Silvana

Le pagine di questo volume sono un omaggio al monumento simbolo della città di Torino da parte di uno dei più innovativi maestri del cinema europeo, Peter Greenaway. Attraverso i suoi disegni, schizzi veloci realizzati in diverse parti del mondo tra il 2001 e il 2002, mentre sostava nella sala d’attesa di un aeroporto o al lavoro nel suo studio di Amsterdam, la Mole viene trasfigurata in maniera divertente, grottesca, irriverente, trasformata in vascello, pagoda cinese, chiesa, lampadina, sito industriale con tanto di ciminiera. Tecniche e materiali sono diversissimi: alcuni disegni sono semplici schizzi a matita su fogli di carta bianca, altri preziosi acquarelli, altri ancora miniature su una cartina geografica, su post-it, su scontrini della spesa ormai scoloriti o pagine di quotidiani e riviste.

“Esposito con le sue opere costruisce o evidenzia la presenza di ‘luoghi’ al contempo significativi e nascosti, visibili soltanto da chi – come l’artista – è animato dalla necessità di trovarli e di trovarsi. Non si tratta di spazi dove è accaduto qualcosa o particolarmente belli, ma di luoghi dove – alla maniera di Heidegger– abita il ‘senso del luogo’, sia in origine, sia per le esperienze personali che ne accrescono la valenza segreta e la potenzialità vitale: luoghi d’elezione, da condividere perciò con chi si può definire ‘eletto’. Se un oggetto, un segno, un’indicazione, una piccola anomalia, la traccia di un gesto in una situazione variata rispetto alla norma, diventa visibile, ecco il sintomo della comunione di intenti, l’iniziazione, l’elezione di chi vede.”

L’opera di Ugo La Pietra è da sempre considerata eclettica, sia in termini di linguaggi adottati sia di tecniche scelte. Le sue produzioni sono pensate per superare il sistema produttivo e dare centralità alla cultura del progetto, valorizzando in questo modo il tessuto artigianale italiano e offrendo l’opportunità di rilancio per quello che lui stesso definisce il genius loci. In questa pubblicazione si raccoglie una specifica produzione: i “Segnali”, realizzati per dare visibilità a tecniche, materiali e spazialità dei luoghi in cui sono stati realizzati. Una tipologia che si avvia negli anni settanta arrivando fino a oggi, con l’ultimo “Segnale” pensato appositamente per il Museo Regionale della Ceramica di Deruta, un modo per omaggiare un’antica tradizione e per ripensarne i possibili sviluppi in chiave contemporanea.

Il volume è dedicato all’opera di Jean-Marie Barotte (1954-2021) e offre il primo sguardo retrospettivo sulla sua ricerca artistica, dall’esperienza teatrale a quella pittorica. Nato nel 1954 da padre francese e madre italiana, Barotte abbraccia inizialmente il mondo del teatro di ricerca, diretto dal grande regista e pittore Tadeusz Kantor. A partire dalla fine degli anni ottanta nasce in lui l’esigenza di sviluppare un proprio linguaggio, e prende così avvio un cammino personale che lo condurrà alla pittura. Il mondo espressivo dell’artista ha la fisionomia di un viaggio interiore, che trae continua ispirazione dalla letteratura e dalla filosofia. Le sue opere testimoniano una profonda riflessione formale e concettuale, dal 1991 con Au commencement était le signe, che segna l’inizio del suo percorso pittorico, fino alla serie Tout se tient en équilibre précaire, realizzata nel dicembre 2020, un mese prima della sua morte. "…vediamo solo ciò che possiamo vedere …l’unica cosa che può essere vista non può essere scritta ma può essere gridata".

L'Atlante delle Ricostruzioni presenta sessantaquattro città che nel recente passato sono state distrutte e ricostruite. Ogni caso studio è analizzato attraverso il ridisegno critico delle condizioni prima e dopo la distruzione e ricostruzione e la redazione della carta delle trasformazioni, che sovrappone i due momenti. Si tratta di una operazione comparata mai realizzata prima per un numero così significativo di casi, che permette di mettere a sistema e confrontare criticamente un insieme eterogene per caratteri urbani, entità e ragioni delle distruzioni e strategie progettuali di ricostruzione. L'Atlante costruisce un sistema di conoscenza oggettivo per la comprensione degli effetti dei processi di distruzione e ricostruzione sugli ambienti urbani, uno strumento necessario in un periodo in cui guerre, crisi climatica e sommovimenti sociali aumentano a dismisura i luoghi potenzialmente coinvolti in eventi estremi. La comprensione delle esperienze passate costruisce una base conoscitiva solida da cui partire per iniziare un dibattito, sempre più improrogabile, sulla definizione di strategie progettuali capaci di controllare attivamente le metamorfosi urbane future.

