Silvana

Il castello di Melegnano è una fondazione medioevale milanese ricostruita nel Trecento dai Visconti e trasformata a metà Cinquecento in un sontuoso palazzo manieristico. Lo studio qui pubblicato offre una lettura puntuale e unitaria del complesso, di cui si ripercorre da un lato l’evoluzione storico-architettonica e dall’altra quella politico-culturale: il castello, in memoria del grande condottiero Gian Giacomo Medici il Medeghino, s’inserisce nella vasta attività di committenza promossa da Gian Angelo Medici, futuro papa Pio IV (1559-1565), nonché zio di Carlo Borromeo, che ha lasciato importanti testimonianze a Milano, Roma e nei territori pontifici. Particolare attenzione è dedicata al vasto ciclo di affreschi voluto dal futuro papa che orna e qualifica gli ambienti, il cui programma iconografico, di matrice classicista e di forte discendenza da Erasmo, sottende precise allusioni alla realtà politica e religiosa dell’epoca: realizzato dalla famiglia dei Pozzo di Valsolda, artisti specializzati nelle figurazioni delle residenze urbane e rurali della nobiltà milanese, si inserisce pienamente nel contesto del manierismo internazionale.

Il volume racconta la vicenda professionale di Ruggero Savinio (Torino, 1934) radunando dipinti, disegni e opere su carta dalla fine degli anni cinquanta al secondo decennio degli anni duemila, mettendo in evidenza il rapporto fra ricerca pittorica, cultura letteraria e memoria autobiografica. La sua lunga carriera, fra Roma e Milano, testimonia la tensione verso un “assoluto” pittorico capace di guardare ai maestri del passato con la freschezza di una scoperta declinata al presente. Il suo è un Novecento “altro”, fedele alle proprie ragioni e indifferente alle mode dell’arte contemporanea, cui ha sempre opposto una composta e imperturbabile visione del mondo. Sotto l’epidermide sensibile di piccoli tocchi di colore, si compie la “peripezia luminosa” della sua pittura, che conduce in luoghi ameni e idilliaci, pur sotto un velo di malinconia e di inquietudine: nostalgia, forse, di una perduta “età dell’oro”.

Daniele Nicolosi (aka BROS), presenta al pubblico un progetto editoriale che rappresenta un unicum all’interno della produzione del settore. Il volume racchiude una ricognizione necessaria per un riconosciuto percorso artistico caratterizzato dalle pioneristiche incursioni nei luoghi urbani sul finire degli anni ’90, che lo portano a divenire da subito uno dei protagonisti dell’arte di strada italiana e internazionale, per poi giungere alla progressiva definizione di un rapporto dialettico e orizzontale con l’identità comune intesa come sintesi sincronica tra l’opera e il fruitore, all’interno di uno spazio condiviso. Ogni azione performativa di Daniele Nicolosi, punta a raggiunge un’essenziale modalità espressiva che unisce utopia e gioco alla commistione dei linguaggi dell’arte, dell’architettura e del teatro. Il FuBROS celebra in maniera autoironica gli ultimi vent’anni del proprio lavoro, operando una riflessione in cui contravvenendo alla tradizione monografica, assume direttamente la curatela del volume, creando un contrappunto tra i diversi interventi critici che si rapportano a un parallelo corpus iconografico composto di 150 immagini inedite. Quest’opera documentativa descrive un intenso tracciato, condotto tra pittura, scultura, disegno, fotografia, installazione, video e audio, quindi lungo un arco temporale che evidenzia la specifica capacità di mettere in relazione forme di concezione dell’opera tradizionalmente scisse tra di loro: quella ideale con quella locale e intrinseca dei luoghi e dei contesti nei quali opera. Questo slittamento che assume una funzione tautologica, è compiuto attraverso un’attenta regia operativa e un significativo approccio performativo trans dimensionale e polimaterico; il processo di elaborazione si articola sulla contaminazione tra i linguaggi, nello spostamento spaziale condotto attraverso lo sdoppiamento o la disseminazione degli interventi, così come la stessa smaterializzazione nell’etere mediante il suono e la formattazione. Daniele Nicolosi si pone da sempre nel sistema dell’arte con un attivismo anticipatorio sull’attualità e con canoni necessariamente cangianti, e oggi è il technítis consapevole che organizza, duplicando questa stessa veste editoriale, estendendola in altro da sé: un archivio internet multimediale. La disturbante e straordinaria esperienza costantemente agita dal FuBROS all’interno del sottile limite di demarcazione tra pubblico e privato, tra cultura ufficiale e alterità, tra collettività e identità, è indagata da mirati contributi critici di Alessandra Donati, Ida Terracciano, Giacinto di Pietrantonio e Nicolas Ballario che intervengono su una selezione tra le più importanti mostre, nelle opere pubbliche e private dai suoi esordi fino ad oggi.

