Silvana

Poggio Imperiale, una collina a 200 metri sul livello del mare estesa per quasi 12 ettari, è oggetto sin dal 1991 di indagini archeologiche da parte del dipartimento di Archeologia e Storia delle Arti dell'Università di Siena, sotto la direzione scientifica di Marco Valenti e di Riccardo Francovich. A oggi sono stati indagati oltre due ettari del deposito archeologico, rivelando una complessa sequenza antropica: la diacronia abitativa ha infatti inizio nei secoli della tarda romanità, prosegue per tutto l'altomedioevo e, dopo un'apparente interruzione, riprende fra metà XII secolo e inizi XIV secolo. In questo periodo il sito ha rappresentato il vero centro storico di Poggibonsi: tra 1155 e 1270 vi sorgeva infatti il castello - poi nucleo urbano - di Podium Bonizi, distrutto nel 1270 dalle truppe fiorentine. Nel XV secolo la collina vide la costruzione di una grande fortezza, realizzata su progetto di Giuliano da Sangallo per volontà di Lorenzo il Magnifico. Questo volume narra il lavoro archeologico svolto nella fortezza di Poggio Imperiale, contestualizza il monumento nel suo territorio, aggiorna sulla politica di valorizzazione del patrimonio culturale da parte del Comune (intervento alla Rocca di Staggia), illustra la costruzione del Parco Archeologico e Tecnologico di Poggio Imperiale a Poggibonsi, aperto nel settembre 2003, dove archeologia, tecnologia innovativa, ricerca, formazione e didattica offrono un'articolata offerta culturale sia al grande pubblico che agli specialisti.

Nel trentennale della morte e della sua prima importante mostra italiana, curata da Giovanni Testori, Palazzo Leone da Perego (Legnano) dedica un'ampia antologica al maestro zurighese Willy Varlin (1900-1977), fra le più importanti e influenti voci del Novecento europeo. Il volume monografico raccoglie oltre cinquanta opere del maestro, alcune delle quali inedite, come il primo lavoro giovanile, Ritratto di uomo con cappello del 1921, e l'ultimo quadro realizzato prima della scomparsa, Stare a letto del 1976. I grandi e spaziosi paesaggi italiani, le vedute di Bondo, le figure allungate ed eleganti delineano il percorso artistico di un grande poeta dell'immagine e straordinario ritrattista; a proposito dei suoi modelli, fra cui Frisch, Dürrenmatt, Cartier Bresson, Testori, l'artista scrisse: "col tempo scopro il masochismo degli intellettuali che vengono a farsi fare il ritratto da me. La loro gioia autolesionista me ne porta sempre nuovi. L'associazione dei danneggiati di Varlin annovera nomi sempre più illustri". A introduzione del catalogo sono ordinati testi di Flavio Arensi, Stefano Crespi, Friedrich Dürrenmatt, Vittorio Sgarbi, Roberto Tassi, Giovanni Testori.

La rassegna promossa dal MAC - Museo d'arte Contemporanea dell'Accademia di Catanzaro, giunge alla sua seconda edizione, dopo quella del 2005 dedicata alle prime acquisizioni artistiche prodotte tra il 1973 e il 1992. Obiettivo dell'evento è non solo di far conoscere le creazioni realizzate dal corpo docente dell'Accademia di Belle Arti di Catanzaro, attraverso l'esposizione delle produzioni eseguite dal 1992 al 2006, ma anche di coinvolgere il pubblico in una riflessione sull'arte contemporanea. Il catalogo che accompagna la mostra accoglie gli interventi di Rocco Pangaro, direttore dell'Accademia, Anna Russano Cortone, Mauro Minervino, Luca Pietro Vasta, Giancarlo Chielli, Guglielmo Gigliotti, e Monica Torrusio. Segue il catalogo delle opere esposte e una serie di apparati biobibliografici relativi agli artisti: Caterina Arcuri, Antonio Cilurzo, Giulio de Mitri, Dimitris Kozaris, Bruno La Vergata, Vincenzo Lombardi, Alfredo Maiorino, Gianluca Murasecchi, Gina Nicolosi, Vittorio Politano, Bruno Tavani, Vincenzo Trapasso.