Il volume racconta, con parole e con molte immagini, una bellissima avventura. Community Specific Archive è un progetto selezionato nell’ambito dell’avviso pubblico PAC 2022–2023 – Piano per l’Arte Contemporanea, promosso dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura, su proposta del CSAC Centro Studi e Archivio della Comunicazione – Università di Parma. Un progetto di Paola Di Bello e Valerio Rocco Orlando, i quali hanno realizzato rispettivamente una serie di fotografie e una videoinstallazione nate dal confronto con alcuni materiali conservati al CSAC e con un gruppo di studenti del corso di laurea in Comunicazione e media contemporanei per le industrie creative dell’Ateneo di Parma. Attraverso alcuni laboratori gli artisti hanno sviluppato, insieme alle ragazze e ai ragazzi, una ricerca fondata sull’autocoscienza e sulla condivisione di saperi, valorizzando in questo modo anche la collezione del Centro, che ha svolto la funzione di innesco di questa esperienza. Le opere sono l’esito quindi di un processo partecipativo confluito in una produzione fotografica costituita da una serie di collage, frutto di un dialogo visivo con gli studenti, che attinge alla sezione fotografica usata come materia grezza e in una videoinstallazione che va intesa come la sintesi formale di una metodologia pedagogica fondata sulla pratica dell’ascolto attivo, su esercizi di scrittura non creativa e sulla rielaborazione drammaturgica e audiovisiva quale azione collettiva.

Paolo Pellion di Persano (Castagneto Po, Torino, 1947-2017) esordisce come fotografo a Torino negli anni settanta, quando la città è un attivo laboratorio culturale nel quale vivono e operano numerosi artisti, fra i quali alcuni grandi protagonisti dell’Arte povera. La sua vicinanza con gli artisti gli permette di ritrarli in più occasioni, di fotografare le opere mentre vengono realizzate e di collaborare a progetti in cui l’immagine fotografica diventa strumento linguistico. Chiamato nel 1984 a documentare Ouverture, la mostra inaugurale del Castello di Rivoli, Pellion avvia con il Museo una lunga collaborazione, fotografando fino al 2012 gli allestimenti delle opere in collezione e le mostre temporanee. Realizzato dal Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, questo volume raccoglie per la prima volta un’ampia panoramica dell’attività di Paolo Pellion, valorizzando la generosa donazione del suo Archivio, da parte degli eredi, al CRRI – Centro di Ricerca del Castello di Rivoli. Il volume, che include nuovi saggi di Raffaella Perna, Walter Guadagnini, Marcella Beccaria e Andrea Viliani, è stato pubblicato in concomitanza con la mostra Paolo Pellion di Persano. La semplice storia di un fotografo a Rivoli. L’antologia comprende scritti di Pellion, un’intervista di Angela Madesani e saggi critici di Luigi Carluccio, Francesco Poli, Massimo Minini e Gianluigi Ricuperati.