10X100 fabbrica d'arte contemporanea è un progetto che coniuga etica ed estetica innestandosi nello straordinario filone Arte/Impresa. Per festeggiare 100 anni di attività, l'azienda Giovanardi ha lavorato con 10 artisti, ciascuno dei quali ha ideato e creato la sua opera. Lo sguardo prismatico e visionario dell'artista messo in dialogo con la capacità di ascolto e la maestria tecnica della fabbrica hanno generato nuove e inaspettate opportunità di senso. La ricerca artistica e le pratiche di costruzione si sono messe al servizio della materia e dei suoi poteri inespressi, dando vita a straordinarie opere. Un intervento che ha attivato la più alta forma di mecenatismo, quella che si basa sulla produzione d'arte. Le porte della Giovanardi si sono dischiuse a un processo di pubblica utilità studiato ad hoc e basato sul raffinato connubio che si è instaurato tra i 10 autori invitati e i professionisti dell'azienda; tra urgenza artistica, necessità imprenditoriali, poetica creativa e valore filantropico.

Il volume documenta Bellum, il nuovo progetto artistico di Carlo Valsecchi (Brescia, 1965). Quarantaquattro fotografie di grande formato raccontano il conflitto ancestrale tra uomo e natura e tra uomo e uomo; l'uso della natura come difesa dall'altro uomo e parimenti la difesa dell'uomo dalla natura. Con la montagna come sua simbolica rappresentazione, il progetto origina da un'esplorazione dei territori e delle costruzioni fortificate del nord-est italiano legati al primo conflitto mondiale, uno degli ultimi momenti nella storia dell'umanità occidentale in cui il destino e l'esperienza dell'uomo erano strettamente connessi all'ambiente naturale, alla sua conformazione, alle sue leggi e al suo controllo. Attraverso un lavoro durato circa tre anni, Valsecchi ha percorso quelle montagne con il suo banco ottico, sublimando nei suoi scatti una realtà cruda in forma spesso astratta, intimamente estetica e assoluta nella sua essenza. Le immagini di Bellum diventano squarci, portali fatti di luce e composizione, sospesi in un tempo senza termine tra silenzio, isolamento e attesa. Il volume accoglie i testi di testi di Florian Ebner, curatore capo del Cabinet de la Photographie del Centre Pompidou di Parigi, e Yehuda E. Safran, critico d'arte e di architettura e professore presso il Pratt Institute di New York.

In un momento come quello attuale, la frase di Camus induce a una riflessione sulle forze interiori che guidano l'uomo nelle sue azioni in ogni momento della vita: la capacità di resistere alle avversità, di non essere sopraffatti dalle difficoltà del momento e naturalmente il coraggio, senza tralasciare la capacità di persistere attraverso le scelte concrete del presente. La traduzione di queste tematiche nel linguaggio della fotografia si concentra proprio sulla resistenza così come sulle differenti reazioni possibili a fronte dell'emersione di una nuova realtà. Ora abbiamo la possibilità di ri-esistere, considerare le scelte relative al proprio ruolo nel mondo; essere coraggiosi e onorare l'importanza di sapere sempre guardare al mondo con occhi aperti. La volontà, dunque, di attraversare "l'inverno" nella consapevolezza che esiste veramente, dentro di noi, "un'invincibile estate". Fotografia Europea è un festival internazionale dedicato alla fotografia contemporanea, promosso dalla Fondazione Palazzo Magnani e dal Comune di Reggio Emilia. Punto di partenza è la fotografia come strumento per riflettere sulle complessità della contemporaneità, seguendo la lezione del fotografo reggiano Luigi Ghirri (1943-1992). Il festival si svolge in diversi luoghi della città, pubblici e privati, formali e informali, che diventano lo scenario delle mostre dedicate, ogni anno, a un tema specifico individuato dal comitato scientifico. Alle mostre si affianca un denso calendario di incontri, conferenze, proiezioni, workshop, letture portfolio e spettacoli site-specific. Arricchisce inoltre il programma il Circuito OFF: un'offerta di mostre ed eventi diffusi sul territorio e promossi in modo indipendente da gallerie, associazioni, istituzioni pubbliche e soggetti privati. Fotografia Europea è anche una collezione permanente. Dalla sua prima edizione, nel 2006, sono state acquisite e donate oltre 1.000 opere, ora conservate nella Fototeca della Biblioteca Panizzi.

