Silvana

Fin dalla sua apertura nel 1988 il Centro per l'arte contemporanea Luigi Pecci di Prato ha intrapreso la raccolta e l'incremento di una "collezione permanente": una sintesi non esaustiva ma significativa dell'arte dell'ultimo mezzo secolo, il cui carattere peculiare è la varietà di generi e l'eterogeneità di forme e materiali, tipiche delle ricerche artistiche postmoderne su cui è incentrata la raccolta. Essa è formata in prevalenza da lavori plastici, grandi sculture, installazioni e ambienti, dipinti, lavori fotografici e video, realizzati dagli anni cinquanta del novecento fino ad oggi. Nell'insieme queste opere costituiscono il primo patrimonio pubblico dell'attualità artistica in una terra come la Toscana, attenta a favorire sviluppi artistici e attiva nel promuovere esperienze culturali.

Attraverso oltre cinquanta opere, il volume accende i riflettori sulle più interessanti espressioni artistiche e sugli strabilianti protagonisti del movimento futurista. Il titolo "Venti futuristi" vuole sottolineare la carica innovativa che il futurismo portò nella penisola italiana, un vento di cambiamento che non coinvolse solamente le arti figurative, ma tutti gli aspetti del vivere quotidiano: dalla moda al teatro, dalla cucina alla letteratura, provocando un rinnovamento radicale negli stili di vita. Seguendo un percorso tematico, si potranno così ammirare i capolavori dei firmatari del primo manifesto del futurismo, come "Linee - forza di mare" di Giacomo Balla, in un dialogo costante e serrato con varie manifestazioni della creatività del movimento. Dai disegni per tessuti e arredi e dai modelli per abiti e stravaganti accessori dello stesso Balla, alle caricature di Ivo Pannaggi, alla creatività femminile testimoniata dallo splendido arazzo di Leandra Angelucci Cominazzini, per giungere alle vertiginose visioni aeree di Tullio Crali, Gerardo Dottori e Sante Monachesi. Contributi di Alfio Bassotti e Maurizio Mangialardi.

Luca Samele (1976-2003), artista barese prematuramente scomparso, viene qui celebrato attraverso la lettura della sua opera grafica completa. Ripercorrendone l'immaginifico percorso, il lettore è condotto in un affascinante viaggio di formazione e di vita, tra Bari, Matera e Venezia, un itinerario artistico caratterizzato da una notevole molteplicità di linguaggi. Nel 2002 scriveva Samele: "Il segno inciso acquista il valore di linea continua, cammino, percorso. [...] Le linee, stimolatrici di immaginazione, attivano un processo di interpretazione simile a quello dei sogni, scavano nei luoghi oscuri dell'inconscio. [...] Come nei sogni riaffiorano immagini indecifrabili, così sulla carta stampata mi appaiono immagini che cercano di essere decifrate, che cercano l'osservatore curioso, capace di addentrarsi nel suo inconscio personale o riconoscerne alle volte anche la valenza collettiva".

"Francesco Jozzi è creatore di fiabe drammatiche destinate agli adulti, di misteriosi intrecci tra timide comparse presenti nell'accumulo delle comunità. Una favola surreale figlia di un'immaginazione che non permette limiti, abitata da esseri schivi, ingenui, furbi e sornioni, semplici e con cappello, sullo sfondo di alture millenarie e borghi arroccati. Il suo ritorno alla pittura rappresenta una necessità primordiale dell'espressione dell'io, un'esplorazione continua del percorso che porta al di sotto della coscienza, una scesa volontaria verso l'inconscio e il libero fluire delle immagini. Jozzi dipinge il suono segnante che solo un grido di dolore può generare, l'urlo di un bambino che incolpevole piange la perdita della sua favola preferita Pinocchio è morto. Al suo posto nuove icone malvagie si cibano, senza mai raggiungere la sazietà, dei resti di un mondo incantato." (Edoardo Suraci). Presentazioni di Vincenzo Bruno e Rocco Guglielmo.

Le opere qui raccolte di Paolo Gioli (Sarzano, Rovigo, 1942) sono realizzate con la tecnica del fotofinish, reinventata dal fotografo all'inizio degli anni settanta: la linea-fessura tradizionale posta nella finestrella d'entrata della fotocamera viene sostituita da un frammento d'immagine fissa attraverso la quale viene ripreso, sempre con pellicola 35mm, un volto in movimento. Ecco l'origine delle "Nature" qui pubblicate. Il volume è introdotto da una conversazione con l'artista raccolta da Elio Grazioli, e completato da apparati biografici.

La località bergamasca Santa Croce ha dato il nome ad alcune prolifiche botteghe di pittori, attive a Venezia tra XV e XVII secolo. Francesco di Simone da Santacroce e Girolamo da Santacroce sono i due principali protagonisti di questa storia, allievi, rispettivamente, di Giovanni e Gentile Bellini. Le loro opere erano in larga parte destinate alle aree periferiche della Serenissima, dal territorio bergamasco, verso il confine occidentale, fino alla sponda orientale del mare Adriatico. Le testimonianze pittoriche dei Santacroce riflettono il momento d'oro del rinascimento veneziano. Con il passare del tempo i pittori ripiegano, sempre più nostalgicamente, verso i modelli di un remoto passato, sentito attuale da una committenza che sarà spazzata via dall'età della controriforma.

