Silvana

Giuseppe Capogrossi e l’architettura è un saggio dedicato alla grande Cancellata di Bari, scultura monumentale nonché vero e proprio testamento artistico di Capogrossi (1900-1972), installata attorno alla Facoltà di Giurisprudenza dell’Università “Aldo Moro” di Bari. In occasione del cinquantenario dell’opera, l’autore ricostruisce un percorso a ritroso rileggendo i temi della formula astrattista e la qualità intimamente architettonica della pittura di Capogrossi. Il volume indaga tanto la produzione segnica quanto i fondamentali rapporti con il mondo della progettazione, rintracciando documenti inediti nel percorso professionale svolto tra numerose collaborazioni con architetti come Moretti, Libera, Luccichenti, Monaco e Sacripanti. Tra gli interventi analizzati, il soffitto dello Scalone della Triennale di Milano, il Cinema Airone di Roma, il Palazzo Confindustria di Roma, l’ex convento dei Cappuccini di Gubbio, il progetto per il Padiglione italiano per l’Esposizione Universale di Osaka, 1970, e numerosi altri contributi nell’ambito della decorazione e del disegno per l’architettura.

Il Premio Marche - Biennale d'Arte Contemporanea è la tradizionale e nota manifestazione d'arte contemporanea tra le più significative del Centro Italia, di valenza nazionale e di più rilevante e importante tradizione storica tra quelle attivate nel territorio della regione delle Marche. Organizzato dall'A.M.I.A. (Associazione Marchigiana Iniziative Artistiche), quale Ente fondatore e principale promotore, l'iniziativa ha contribuito nel territorio alla promozione di manifestazioni di livello sovraregionale e nazionale, rivestendo un ruolo fondamentale e di grande rilievo per la divulgazione dell'arte. Nel dare continuità alla Rassegna, il progetto dell'Edizione Regionale 2022 prevede l'approdo ad Urbino nelle sale di Palazzo Ducale e della Galleria Civica Albani, con due esposizioni: accanto alla tradizionale Rassegna sulla ricognizione degli artisti marchigiani, o operanti nella Regione Marche, è prevista una mostra monografica che affronta alcuni degli aspetti del disegno negli artisti marchigiani del Novecento.

Mario, detto Mischa, Scandella (Venezia, 1921 – Roma, 1983) è stato uno scenografo e costumista veneziano di grande talento e sensibilità. La sua produzione artistica, oggi raccolta per intero e presentata al pubblico per la prima volta in questa monografia, ha contributo a rinnovare la scena italiana del secondo Novecento con una presenza stravagante e audace. Formatosi nel fervore culturale di una Venezia post bellica, Scandella ha debuttato nell'ambiente dei teatri universitari di Venezia e Padova per affermarsi poco dopo a livello nazionale. Nel corso della sua lunga carriera ha lavorato accanto a grandi nomi del teatro italiano, tra i quali Gianfranco de Bosio, Anton Giulio Bragaglia, Vittorio Gassman, Giovanni Poli, Guido Salvini e Giorgio Strehler. L'archivio personale di Mischa Scandella è conservato, grazie alla generosità del figlio Giovanni, presso l'Istituto per il Teatro e il Melodramma della Fondazione Giorgio Cini di Venezia, che da anni si occupa di Storia dello Spettacolo e Storia della Scenografia.

«C'è una curiosa "scintilla" che mi si accende nel cervello quando entro in un archivio e mi siedo con un fascicolo di fotografie storiche. In quel momento, ho la sensazione di "incontrare qualcuno che non ho mai incontrato prima". Poiché lavoro con la storia, in particolare con persone che hanno subito un destino infausto e sono scomparse nel tempo, il legame più intimo che posso avere con i miei soggetti è quello di andarli a cercare nelle vecchie foto e nei documenti; oppure, quando possibile, visitare i luoghi in cui hanno risieduto (anzi, in cui spesso sono stati incarcerati). In questo modo, mi sembra di entrare in comunione con loro; mi avvicino il più possibile prima di iniziare a lavorare con la loro immagine e la loro storia nel mio studio. Per me questo passaggio iniziale di conoscenza dei miei soggetti e del materiale che li riguarda è fondamentale. Crea una connessione più intensa fra noi e, di conseguenza, un'opera d'arte più profonda.» (Monica Lundy)