"Giovanni Greci ci parla di viaggio. Lo vive e lo evoca [...] Le sue fotografie sono immagini di trasfigurazione reale. Chiamo trasfigurazione il divenire in cui ogni vivente è proteso per raggiungere il suo essere compiuto. Nella maniera che Greci ha per narrare una dinamica simile non c’è niente di ricercato, di enfatico, di voluto. Le fotografie raccontano lo stato nascente di mondi e persone. E nel contempo mostrano la sospensione, le resistenze, i lacci che trattengono, rischiando noi, più che il morire, il non essere mai nati davvero." (Roberto Mancini) Il volume offre un’ampia panoramica sulla produzione di Giovanni Greci (Parma, 1953), da sempre tesa a indagare attraverso il mezzo fotografico il senso dell’attesa, dello stupore, del binomio presenza/assenza e della solitudine dell’individuo. È introdotto da un testo del curatore e completato da apparati biografici.

Il volume è dedicato all’opera di Tarwuk, presentata, per la prima volta in Italia, alla Collezione Maramotti di Reggio Emilia. Tarwuk, collettivo costituito da Bruno Pogacnik Tremow e Ivana Vukšic – artisti croati con base a New York – lavora sulla figura umana che, rielaborata in sculture dai tratti mutanti e tormentati, rappresenta il risultato di una profonda ricerca sull’identità e sui segni che memorie e tensioni inconsce imprimono sui corpi, modellandoli fisicamente. Nati nella Jugoslavia socialista e cresciuti nei Balcani nel periodo della guerra d’indipendenza della Croazia (1991-’95), gli artisti di Tarwuk considerano le loro sculture luoghi simbolici di perdita e conflitto soggetti a dissezione anatomica, ma anche organismi che racchiudono, in potenza, una dimensione di rigenerazione e rinascita. Di grande interesse anche i disegni, da intendersi come opere pienamente autonome, che appaiono onirici e immediati, e accolgono echi simbolisti e del secessionismo viennese: un periodo in cui gli artisti individuano un equilibrio fra tensioni opposte – morte e bellezza, decadenza e decorazione – verso il quale tendere.

Anselmo Bucci, protagonista del “Novecento Italiano”, fu un artista “totale”: pittore, incisore, scrittore, ma anche progettista di arredi, giornalista e critico d’arte. Viene qui presentata un’antologia di opere che coprono l’intero arco della sua vita artistica e ne illustrano la visione culturale ironica, meditata, attenta all’attualità, poliedrica e sempre poco incline a rientrare in classi di appartenenza.

In occasione della 59ª edizione della Biennale d'Arte, il Padiglione Venezia propone Alloro, un viaggio che affronta il cambiamento e la metamorfosi attraverso la natura e l'arte. Il percorso ha inizio nella psiche - in un luogo pulito, quasi asettico, perfetto - e si conclu de nel calore della madre Terra, in un movimento in cui ogni singolo passaggio è scandito dal ritmo di una musica. L'arte indaga con il suo linguaggio multiforme sulle fasi del cambiamento, a partire dal libero arbitrio e dalla libertà di scelta, che prendono forma nella pianta di alloro, simbolo di sapienza e di gloria, della vittoria, della fama, del trionfo e dell'onore, ma che pongono le radici nel passato, nell'archetipo, nella mente. Il volume presenta i progetti artistici - Limpha, di Paolo Fantin e Ophicina, Portali di Goldschmied & Chiari, Gocce di Alloro di Pino Donaggio, Best Wishes di Ottorino De Lucchi - e le opere vincitrici del concorso "Artefici del Nostro Tempo", rivolto ai giovani artisti che, attraverso il Design del Vetro, le Opere in Vetro, la Fotografia, il Fumetto e Illustrazione, la Pittura, la Poesia Visiva, la VideoArte e la Street-Art sono chiamati ad interpretare "The milk of dreams", Il latte dei sogni, titolo della Biennale Arte 2022.

"Transmedialità dell'artista Arvedo Arvedi. Arte sostenibile" è un progetto editoriale nato da due incontri fondamentali di Arvedo: quello con John David Mooney, che accende la miccia della sua creatività in chiave di espressione artistica, e con Marco Eugenio Di Giandomenico, curatore del libro, che innesca in lui una più matura coscienza creativa e narrativa. Il racconto della vita e dell'arte di Arvedo diviene in queste pagine occasione preziosa per disquisire su tematiche cogenti nel dibattito sull'arte contemporanea, quali la sostenibilità e la medialità, in tutte le sue variegate declinazioni, anche grazie agli interventi di amici ed esperti d'arte quali Massimiliano Marafon Pecoraro, Riccardo Maria Braglia, Diana Alessandrini, Raffaella Salato. Un volume denso di riferimenti culturali di elevato valore dottrinario, nonché di tanta umanità, espressa con lucidità accademica e sguardo affettuoso.