Figurini, bozzetti, elementi scenici e costumi realizzati per gli spettacoli del Teatro dell'Opera di Roma nel corso di oltre un secolo di vita. Culla del teatro musicale del Novecento, l'Opera romana ha avuto un rapporto privilegiato con pittori e scultori, oltre che con scenografi e registi. Tale intensa produzione ha lasciato in eredità numerosi e rari materiali che, dopo un lungo e attento riordino, vengono presentati per la prima volta. Il volume propone oltre trecento opere create da alcune delle più note personalità artistiche del Novecento, quali Afro Basaldella, Alberto Burri, Corrado Cagli, Alexander Calder, Felice Casorati, Giorgio De Chirico, Filippo De Pisis, Renato Guttuso, Giacomo Manzù, Pablo Picasso, Arnaldo Pomodoro, Enrico Prampolini, Luchino Visconti e Franco Zeffirelli. Accanto a queste opere vengono presentati gli splendidi costumi di scena indossati nel XX secolo da alcuni dei più grandi interpreti del canto e della danza: Beniamino Gigli, Giacomo Lauri Volpi, Maria Caniglia, Maria Callas, Renata Tebaldi, Anna Moffo, Magda Olivero, Giulietta Simionato, Montserrat Caballè, Alfredo Kraus, Luciano Pavarotti, Aurel Milloss, Rudolf Nureyev, Carla Fracci, Zizi Jeanmaire, Alessandra Ferri e Roberto Bolle.

Il volume raccoglie una serie di riflessioni sull'itinerario biografico di Luigi Manini (1848-1936) e sull'ambiente culturale che ha fatto da sfondo alla sua formazione e alla sua attività in Italia e in Portogallo. L'indagine ha consentito di approfondire alcune questioni storiograficamente rilevanti per il periodo compreso tra gli ultimi decenni dell'Ottocento e i primi anni del Novecento: la sopravvivenza di una formazione da autodidatta; il possibile sviluppo contemporaneo di attività diverse (pittura, scenografia, architettura e fotografia), condotte con sapienza da addetto ai lavori convenzionalmente formato; i comportamenti di un protagonista della migrazione culturale; la priorità delle antichità locali rispetto all'antichità greco-romana e alla ricerca di un nuovo linguaggio. Ne emerge, alla fine, un quadro che collabora alla comprensione del definirsi dell'architettura tra ruolo di formazione di una coscienza nazionale e adesione alla modernità.

Il volume accompagna l'esposizione di arte contemporanea allestita al MAN di Nuoro dedicata alla riflessione sul concetto di confine e dei suoi sinonimi, ovvero limite, frontiera, margini, soglia. I confini oggi non sono solo linee, e non sono solo muri, barriere insormontabili, ma si presentano come imbuti, come corridoi, come sacche, come spugne, come fantasmi, come recinti. I confini sono i sensori delle dinamiche del mondo contemporaneo. Le opere in mostra sono introdotte dai saggi critici di Cristiana Collu, Saretto Cincinelli, Roberto Pinto e Davide Zoletto. Seguono, nel volume, due interviste di Marco Senaldi al filosofo sloveno Slavoj Zizek e all'antropologo italiano Franco La Cecla. Completano il volume le biografie degli artisti.

In numerose chiese ticinesi destano tuttora grande interesse i coloratissimi frontali (paliotti) d'altare, che di primo acchito sembrano intarsi di marmo o "commessi fiorentini". Si tratta invece di paliotti in scagliola intarsiata, manufatti eseguiti con grande maestria secondo particolari tecniche basate sull'uso di materiale gessoso, morbido - la scagliola appunto - steso su lastre di supporto appositamente preparate. La tecnica trova ampia applicazione a partire dal Seicento per l'esecuzione di paliotti grazie alla sua (re)invenzione in Emilia, da dove si diffonde rapidamente a molte regioni dell'Italia settentrionale e al Canton Ticino: un'alternativa agli intarsi di pietre dure di tradizione fiorentina, più economica e tecnicamente meno difficile, ma ugualmente di grande effetto. Nella regione dei Laghi la tecnica è documentata dalla fine del Seicento, in ambito ticinese prevalentemente nel Settecento, con paliotti prodotti da attivissime botteghe locali che sviluppano un estroso quanto individuale linguaggio decorativo che abbina sacro e profano. La mostra proposta dalla Pinacoteca Züst di Rancate e i testi di approfondimento contenuti nel catalogo, che accompagnano una scelta di pezzi significativi, pongono l'accento sulla specificità delle scagliole ticinesi rispetto a quelle italiane: lo sfasamento temporale tra le due produzioni consente infatti a quella ticinese di risentire del mutato clima culturale.

Prosegue con questo volume la pubblicazione di "Storie del cinema italiano", una serie che ripercorre passato e presente della nostra cinematografia attraverso l'analisi, in tre volumi, di altrettanti temi. L'attenzione, in questo volume, è rivolta ai luoghi di cui è tessuto l'immaginario del cinema italiano. Dalla stagione del muto fino ai giorni nostri, la nostra cinematografia, attenta alla verità degli ambienti che ha rappresentato, si rivela essere una straordinaria mappa utile per registrare, nel corso del tempo, i cambiamenti del paese, quel che è irrimediabilmente perduto e quel che è stato faticosamente preservato. Il racconto di come dunque il paesaggio italiano è stato utilizzato nel nostro cinema - attraverso la ricerca dei luoghi originari, la ricostruzione di certi scorci, la rievocazione della sfarzosa grandiosità o dell'imbarazzante povertà di certe scenografie - è accompagnato dal racconto iconografico che documenta visivamente, attraverso un'ampia selezione di fotografie, le diverse fasi d'uso del paesaggio.

