Silvana

Lo studio di Manlio Rho non era solo il luogo in cui nacque lo stile peculiare della sua opera astratta, ma un vero e proprio spazio di aggregazione degli architetti e degli artisti che animarono la cultura degli anni trenta e quaranta a Como. Sugli scaffali e le librerie disegnate dallo stesso Rho, libri, fotografie e riviste nazionali e internazionali costituirono le fonti per il suo lavoro e per quello dei suoi amici e compagni di percorso. Il volume vi farà entrare in questo luogo e vi permetterà di conoscere alcune delle opere più importanti dell’artista introducendovi al "metodo" attraverso il quale egli giunse a definire l’equilibrio del colore e delle forme presenti nelle sue composizioni. Un procedimento basato sulla regola geometrica, sulla conoscenza dei capolavori del passato, delle ricerche dell’astrattismo europeo e delle arti applicate, in primo luogo il disegno per la moda. Con testi in inglese.

Il volume documenta il ciclo espositivo MY30YEARS – Coherency in Diversity ideato e curato nel 2021 da Lóránd Hegyi per omaggiare i trent’anni di carriera della gallerista Annamaria Maggi. Il ciclo espositivo, composto da otto mostre, ha coinvolto dodici artisti, fra maestri e artisti più giovani, seguiti o rappresentati dalla Galleria Fumagalli. Per ogni occasione Lóránd Hegyi ha posto in dialogo tre artisti su alcuni temi specifici, allo scopo di far emergere inedite connessioni e analogie tra le loro differenti ricerche artistiche, evitando ogni imposizione concettuale e lasciando alle opere tutta la loro unicità e autonomia di significato.

Il nome di Renato Ballerini (Ravenna 1877 - Lugano 1954) è noto principalmente agli addetti ai lavori. La figura di quest'artista, ravennate di nascita e svizzero di adozione, è infatti ormai perlopiù sconosciuta, nonostante egli sia stato per Lugano un'autentica personalità, avendo partecipato attivamente alla vita politica e culturale ticinese della prima metà del Novecento. Pittore della borghesia locale, scultore di poche ma interessanti opere, giornalista per la carta stampata, illustratore di vignette satiriche, grande polemista in un'epoca in cui le battaglie si facevano sulle pagine dei giornali, ha combattuto fino all'ultimo la lotta del quotidiano, in un momento storico in cui vivere con l'arte rappresentava una sfida impossibile. Con testi in inglese.

Il volume è la prosecuzione di un contributo solo accennato (Parole come Rose), proposto nell'ambito della tavola rotonda "È l'immortale Rosa. Arti, storia, natura, architettura del paesaggio", ospitata presso Il Vittoriale degli Italiani il giorno 21 settembre 2019. Il simposio, curato da Sabina Antonini e moderato con Umberto Andolfato, che vide la partecipazione di relatori di approccio e formazione assai differente - Carlo Pagani, maestro giardiniere; Anna Caterina Furlani Pedoja, paesaggista; Beatrice Barni, dottore in scienze naturali e titolare dell'omonima azienda florovivaistica pistoiese; Tania Gianesin, Co-founder and Executive Board member di Moleskine Foundation -, voleva – anzitutto – dar conto della presenza della rosa nei più diversi contesti: storici, artistici, botanici, scientifici, culturali. A questa ricerca viene con questo volume fornito un contributo letterario che antologizza la presenza della rosa nella produzione dannunziana: prescindendo da intenti di sistematicità o censimento esatto, la volontà dell'autrice è piuttosto quella di, per usare le parole presenti nel saggio introduttivo, "illustrare un andamento capace di indicare una rotta, una costellazione di senso, un orizzonte spirituale, una categoria atmosferica all'interno della quale la danza della rosa (perché la rosa è una danza) sigla i riverberi emotivi del Poeta".

Il catalogo della V edizione della Biennale d'Arte Ceramica Contemporanea propone le opere di un eterogeneo gruppo di artisti che, con ricchezza di linguaggi personali, trasformano, snaturano, ripensano il medium della ceramica realizzando un'operazione poetica di grande impegno: mettere in forma visibile, portare alla luce, un frammento del loro mondo interiore per immaginare il futuro, liberando gli occhi da visioni stancamente consolidate e preparando la mente a nuove utopie verso cui tendere.

Personalità di spicco nel panorama artistico italiano e internazionale, Nello Petrucci è un autore e film maker italiano che lavora utilizzando diverse tecniche espressive (dalla pittura al collage, dalla stampa fotografica halftone alla serigrafia) e intervenendo all’interno di diversi campi mediali e linguistici (dal cinema all’arte contemporanea, dalla Street Art all’arte pubblica). Sia per quanto riguarda i profili recuperati dalla classicità e dal cinema, che per i soggetti provenienti dalla cronaca e dall’attualità, Petrucci ha volutamente individuato e scelto la tecnica dell’halftone per la caratteristica di essere a bassa definizione, opaca, discontinua, perché, fornendo all’osservatore poche informazioni visive, gli richiede una maggior partecipazione per completare ciò che è soltanto suggerito dalla maglia a mosaico dei puntini. Questo procedimento viene estremizzato negli interventi di Street Art ideati e realizzati da Petrucci per il contesto urbano e ripresentati sotto forma di stampa su carta Fine Art Giclèe.

Sedici illustratori per raccontare i valori fondanti l'Europa dei popoli, sedici immagini per svelare il potere di una narrazione silenziosa che non ha bisogno di parole. Ogni illustratore rappresenta linguaggi capaci di svolgere temi complessi andando all'essenza del loro significato. Sedici autori per valorizzare un aspetto significativo della nostra cultura contemporanea, interpreti di un nuovo Rinascimento. Linee, forme, colori, dinamiche di curve per dare vita a riflessioni e pensieri, attivando con l'esperienza della visione il confronto con l'altro.

