Silvana

Il videotape, come "medium" e "linguaggio", è entrato da tempo in quella che Rosalind Krauss ha definito "condizione postmediale". L'obsolescenza tecnologica del videotape ha riportato una forte e inedita attenzione alla sua dimensione artistica. Infatti, la progressiva e irreversibile cancellazione delle immagini dei "videotape d'artista", dovuta alla degenerazione del nastro magnetico, ha posto e pone una serie di problemi interrelati e finalizzati alle pratiche di "recupero" (di preservazione e di conservazione) non solo materiale, fisico, ma anche culturale, sia in chiave storica che estetica. Tale pluralità di problemi è qui affrontata attraverso "art/tapes/22" che è stato un centro di riferimento per la nascente videoarte in Europa: le opere che lo comprendono non solo presentano in nuce, sul piano tecnologico e sul piano linguistico, i tratti distintivi della video arte, ma evidenziano anche come esse siano una "campionatura" rilevantissima della presenza del videotape nella pratica artistica tout court. Le opere art/tapes/22 costituiscono una sezione trasversale e interdisciplinare delle arti contemporanee della prima metà degli anni settanta e testimoniano la formazione della video arte, contestuale alla presenza della pop art, del minimalismo, dell'arte povera, dell'arte concettuale, di fluxus, del lettrismo, dell'happening, della land art, dell'environment, della body art, della performance art, della digitai art.

Ninive è una delle città più importanti della storia della Mesopotamia e la grande quantità di monumenti e reperti che essa ha restituito ne fa uno dei centri principali dell'archeologia mesopotamica. In questo contesto, una posizione di assoluto rilievo è rappresentata dal palazzo voluto, alla fine dell'VIII secolo a.C., dal re Sennacherib, le cui rovine si trovano nell'odierna città di Mosul, e che, sin dagli anni novanta, è stato oggetto di sistematici saccheggi da parte di predatori di antichità. Le drammatiche condizioni del sito, caso triste ed esemplare della situazione in cui tutt'oggi versa il patrimonio culturale iraqeno, hanno mobilitato l'Istituto Italo-Iraqeno di Scienze Archeologiche di Baghdad che, grazie al diretto interesse del Ministero italiano, ha potuto organizzare nel 2002 una prima missione di un team di archeologi, restauratori, architetti, chimici, petrografi e fotografi al fine di documentare quanto fosse rimasto, in particolare, dei rilievi della suite reale del palazzo. Grazie a questa iniziativa, inserita in una più ampia politica di salvaguardia del patrimonio culturale iraqeno, si è potuta documentare una delle meraviglie della produzione artistica assira e più in generale dell'intero patrimonio culturale dell'umanità. Il volume propone un'accurata sintesi del lavoro svolto, presentato al pubblico in occasione di una mostra a Torino.

Il bellissimo marmo custodito nel Museo del Castello di Lancut (Polonia) fu commissionato nell'autunno del 1785, quando la principessa Elzbieta Lubomirska si trovava in viaggio a Roma con il nipote Henryk Lubomirsky. L'opera rappresentava il ritratto del Principe Henryk Lubomirski come Amore. L'artista, per la timidezza del ragazzo, riuscì a modellarne dal vero solo il volto. Per il nudo fece riferimento a una statua antica. Altre versioni in marmo e gesso della rappresentazione del giovane Amore vennero commissionate da nobiluomini dell'epoca, affascinati e conquistati dalla dolce bellezza del principe Henryk. Così repliche e gessi del principino finirono in molte residenze europee, dall'Irlanda alla Russia, dalla Francia all'Inghilterra, alla Germania e, naturalmente, all'Italia. L'opera, è stata ospitata nel salone d'onore della Casa di Canova, come se il principino tornasse a essere ospite di riguardo dello scultore. Attorno a questo prezioso marmo è stato ricostruito un percorso espositivo tutto dedicato al tema dell'amore e della bellezza. Trenta opere di Canova tra le quali: "Adone coronato da Venere", "Amore e Psiche stanti", le terrecotte della "Morte di Adone" e di "Amore e Psiche che si abbracciano". Il catalogo approfondisce con scientificità alcuni aspetti dell'arte di Antonio Canova e, in particolare, le tematiche legate al concetto di amore.