Il numero 17 dei “Quaderni del Vittoriale” propone nella sezione “Inediti e rari” due importanti e preziose acquisizioni giunte negli Archivi del Vittoriale. La prima riguarda il carteggio inedito di Gabriele d’Annunzio con Noemi Gaspari, denominata dal Poeta Graziana di Soavia. La Gaspari ha avuto un ruolo di rilievo durante la relazione di d’Annunzio con Giuseppina Giorgi Mancini, essendo cara amica di entrambi. La pubblicazione di queste missive arricchisce la gamma di informazioni legata a una delle relazioni più importanti di d’Annunzio, anche grazie a una serie di fotografie inedite che ritraggono i due amanti in contesti gioviali e vacanzieri. La seconda acquisizione si compone, invece, di alcune lettere riguardanti il periodo fiumano e in particolare la figura di Ludovico Toeplitz de Grand Ry che, a Fiume, si occupava di tenere i contatti con il mondo della finanza. Nella sezione “Studi e ricerche” si susseguono poi una serie di saggi dedicati al motivo della mano nelle opere di d’Annunzio, allo studio dei primi abbozzi o “faville” del romanzo veneziano Il Fuoco, al ruolo che ha avuto Wagner nella produzione dannunziana e ai busti del Poeta realizzati dallo scultore francese René de Saint-Marceaux. Da questo numero inauguriamo una nuova sezione relativa alle “Interviste e recensioni” riguardanti le ultime pubblicazioni dannunziane. La prima è una conversazione con Pietro Gibellini che esplora i suoi studi dedicati a d’Annunzio, segue poi l’ultimo libro di Maria Pia Pagani dedicato a Eleonora Duse di cui quest’anno ricorre il centenario della morte e i due volumi di Paola Goretti che “profumano” di rose e di ambra.

Il volume è dedicato alla gallerista di origine romena Ileana Sonnabend (Bucarest, 1914) e al suo fondamentale ruolo nella promozione dell’Arte povera, che, teorizzata nel 1967 dal critico Germano Celant, è ancora oggi il movimento artistico italiano del secondo dopoguerra più noto internazionalmente. Questa monografia è pubblicata in occasione dell’omonima mostra tenutasi al MNAR-Muzeul Național de Artă al României a Bucarest dal 26 giugno al 22 settembre 2024, realizzata in collaborazione con l’Ambasciata d’Italia in Romania, l’Istituto Italiano di Cultura a Bucarest e Antonio Homem della Sonnabend Collection Foundation.

Il volume racconta come l’arte e la scienza arrivino, attraverso percorsi dissimili, a risultati che possono dialogare fra loro. Dall’evoluzione della rappresentazione dei dinosauri, che coniuga evidenze scientifiche e aspetti speculativi, alle opere di Dario Ghibaudo, che scompagina il linguaggio figurativo della scienza per plasmare una storia innaturale e immaginifica, l’alba dei tempi entra in contatto con il futuro che verrà, o che forse stiamo già vivendo senza rendercene conto.

Gerardo Dottori (Perugia, 1884-1977) è il maggiore artista umbro della prima metà del Novecento. Esponente del Futurismo fin dal 1912, è considerato figura di spicco dell’Aeropittura a partire dalla metà degli anni venti. Nella sua lunga carriera ha sperimentato e percorso molte strade, che hanno finito con il convergere l’una nell’altra fino a comporre un linguaggio personalissimo, sia sotto il profilo tecnico sia compositivo. Quella cifra stilistica così particolare è incentrata su un’originale capacità di rappresentare le vedute urbane e il paesaggio, soggetti ai quali Dottori è in grado d’imprimere uno straordinario dinamismo, esaltato da visioni ascensionali, sincretiche, distorte e, il più delle volte, aeree. Nella ‘sua’ Umbria tutte queste declinazioni approdano a esiti particolarmente suggestivi e tali da catturare l’essenza stessa di questa terra, poiché capaci di mescolare con rara maestria la tradizione pittorica di ascendenza peruginesca alla vorticosa esaltazione vitalista e aerodinamica marinettiana.

Bruna Esposito (Roma, 1960), tra le artiste italiane più affermate nel panorama internazionale, si distingue sin dai primi anni di attività per un approccio eterogeneo alla produzione artistica. Installazione, performance, video e fotografia si fondono in un vocabolario personale nutrito da discipline quali la musica, la letteratura e la danza. Il volume documenta una selezione di 40 opere realizzate negli ultimi vent’anni. Il titolo “Con questi chiari di luna”, dichiara l’interesse dell’artista per i detti popolari, confermato dai titoli dei lavori, nelle cui metafore spesso naturalistiche si stratifica una saggezza arcaica. Il carattere colloquiale che li caratterizza rivela un senso di familiarità: tramandate di generazione in generazione, le espressioni proverbiali entrano a far parte di quel lessico familiare su cui si costruisce l’identità individuale, e in cui si celebra una memoria comune. La ricorrenza di materiali e interessi nelle opere di Esposito rivela una pratica artistica consistente e impegnata, declinata in una dimensione, insieme etica ed estetica, di precisione delicata, il cui esito è una silenziosa densità poetica.