Certo, l'armonica. Cianci Gatti è un virtuoso dell'armonica a bocca, sa trarne ciò che vuole: l'assolo più struggente come la complessità strumentistica di un'orchestra, la purezza di una goccia d'acqua che cade, un treno che sì allontana e mille altri suoni con cui crea le cornici per le sue interpretazioni. E tuttavia non c'è solo il i musicista e la sua passione mai sopita per la "piccola", c'è un talento più ricco e versatile di cui merita render conto. C'è l'artista di cabaret, inventore di scenette e di canzoni, il mimo, il cantante, l'attore comico, capace di interloquire e divertirsi con un piccolo pubblico in un'osteria o in un tabarin. C'è il "poeta di strada", come lui dice dell'amato Prévert. E allo stesso tempo l'altro Cianci: l'uomo di spettacolo, l'artista dei varietà e delle platee internazionali, la celebrità della Tv. Ma c'è anche la vita di Cianci, c'è il fascino di una narrazione che sembra un romanzo, che reca enigmi, che svolge un intreccio senza risparmio di colpì, che offre una conclusione e forse un'agnizione. C'è il testimone di un "epopea" italiana che si vorrebbe già dimenticata: gli anni del fascismo, la partecipazione alla guerra, Bolzano e il suo inesausto dramma confinario, l'orrore del suo lager, la fatica del dopoguerra, gli entusiasmi del "boom" e avanti...

Considerato uno dei più importanti e incisivi rappesentanti dell'arte contemporanea tedesca, Georg Baselitz (Deutschbaselitz, 1938) è il protagonista di una retrospettiva ospitata al Museo d'Arte Moderna di Lugano, accompagnata dalla pubblicazione del presenta volume. Artista eversivo, noto per i suoi motivi capovolti - gesto che segna in maniera indelebile il processo di decostruzione dell'immagine - Baselitz si inserisce nella vasta corrente che, agli inizi degli anni ottanta, attraverso movimenti quali la Transavanguardia in Italia, i Neue Wilde in Germania o la Figuration libre in Francia, intraprende una nuova strada nel campo della pittura figurativa, in opposizione all'arte concettuale e all'arte minimale che aveva dominato il decennio precedente. Il catalogo documenta 150 opere tra dipinti, sculture in legno, incisioni monumentali e disegni, che ripercorrono, dagli esordi alle ultime prove del 2006 appartenenti alla serie Remix, l'intera carriera dell'artista. Seguono i contributi critici di Rainer Michael Mason - già conservatore del Cabinet des estampes du Musée d'Art et d'Histoire di Ginevra, amico e profondo conoscitore del lavoro di Baselitz - Eric Darragon, Bruno Corà, la traduzione di un saggio di Antonio Saura e un'intervista di Rainer Michael Mason a Georg Baselitz.

Il volume è dedicato alla storia del teatro d'opera a Parma: un argomento, quello dell'opera, che rappresenta una delle espressioni più tipiche della cultura italiana e, tra le forme di spettacolo, quella più intimamente legata alla nostra tradizione. A Parma, nella sua plurisecolare storia musicale, teatri e musicisti si sono succeduti lasciando in città importantissime testimonianze, che questa pubblicazione ripropone ai lettori in maniera dettagliata e discorsiva. Dal teatro Farnese, costruito tra 1618 e 1619 per volere di Ranuccio I, e che fu, prima ancora che un gioiello architettonico e scultoreo, una grande novità proprio dal punto di vista teatrale, al teatro Ducale, primo vero tatro pubblico della città, edificato nel 1688 interamente in legno, fino al grandioso teatro Regio, voluto da Maria Luigia d'Austria, e che vedrà, nell'Ottocento, il trionfo di Giuseppe Verdi. Una storia appassionante, in cui si alternano i nomi dei grandi compositori del Paese, e che vede rivolta una speciale attenzione ad argomenti in genere poco considerati, come quelli legati alle implicazioni sociali e ai risvolti produttivi delle istituzioni teatrali, ma che sono, in realtà, inseparabili dagli altri più propriamente artistici e culturali. Il testo è corredato da un ricco repertorio di illustrazioni storiche, provenienti soprattutto dalla straordinaria dotazione dell'Archivio Storico del Teatro Regio, che forniscono un supporto visivo estremamente efficace al contenuto del libro.