La cura del corpo e l'uso di ornamenti per abbellire la propria immagine sono pratiche comunemente attestate nell'antico Egitto. Racconti e poesie evocano scenari che si riflettono perfettamente nei gioielli, negli ornamenti e nei pregiati oggetti da cosmesi ritrovati nei corredi funerari di numerose principesse, principi e nobili. La mostra presentata al Museo del Gioiello propone una selezione di raffinati oggetti, celati nei magazzini del Museo Egizio, che raccontano tre aspetti peculiari dell'arte dell'ornamento: l'imprescindibile legame con la bellezza, l'ostentazione dello sfarzo e la componente magica.

Il volume intende riscoprire una figura tra le più interessanti del Novecento pugliese: Giuseppe Ar (Lucera, 1898 - Napoli, 1956). Attraverso saggi critici e approfondimenti, si propone di ordinare su inedite basi scientifiche la produzione dell’artista, collocandola in un più ampio panorama nazionale e rivelandone finalmente un’inaspettata complessità. Uno studio sistematico dei documenti e il confronto con alcuni dei suoi principali riferimenti culturali – dalla pittura d’interni dell’Ottocento pugliese alle coeve atmosfere del realismo magico – hanno permesso una maggiore comprensione del suo peculiare linguaggio artistico, in cui il fare pittorico della tradizione incontra i temi moderni della solitudine e del silenzio.

“Un punto, un foro, un varco. Un taglio, uno squarcio, una ferita. Lo sguardo si protende verso le aperture, scopre piccole e ampie concavità, linee focali convergono e si dipartono tra ombre cromatiche ed evidenze di luce: andiamo con gli occhi verso ciò che vuole essere guardato, oggetto del desiderio percettivo. […] L’opera quale incipit di uno sconfinamento tra ciò che esiste e ciò che non può esser altro che immaginato.” Questo volume è un momento di riflessione sulla ricerca multidisciplinare di Paolo Scheggi (1940-1971) e sulla sua intensa indagine artistica sviluppata in poco più di un decennio: una manciata di tempo apparentemente insignificante, nella lenta e irrevocabile evoluzione della storia dell’arte moderna e contemporanea occidentale, che lo definisce un giovanissimo protagonista della neo-avanguardia spazialista e monocroma italiana, e un pioniere dei linguaggi contemporanei.

La ricerca di Davide Balliano (Torino, 1983) opera sulla sottile linea di demarcazione tra pittura e scultura, affrontando temi esistenziali come l’identità dell’uomo nell’età della tecnica e il suo rapporto con il sublime, attraverso un linguaggio austero e minimale di geometrie astratte in forte dialogo con l’architettura. Attraverso una pratica che l’artista stesso definisce come monastica, austera e meditativa, i meticolosi dipinti di Balliano appaiono, ad un primo sguardo, ordinati e precisi. Tuttavia, un’osservazione più attenta rivela graffi e abrasioni che mostrano la superficie sottostante gli strati di vernice, quasi come fosse la decadente facciata di abbandonate intenzioni moderniste. In aggiunta alle opere pittoriche, Davide Balliano è anche noto per i suoi lavori scultorei, in cui traduce il suo vocabolario visivo e pittorico in oggetti tridimensionali, spesso realizzati in acciaio, ceramica o legno. Il volume, che propone un’ampia selezione di lavori che offrono una panoramica completa sulla sua produzione, accoglie inoltre una conversazione tra Osman Can Yerebakane e l’artista ed un saggio critico di Michele Robecchi.