Cento opere d'arte, di cui molte sconosciute, abbelliscono le strade della storia tra Dalmazia, Titano e Montefeltro, lungo la via tracciata da Leone e Marino giunti nel IV secolo, dall'isola croata di Rab nel territorio dell'antica Rimini, per diventare fondatori della città di San Leo e della Repubblica di San Marino. Uno stretto legame unisce nei secoli le due sponde del mare ed è lungo la grande strada adriatica che si muovono santi, uomini d'arme, merci e capolavori d'arte, in un continuo scambio di esperienze e di culture che fa del medio Adriatico un'area artistica ricca di novità e di eccezionale interesse. Qui si celebrano i fasti dell'impero romano in età tardo antica, tra Spalato e Ravenna. Qui trionfano Bisanzio e Venezia tra Duecento e Trecento, in un mare di luce che risplende nell'oro della pittura e dei mosaici. Qui ha luogo, tra Spalato, Traù, Sebenico, Rimini e Urbino, la grande stagione artistica del Rinascimento: rocche e castelli, cattedrali e palazzi fanno di queste coste e di queste valli un territorio affascinante, in molti casi ancora da scoprire. La mostra espone reperti archeologici del primo cristianesimo sulle due sponde del mare, segni e simboli dell'età romanica, preziose tavole a fondo d'oro "veneto-bizantine", capolavori della pittura veneziana e dalmata del Trecento e del Quattrocento e le prime creazioni artistiche con cui ha inizio la splendida stagione rinascimentale adriatica.

A bon droyt' è il motto che figura sui cartigli che legano tra loro, in fasci, i semi di spade e di bastoni nei mazzi dei arocchi eseguiti a metà del Quattrocento da Bonifacio Bembo per la corte milanese dei Visconti. Proprio alla storia e al significato di questa antichissima arma è dedicata l'esposizione ospitata al Museo Archeologico Regionale di Aosta, accompagnata da questo volume. In mostra oltre settanta esemplari - veri capolavori di arte plastica e orafa dal sesto secolo al Rinascimento - che, presentati secondo un principio rigorosamente cronologico, illustrano i mutamenti tecnici e formali che esse hanno avuto nel corso dei secoli, affiancate da dipinti, sculture e altri oggetti coevi che le contestualizzano, chiarendone funzione e significato. Nel catalogo, l'accurata presentazione dei pezzi è accompagnata dai saggi di Mario Scalini, curatore dell'esposizione, Carlo Citter e David Alexander, che approfondiscono gli aspetti storici e simbolici connessi a questo strumento: emblema di equità e giustizia con l'instaurazione del Sacro Romano Impero, la spada ha infatti rafforzato la sua valenza allusiva col diffondersi dell'etica cavalleresca cristiana, divenendo via via distintivo di nobiltà d'animo e segno di potere per papi, cardinali, vescovi e abati, oltre che imperatori, sovrani e nobili di nascita. In appendice, un repertorio sull'iconografia dei santi guerrieri e una bibliografia aggiornata.