Tony Gentile è il fotografo più famoso ma paradossalmente sconosciuto per quanti in Italia hanno visto una sua fotografia tanto eccezionale da essersi trasformata in un’icona della storia italiana contemporanea. La conosciamo tutti: è stata pubblicata mille volte in tanti giornali e libri, la si ritrova sui frontoni dei palazzi di giustizia, nei circoli antimafia, nelle manifestazioni politiche, nei libri di storia contemporanea. Sto parlando della foto straordinaria di Giovanni Falcone e Paolo Borsellino che parlano fitto in confidenza. Un’immagine che è entrata nell’album di famiglia di intere generazioni. Il volume raccoglie questa e molte altre fotografie scattate da Tony Gentile negli anni terribili della guerra di mafia che a Palermo ha seminato centinaia di morti, in cui il capoluogo siculo appare come una specie di Beirut negli anni della guerra, assassinata e trucidata anche lei. Ma il volume non è solo un susseguirsi di immagini drammatiche e spettacolari dei morti ammazzati, è anche un libro che offre spazio alla quotidianità di Palermo, dalle processioni religiose fino allo stadio La Favorita. Momenti di vita ordinaria che creano quasi un cortocircuito nella percezione del fruitore per rendere più esplicita la dicotomia tra i due volti opposti della città: la sua tragedia e la sua umanità.

Il rapporto di Antonio Canova (1757-1822) con la società e la cultura britanniche è da sempre considerato di fondamentale importanza, ma solo negli ultimi anni è stato oggetto di studi più approfonditi: una riflessione generale che ambisse a tenere insieme le fila delle molteplici sfaccettature del tema ricostruendo e interconnettendo tra loro tutti gli aspetti alla base di questa relazione di mutuo arricchimento mancava tuttavia ancora nella pur ricchissima bibliografia canoviana. Muovendo da una capillare analisi della documentazione d'archivio e delle molte fonti a stampa dell'epoca, il saggio ricostruisce in quattro densi capitoli i principali aspetti distintivi di tale relazione: committenza e mutua influenza culturale; relazioni politiche e diplomatiche; natura e forme dello straordinario favore goduto dallo scultore in terra inglese e ragioni della sua precoce sfortuna critica; infine il legame con le arti figurative e letterarie. Se ne ricava l'immagine di una Nazione, la Gran Bretagna, che più d'ogni altra in Europa seppe esaltare e comprendere l'esempio artistico canoviano, elevandone l'uomo e le opere quasi a fenomeno di costume e contribuendo in misura determinante, in vita e subito dopo la morte, a consolidarne il mito di "Artista del Secolo" Il saggio è inoltre integrato da un dettagliato catalogo di oltre sessanta opere in vario modo legate alla committenza e al collezionismo inglese, e un ampio dizionario biografico di tutte le personalità britanniche variamente entrate in rapporto con l'artista nell'arco della sua intera carriera.

Il volume propone la grande epopea della bicicletta così come raccontata dai preziosi manifesti, patrimonio della Collezione Salce. A firmare le affiches selezionate sono artisti come Villa, Ballerio, Alberto Martini, Dudovich, Codognato, Mazza, Malerba, Boccasile, molti tra i maggiori protagonisti della storia dell’illustrazione e dell’arte italiana del secolo passato. Le case di produzione di biciclette, infatti, si affidarono all’arte della pubblicità per immagini di comunicazione che divennero allora specchio e oggi documento delle trasformazioni culturali della società. Da invenzione per pochi a mezzo di locomozione di massa, la bicicletta ha accompagnato il nascere di una nuova industria, ha promosso le prime forme di turismo popolare e nuove forme di socialità. Porta con sé qualcosa di rivoluzionario, inneggia a nuove libertà, affascina per la sua modernità. Quando l’Italia si trova davanti a nuovi modelli di industrializzazione, la bicicletta diventa il mezzo per recarsi al lavoro. Sulle biciclette sfrecciano atleti di cui vengono esaltati la forza e il valore, la passione e il coraggio: eroi che contribuiscono a creare quell’identità nazionale che si esalta nelle imprese di campioni come Girardengo, Coppi e Bartali. Le grandi corse a tappe, prima tra tutte il Giro d’Italia, sono state un collante che ha unito il Paese, mostrandone le bellezze mentre si raccontavano le gesta dei corridori. Dalle bici illustrate a quelle che hanno scritto la storia recente del ciclismo: conclude il volume, infatti, una rassegna di alcune delle biciclette della collezione Pinarello che hanno vinto nelle più grandi competizioni nazionali e internazionali.

Il tempo è una costante nelle opere di Francesca Leone. La ruggine è il suo messaggero, una presenza che si ossida sul metallo, lo graffia, lo scalfisce. Il colore è la sua cura, adagiando il proprio racconto su quello della materia. È in questo dialogo di memorie che realizza fiori come stelle, giardini come cielo, un firmamento colorato di rifiuti, rudi stalattiti e stalagmiti, pareti e drappi di lamiera e colore. In una quotidianità distratta e superficiale, le installazioni di Francesca Leone invitano a un atto rivoluzionario: "prendere il proprio tempo", concedersi il privilegio dello sguardo e del pensiero. Essere e Tempo, Tempo e Natura. Con silenziosa eleganza e spietata precisione, l'artista ci ricorda l'urgenza di ripensare l'uomo e il suo stare nel mondo.