Silvana

Da quando è nato, il Calendario Pirelli si è fatto testimone del proprio tempo, mostrando l'evoluzione della rappresentazione della donna, e dei concetti di bellezza e femminilità che ne derivano: immagini quindi che non sono solo espressione della poetica dei suoi talentuosi autori, ma che offrono un spaccato trasversale della società, dell'arte e della storia della fotografia. Fotografi: Mert Alas & Marcus Piggott, Clive Arrowsmith, Richard Avedon, Peter Beard, John Claridge, Patrick Demarchelier, Terence Donovan, Brian Duffy, Arthur Elgort, Hans Feurer, Robert Freeman, Francis Giacobetti, Peter Knapp, Nick Knight, Karl Lagerfeld, Barry Lategan, Annie Leibovitz, Peter Lindbergh, Steven Meisel, Steve McCurry, Sarah Moon, Helmut Newton, Uwe Ommer, Norman Parkinson, Harri Peccinotti, Terry Richardson, Herb Ritts, Mario Sorrenti, Bert Stern, Joyce TennEson, Mario Testino, Inez Van Lamsweerde, Tim Walker, Bruce Weber.

Il volume mette in scena il fascino di un secolo compreso tra un superbo tramonto - l'ultimo Rinascimento - e il nuovo orizzonte dell'età barocca. Gli anni tra il compimento del Giudizio universale di Michelangelo nella Cappella Sistina (1541) e l'affermazione a Roma di Caravaggio rappresentano uno dei periodi più avvincenti e stimolanti della storia dell'arte, in cui si snoda un percorso culturale innovativo alla ricerca di un equilibrio tra i valori eterni e quelli storici. La pittura della Maniera - rivolta a una ristretta élite in grado di compiacersi del gioco di sottili rimandi ai grandi modelli di Raffaello e di Michelangelo - viene messa in crisi dall'esigenza di piana leggibilità richiesta alle immagini dal Concilio di Trento (1545-1563), che ne ha ribadito la funzione di "libro degli illetterati". Nella varietà delle soluzioni adottate, la ricerca avviata dagli artisti a Roma e nelle città dello Stato pontificio, tra cui spicca il caso di Bologna, produce risultati affascinanti, ma talora poco noti se non a un pubblico di specialisti. Ed è a Roma che all'inizio del Seicento, dopo le costrizioni della pittura sacra in un ambito di "arte senza tempo" (Zeri), maturano infine le novità che gettano le basi per la successiva vicenda, grazie all'incontro tra il classicismo patetico di Annibale Carracci, la vocazione pauperista di Caravaggio e il coinvolgente dinamismo di Rubens. Articolandosi in più sezioni, il volume prende in esame anche altri aspetti dell'arte di tale vicenda, dalla scultura alle nuove forme architettoniche, alla pittura di soggetto profano e al rapporto tra arte e scienza. Il percorso documentato in queste pagine tesse così un filo estetico di rimandi che illustra la nascita dell'età moderna, attraverso capolavori di Raffaello, Rosso Fiorentino, Pontormo, Correggio, Lotto, Vasari, Daniele da Volterra, Tiziano, El Greco, Muziano, Barocci, Zuccari, Pulzone e Reni. Presentazioni di Roberto Pinza e Davide Drei.

La pratica del disegno in Fausto Melotti è fondamentale, perché costituisce il filo conduttore ininterrotto di tutta la sua attività artistica, dagli anni venti agli anni ottanta del XX secolo. L'occasione per focalizzare in questo libro l'attenzione sul disegno di Melotti è data dalla recentissima acquisizione da parte della famiglia Tonelli di un gruppo di venti fogli molto omogeneo: ben diciassette di questi sono stati utilizzati per accompagnare la pubblicazione dei due quaderni di aforismi dell'artista - titolati "Linee" (1975 e 1978) - pubblicati da Adelphi. Il volume, curato da Marco Meneguzzo, fornisce a collezionisti, studiosi e appassionati uno strumento storico-critico, basato sull'analisi di questo gruppo e sulla comparazione con altri disegni e sculture, alla ricerca di temi e stilemi sia comuni sia peculiari a entrambi, sino a diventare uno studio, per certi aspetti sistematico, sul disegno dell'artista.

"È la fotografia che ha trovato me, non il contrario", dice il ventisettenne Vittorio Campana quando si racconta. Nasce così il connubio tra l'artista e il mondo visto attraverso l'obiettivo: le emozioni personali e il rumore dello scatto si fondono, per non separarsi mai più. Dietro le opere di Vittorio Campana vi è una ricerca attenta e ponderata, dove le forme prendono nuova vita e lo spettatore, non più semplice osservatore, intraprende un differente cammino interiore. Nella monografia, curata da Piero Mascitti e Clarissa Tempestini, interviene anche la giovane stilista Camilla Barillà, che esordisce con la sua street collection.