Il volume intende approfondire uno degli aspetti meno noti e più intimi dell'opera di Ico Parisi, ossia il suo rapporto con la moglie Luisa e la loro ricerca nel campo delle arti applicate - più precisamente sui vetri e sulle ceramiche -, attraverso una selezione di oggetti realizzati dalla metà anni Cinquanta fino agli inizi degli anni Novanta, provenienti dalla Pinacoteca civica di Como e da collezioni private. Queste opere, poco note ma iconiche, permettono di osservare come la ricerca dei coniugi Parisi si traduca in scelte moderne e funzionali relativamente all'oggettistica e ai complementi d'arredo, interpretando anche in questo campo i cambiamenti culturali ed economici che hanno caratterizzato la seconda metà del Novecento.

Il volume, edito in occasione di una mostra itinerante promossa dal Ministero degli Affari Esteri, documenta una selezione di opere tra le più importanti della Collezione Farnesina, scelte da Achille Bonito Oliva. Istituita nel 2001, la Collezione Farnesina annovera oltre 1200 opere di primissimo valore, che testimoniano il grande patrimonio artistico italiano del Novecento, fino alla contemporaneità: una raccolta che si compone delle forme di espressione artistica più attuali, dimostrandosi un’importantissima vetrina internazionale per l’arte contemporanea italiana. Artisti: Carla Accardi, Afro, Getulio Alviani, Matteo Basilé, Vanessa Beecroft, Elena Bellantoni, Domenico Bianchi, Umberto Boccioni, Alighiero Boetti, Agostino Bonalumi, Danilo Bucchi, Alberto Burri, Loris Cecchini, Mario Ceroli, Sandro Chia, Sarah Ciracì, Francesco Clemente, Pietro Consagra, Enzo Cucchi, Sabrina D’Alessandro, Gino de Dominicis, Nicola De Maria, Fortunato Depero, Gianni Dessì, Irene Dionisio, Tano Festa, Giuseppe Gallo, Alberto Garutti, Mimmo Jodice, Jannis Kounellis, Felice Levini, Sergio Lombardo, Piero Manzoni, Marino Marini, Arturo Martini, Fabio Mauri, Mario Merz, Marisa Merz, Mirko, Maurizio Mochetti, Liliana Moro, Nunzio, Luigi Ontani, Mimmo Paladino, Giulio Paolini, Pino Pascali, Luca Maria Patella, Achille Perilli, Benedetto Pietromarchi, Alfredo Pirri, Vettor Pisani, Michelangelo Pistoletto, Piero Pizzi Cannella, Fabrizio Plessi, Arnaldo Pomodoro, Daniele Puppi, Mimmo Rotella, Pietro Ruffo, Alberto Savinio, Mario Schifano, Marco Tirelli, Grazia Toderi, Grazia Varisco, Gilberto Zorio.

Il volume offe una panoramica della produzione fotografica di Italo Passoni (Muggiò, 1953), attraverso un'antologia di scatti realizzati nel corso della sua vita, cui sono affiancate riflessioni personali sul tema della fotografia.

Da un’idea del collezionista Giuseppe Cascetta, lo scultore contemporaneo Nunzio ha lavorato ispirandosi all’Annunciazione Ranieri di Perugino, riflettendo sul suo significato, sui valori formali e spirituali del capolavoro dell'artista rinascimentale. Il risultato del dialogo presentato in questo catalogo di mostra si è tradotto in due sculture in legno che, attraverso un codice contemporaneo, analizzano l’eterno rapporto che lega i maestri del passato agli autori viventi. Le due sculture di Nunzio, in liaison con Perugino, sono - secondo le parole dello scultore - "l’una l’ideale sviluppo di una curva che avvolge le due figure del dipinto, l’altra la proiezione di uno di “spazio”, interpretato come architettura, come paesaggio, come orizzonte in un dialogo che riflette su proporzioni e volumetrie". Ed è proprio questa eterna sfida per gli artisti di ogni epoca che viene evocata nei testi e nel layout di questo volume in doppia lingua italiana e inglese.