con gli utenti in moltissimi modi, e aventi il potere di ispirare nuovi pensieri e nuove idee.

Questo libro riunisce le esperienze personali, i sogni, gli obiettivi, i gusti culturali, le lotte e gli esempi dell’opera di oltre 50 artiste del graffito, street artist e muraliste dedicate a rivendicare lo spazio pubblico e arricchire il nostro contesto urbano. Un libro abbondantemente illustrato che riuscirà a ispirare nel lettore la ricerca di street art nelle nostre città, puntando a mondo più giusto in termini di uguaglianza femminile nell’ambito della street art e dei graffiti. Nella pubblicazione si esplicitano le modalità di lotta per la liberazione della donna dall’ineguaglianza che ancora permane nella società di oggi e che continua a influire negativamente sullo status femminile in molti settori, arte compresa.