L’Ospedale del SS. Salvatore ad Sancta Sanctorum fu uno dei più importanti istituti assistenziali di Roma sin dal Trecento e per tutta l’età moderna. Gestito dalla Confraternita dei Raccomandati, la sua fondazione è legata a un luogo di culto eccezionale, la cappella di San Lorenzo presso il Patriarchio lateranense, con il suo straordinario tesoro di reliquie, tra cui la veneratissima icona acheropita del Salvatore, protagonista di una celebre processione di Ferragosto. La storia dell’ospedale si intreccia dunque inevitabilmente con gli avvenimenti politici e sociali dell’Urbe e del papato dopo il ritorno da Avignone, sino a diventare protagonista della vita cittadina tra Quattro e Seicento, con la sua attività di nosocomio e di ospizio, ma anche attraverso il suo cospicuo patrimonio immobiliare e l’appartenenza dei suoi amministratori alle élites capitoline. La sua centralità nella città di Roma è ancora oggi ben testimoniata dall’impegnativa committenza edilizia e artistica messa in campo dai Guardiani della confraternita, orientata alla promozione delle proprie attività benefiche anche attraverso la produzione di opere d’arte. L’icona, il suo culto, la Societas dei Raccomandati e l’ospedale sono stati in passato oggetto di studi specifici, ma sino a oggi mancava una pubblicazione sistematica sulla storia dell’istituzione che mettesse assieme in maniera dialogante le ricerche di storici e storici dell’arte. Questo libro nasce dunque con l’intento di offrire una prima lettura approfondita di questo importante tassello della storia di Roma e di valorizzarne il rilevante patrimonio culturale e artistico pervenuto sino a noi.

Il volume ripercorre la storia del manifesto di latta in Italia dalla nascita alla sua diffusione, tra il 1890 e il 1950, attraverso una selezione di quasi mille opere. Un viaggio inedito ed entusiasmante che consentirà al lettore di cogliere la differenza tra un manifesto di latta e uno di carta: a variare, infatti, non è solo il supporto ma anche la sua funzione di strumento pubblicitario, oltre che i vari settori di applicazione. Accanto a una popolazione di disegnatori e illustratori anonimi e pittori più o meno noti, ritroviamo i nomi dei grandi affichistes del tempo – Cappiello, Dudovich, Mauzan, Sepo – che firmano con colori vivaci e brillanti questi piccoli grandi capolavori di latta.

L'amore e la passione che Stendhal ha provato nei confronti di Milano sono, per tutti, cosa nota. Meno evidenti sono invece le ragioni, le motivazioni profonde che stanno alla base di questo sentimento quasi viscerale che lega l'autore de "Le rouge et le noir" al capoluogo lombardo. Il volume permette di individuare e percorrere diversi itinerari che conducono proprio a queste motivazioni, partendo dalle lettere, dai documenti personali, dalle immagini, dai libri - testi originali e rari - e dagli oggetti conservati nel Centro Stendhaliano della Biblioteca Sormani per raccontare le arti, gli amici e gli amori che compongono l'universo di Arrigo Beyle, milanese. Una grande opportunità per capire ancor meglio Stendhal e quella Milano di inizio Ottocento, ricchezze entrambe lontane, ma non del tutto perdute.

La fotografia, componente essenziale per conoscere e comunicare l'architettura, per costruirne la storia e proporne una consapevole continuità, ha inciso molto presto anche sul suo processo progettuale, insieme agli strumenti tradizionali e, di recente, ai media digitali. Decisivo è stato il suo ruolo, connesso a profonde mutazioni percettive e culturali, di potente e non neutrale intermediario nella legittimazione artistica di spazi e linguaggi e nell'identificazione di opere iconiche lungo il XX secolo, con premesse nel XIX. Nella recente esplosione d'interesse per la fotografia d'architettura, questo volume si inserisce chiamando a raccolta studiosi internazionali e nazionali e concentrando l'attenzione su singoli contributi, di architetti e fotografi; sugli edifici e i loro cantieri; sul patrimonio italiano custodito in raccolte e archivi pubblici, soprattutto milanesi e lombardi. Vi emerge, nitido e multiforme, in casi e momenti esemplari, il profilo innovativo del dinamico dialogo tra realtà e immagine che inquieta la contemporaneità.

Con Salvatore Cuschera ritorna l'abilità tecnica e la sapienza manuale del fabbro, che trasferisce nel ferro rovente, tra un colpo e l'altro di maglio, il vigore necessario per interrompere ogni riferimento alla natura e affermare l'idea di una scultura che accomuni musica, architettura e poesia, in un contesto unitario e armonioso che non ponga limiti allo spirito, partendo proprio dall'anima della materia, la più nobile e la più negletta.

Antonio Nunziante (Napoli, 1956) attraverso le sue opere - pitture su tela e su tavola, ceramiche, maioliche, bronzi - offre una nuova visione del mondo, una poetica fatta di mistero e di domande con la volontà di captare ciò che va al di là del reale. L'artista privilegia nella propria opera l'intelligenza e il ragionamento. I suoi dipinti, del resto, hanno l'obiettivo di spingere alla riflessione, incoraggiata quest'ultima dagli stessi titoli scelti. Nell'universo di Antonio Nunziante lo choc poetico suscitato dall'immagine dipinta è sempre inseparabile da un piacere riflessivo, nonché da un giubilo del pensiero costretto ad attivarsi.