Il volume documenta la seconda tappa dell'iniziativa Open, un tour di eventi espositivi, promosso dalla Fondazione Cariplo e in partenariato con le fondazioni di comunità locali, che nei prossimi anni porterà il patrimonio artistico dell'ente milanese in tutta la Lombardia, nelle province di Novara e del Verbano-Cusio-Ossola. Il complesso monumentale del Broletto di Novara ospita una rassegna che raccoglie una scelta di opere provenienti dalle collezioni della Fondazione Cariplo, dai musei civici di Novara e dalla Galleria d'arte moderna Paolo e Adele Giannoni, proponendo un viaggio di scoperta nella Novara ottocentesca. I pittori Angelo Morbelli e Italo NunesVais sono le due guide d'eccellenza che introducono e accompagnano i visitatori nel centro storico della città, fra le pareti domestiche dei suoi antichi edifici, lungo gli scenari orizzontali della pianura fino alle Alpi e tra gli scorci delle più rinomate località lacustri, restituendo un affascinante affresco dello spirito e dei valori di un'epoca. E svelano, lungo sentieri di luce, opere di straordinaria bellezza e inattesi capolavori. Alle scene di genere di Gaetano Chierici, Giacomo Gandi e Alessandro Focosi seguono le fresche e incantevoli immagini di Mosè Bianchi e di Giacomo Favretto. I soggetti campestri di Raffaele Tafuri, Achille Formis e Giulio Aristide Sartorio si alternano ai luminosi paesaggi dei maestri del naturalismo lombardo, da Filippo Carcano e Leonardo Bazzaro a Eugenio Gignous e Achille Tominetti. Le audaci sperimentazioni divisioniste di Angelo Morbelli, Giovanni Battista Ciolina e Carlo Fornara attraggono e stupiscono, proponendo immagini di cristallino nitore. Alla fine del viaggio lo sguardo si allarga sull'orizzonte del lago, catturato dalla luce delle ampie vedute fornite da Guido Boggiani e da Francesco Gnecchi, per perdersi infine nelle atmosfere evanescenti e suggestive evocate dai simbolisti Paolo Sala e Antonio Ambrogio Alciati. Contributi di Giuseppe Guzzetti e Cesare Ponti.

Sin dagli esordi, tra la fine degli anni sessanta e i primi settanta, Pablo Echaurren manifesta il suo interesse per Marcel Duchamp quando esegue la serie dei cosiddetti "quadratini", opere fondate sulla miniaturizzazione e la ripetizione del segno, sulla commistione tra fonti alte e basse, sull'intreccio straniante tra parola e immagine. A distanza di quarant’anni Echaurren torna a riflettere sull'opera duchampiana, realizzando un nuovo ciclo di cinquanta collage dedicati alla “Boîte verte” (1934), da cui emerge una rilettura del modello più cerebrale e meditata che in passato, sintomo dell'urgenza di riannodare i fili di un dialogo avviato in gioventù e mai interrotto, che oggi ha un'intonazione autobiografica e il carattere di un primo bilancio retrospettivo sul proprio percorso artistico ed esistenziale. Confrontandosi oggi con l'opera di Duchamp, Echaurren rilegge la sua storia personale, le passioni, le idiosincrasie e le ossessioni di una vita spesa a demistificare il culto dell'arte, intesa come ambito separato dall'esistenza, e i valori di unicità e genialità a essa associati.

“Un paese”, concepito nel 1952 da Cesare Zavattini e da Paul Strand, ha visto la pubblicazione nell’aprile del 1955 per l’editore Einaudi ed è stato tra i primi fotolibri italiani a poter essere ritenuto tale per l’intento progettuale in relazione al testo e alle immagini grazie all’accuratezza della grafica e della realizzazione, oltre che per il valore poetico e descrittivo. È stato considerato, e continua tutt’oggi a esserlo, uno dei classici della storia della fotografia. La critica ha definito “Un paese” un prezioso documento perché ha inaugurato una nuova modalità d’indagine e ricerca, aprendo inediti orizzonti sull’Italia minore del dopoguerra, storie raccontate dalla voce di un figlio di quella terra divenuto ormai celebre scrittore, sceneggiatore e regista di fama internazionale, indagate e descritte dallo sguardo di uno dei maggiori fotografi americani allora viventi. Allo stesso tempo il libro esamina il passato, quello della tradizione contadina, in particolare di Luzzara e della pianura Padana, in stretta relazione con la modernità, creando un dialogo tra passato e presente. Il volume ripropone le immagini di quel lavoro, affiancandole agli scatti di Gianni Berengo Gardin – che insieme a Zavattini realizza “Un paese” vent’anni dopo nel 1976 – Luigi Ghirri, Stephen Shore, Olivo Barbieri fino alla ricerca artistica di Claudio Parmiggiani, a dimostrare come “Un paese” sia stato fonte di ispirazione per diversi autori, fotografi, scrittori e artisti.

Siamo tutti uguali nel fotografare o esiste uno sguardo femminile? Ha senso la questione di genere rispetto a un medium impersonale e neutro come la fotografia? Le opere di Julia Margaret Cameron, Florence Henri e Francesca Woodman sembrano fornire una risposta: i loro ritratti, con tecniche e approcci formali diversi, rivelano una sensibilità comune che permette un percorso nella rappresentazione moderna del femminile. Nei loro scatti tutte le donne si offrono con la propria presenza e domandano un reale confronto. Solo così la fotografia è lo spazio di una verifica identitaria, il luogo dove sfuggire alla oggettivazione e costruire una dimensione in cui lo sguardo e il corpo si sovrappongono in un'unica visione, e i riferimenti linguistici sono al servizio di una ricerca nuova.

"Ecco un nuovo libro fotografico da parte di un "istranzu", un forestiero che sulla scia di tanti altri (arrivati i pionieri dagli inizi del Novecento), documenta la realtà orgolese, aggiungendo un altro importante tassello a quel mosaico di pubblicazioni, articoli e tesi di laurea, servizi fotografici e video che hanno come tema lo vita quotidiano passata e presente di Orgosolo."