I Love Museums è una rivista che cerca non solo di restituire una panoramica attenta e aggiornata sul sistema museale italiano, ma offre al tempo stesso materia di dibattito e di confronto sia sulle problematiche strettamente legate al museo, sia sull'arte in generale e si presenta come un punto d'incontro e uno strumento per gli appassionati d'arte contemporanea che desiderano essere sempre aggiornati su ciò che accade nel sistema museale italiano e internazionale. In questo quarto numero della rivista I love museums - pubblicazione semestrale creata dall'Associazione Musei d'Arte Contemporanea Italiani per diffondere la coscienza dell'arte contemporanea nel nostro paese - sono presentati, nella prima parte, i nuovi direttori chiamati a dirigere alcuni dei musei già associati all'AMACI, nonché quattro nuovi musei e centri d'arte contemporanea recentemente associatisi all'organizzazione. Seguono articoli e interviste che approfondiscono alcune tematiche legate alle necessità e alle aspettative del mondo dell'arte contemporanea rispetto al sistema di gestione culturale del nostro paese: fra questi si segnala l'intervista di Ludovico Pratesi a Robert Storr, direttore della prossima Biennale di Venezia del 2007.

L'arte istraeliana contemporanea è protagonista di un'ampia esposizione allestita nelle sale di Palazzo Bricherasio a Torino, realizzata in collaborazione con il Tel Aviv Museum of Modern Art. La mostra, attraverso le opere di diciannove artisti, offre uno sguardo approfondito su un Paese e la sua arte, alla continua ricerca di un equilibrio tra l'Occidente e il Medio Oriente. Questi pittori, scultori, e fotografi coltivano la loro unicità sul terreno comune di un patrimonio culturale ebraico condiviso e, sensibili allo scompiglio in cui è caduto il mondo, dimostrano come le difficoltà possano incrementare la creatività facendosi testimoni - come osserva il curatore Arturo Schwarz, profondo conoscitore dell'arte israeliana moderna e contemporanea - delle grandi tematiche dell'arte e dell'uomo. Il volume, introdotto da un testo critico del curatore, presenta gli artisti, suddivisi in quattro sezioni, cui segue il catalogo delle loro opere.

Il volume accompagna un'esposizione che presenta al pubblico un particolare periodo della vita di Michelangelo, soffermandosi su due aspetti della sua produzione, legati alle vicende della Seconda Repubblica fiorentina: da un lato l'impegno civile nella realizzazione delle fortificazioni; dall'altro l'incontro a Ferrara con Alfonso I d'Este e la commissione della famosa Leda. Fulcro dello studio è il disegno Studio di testa con variante di naso, unanimemente riconosciuto come uno dei pezzi più belli e importanti della produzione grafica di Michelangelo. L'atteggiamento vivido e lascivo dei due amanti - Zeus in sembianza di cigno e Leda, raffigurati sulla tela nel momento culminante del loro incontro - fu forse la ragione che ci impedisce di ammirare oggi il capolavoro, bruciato nella Francia del Seicento proprio perché ritenuto immorale e indecente. In mostra anche straordinari fogli con disegni di fortificazione, testimonianza dell'impegno michelangiolesco in qualità di governatore e procuratore generale delle fortificazioni, ricevuta a Firenze nel 1529.

Questa pubblicazione, edita per la sezione I linguaggi della cultura della Biblioteca d'arte contemporanea di Silvana Editoriale, sottolinea un nuovo modo di concepire l'arte. Essa propone un prezioso archivio di lavoro, di pensieri, di osservazioni e azioni di Vitantonio Russo, economista e operatore culturale che, attingendo alla sua professione, ha spostato con una insolita creatività i termini metodologici dell'arte. Il suo sapere specifico è divenuto il fondamento di un'arte in cui le analisi, le comparazioni, le ricerche e, in definitiva, la conoscenza profonda dell'economia, producono un'opera d'arte trascendentale e attiva rivolta a un miglioramento dell'uomo e della società in cui esso vive. Economic Art, definizione da lui coniata, rappresenta una ricerca, un progetto esistenziale di oltre 40 anni di intenso lavoro scientifico e creativo che amplia la visione dell'arte contemporanea e nel contempo mette in luce il pensiero forte dell'artista-economista. I testi di Russo sono preceduti da quattro letture di Lucrezia De Domizio Durini, e sono corredati da apparati bio-bibliografici.