Silvana

Il volume riporta alla luce i suggestivi resti della celeberrima città antica, per sempre fissata nel giorno della sua distruzione, causata dalla tremenda eruzione del Vesuvio quel fatidico giorno di ottobre. Sepolta, saccheggiata e svuotata nel corso dei secoli, Pompei rappresenta ancora oggi la più grandiosa e straordinaria testimonianza della civiltà romana: la vita sociale, artistica, politica, architettonica e militare trova conferme e acquisizioni decisive, alimentate dalle campagne di scavo. Tutti gli aspetti della cultura e della quotidianità, dalle istituzioni alle credenze, dalla visione del mondo agli affetti ed emozioni ritornano con spazi e corpi, immagini e oggetti che trasmettono segni e reperti di centinaia di vite, di anni e generazioni, offerti a letture sempre più complesse e stratificate nel tempo.

Zorzi da Castelfranco, detto Giorgione: un artista che ha solo quattro opere a lui documentate – e di queste una giunta a noi –, citato in documenti d’archivio che si possono contare sulle dita di una mano e di cui ogni ricostruzione è del tutto ipotetica. Eppure, dopo un arco di carriera poco più che decennale, Giorgione ha raggiunto una fama rimasta immutata nel corso dei secoli. Principiando dalle lezioni di spiritualità e accordo tra uomo e natura di Giovanni Bellini, e dall’uso del colore di Giovan Battista Cima da Conegliano, il maestro di Castelfranco offre una particolarissima sintesi di musicale lirismo, connettendo corpi e paesaggio con una luce morbida e densa. È quella pittura tonale che, impostata da Cima e Bellini, diviene con Giorgione il linguaggio d’avvio della formidabile nidiata protagonista del grande Cinquecento veneto, la stagione di Palma il Vecchio, Sebastiano del Piombo e Tiziano Vecellio.

Il volume, dal taglio monografico, offre un approfondimento storico-critico sull’intera carriera di Marco Tirelli (Roma, 1956). Il suo lavoro – sorprendente ed enigmatico – spazia, indifferentemente, tra pittura, scultura, disegno, fotografia e installazione, attingendo a un repertorio infinito di immagini senza soluzione di continuità tra verosimile e astrazione. Le figure e le scene rappresentate sono costituite da un addensamento di particelle microscopiche di colore apparentemente ben definite, ma che, a uno sguardo ravvicinato, si scompongono in agglomerati di luce. Una pittura sottile dunque, intellettuale, frutto di un’indagine introspettiva, il cui anelito è arrivare a toccare, a lambire, tramite il gesto artistico, la dimensione dell’assoluto. La stessa tensione tra illusione e realtà, tra luce e ombra, caratterizza anche le sculture e le installazioni che, come documentato in queste pagine, creano molteplici trame di una narrazione continua, traendo linfa dall’immaginario, sia personale sia collettivo, di chi le osserva.

La seconda edizione di Signs. Grafica Italiana Contemporanea, in continuità con la prima del 2016, ha come obiettivo presentare al grande pubblico non solo il mestiere del grafico e il suo ambito disciplinare, ma anche i diversi linguaggi, le tipicità e gli orientamenti di alcuni tra i principali rappresentanti del visual design, che sulla scia della sua grande tradizione storica è ancora oggi capace di rinnovarsi, confrontandosi con il panorama internazionale. Gli autori e gli studi documentati in questo volume non intendono dunque essere una selezione definitiva e arbitraria, bensì la tappa di un percorso virtuoso che vuole tracciare nel tempo una mappa delle eccellenze italiane nel campo della grafica.

• Nata nel 1962 a Milano, la Galleria del Levante spicca per l’originalità e la lungimiranza delle scelte operate dal suo fondatore, Emilio Bertonati. Fino al 1981, anno della prematura scomparsa del gallerista di origini liguri, essa è stata un punto di riferimento nel panorama culturale italiano ed europeo, ampliando la sua attività alle sedi di Roma (dal 1964) e di Monaco (dal 1966). Le mostre organizzate da Bertonati tracciano una linea di ricerca inedita, spesso controcorrente, che riscopre movimenti artistici fino a quel momento trascurati dalla critica e riporta l’attenzione su grandi artisti dimenticati, come alcuni protagonisti del Simbolismo o maestri della figurazione oggettiva quali Cagnaccio di San Pietro e Christian Schad. Il volume ricostruisce i “paradisi perduti” che Bertonati ha saputo ritrovare e valorizzare con perseveranza, fiuto straordinario e capacità di approfondimento, mettendo in luce le sue principali aree di interesse: il Simbolismo e l’Art Nouveau con particolare riguardo all’arte grafica, la fotografia, la Nuova Oggettività tedesca e il Realismo Magico. La storia della Galleria del Levante viene ripercorsa attraverso un’ampia selezione di opere provenienti da collezioni pubbliche e private e di cataloghi che ne hanno documentato le mostre.

Questo libro si legge come un racconto avvincente degli anni tumultuosi nell'Italia di fine Settecento, anche se i tratti della monografia specialistica ci sono tutti: ricerche filologiche e d'archivio, materiali inediti, catalogo ragionato delle opere. Lo sguardo, lucido e a volte commosso, è quello di un grande artista francese, Louis Gauffier (1762-1801): una vita spezzata a trentanove anni, consumata fra Roma, Firenze e le 'belle contrade' d'Italia, dove il pittore aveva saputo rinnovare la pittura nei generi della storia, del paesaggio, del ritratto. Fra chiarezza illuminista e sentimento romantico, Gauffier ci consegna un diario per immagini del tempo fra la Rivoluzione e l'Impero, quando una mobilità sociale che non ha precedenti immette nuove categorie nell'enciclopedia umana del ritratto. Lontani dalle icone statuarie della Rivoluzione, «sfilano i suoi eroi militari raccontati in prosa, i ritratti di famiglia all'incrocio fra immagine pubblica e intimità privata, gli ultimi gentlemen di una classe in estinzione». Fotogrammi che non si dimenticano e che proiettano Gauffier su un orizzonte internazionale, in rapporto con le avanguardie di Francia, Italia, Inghilterra che esprimono una nuova sensibilità e nuovi modi di essere. Nella sua ultima stagione creativa, l'artista s'impone ai livelli più alti nel dipingere il paesaggio, quando la corrispondenza fra natura e stato d'animo unisce in un unico feeling i luoghi e il viaggiatore. Luoghi diventati protagonisti, luoghi vissuti e reali. Ancora oggi riconoscibili perché, nell'ottica illuminista di Louis Gauffier, la realtà non va idealizzata, ma raccontata nella sua bellezza feriale: la città e il grande fiume a Firenze, le selve dell'Appennino fra Lazio e Toscana. Salvando in questo modo l'incanto di un luogo come Vallombrosa, saturo di memorie spirituali, letterarie, figurative. Gauffier lo ha eternato nelle grandi tele dipinte dal vivo, eppure trasfigurate nella nostra immaginazione per sempre.

Questo volume costituisce idealmente la testimonianza della terza tappa di una imprevedibile sequenza di esposizioni, nata con "Divulgare", su volontà del mecenate Ovidio Jacorossi e curata da Achille Bonito Oliva al Palazzo delle Esposizioni di Roma nel 1990, e continuata con "I fuochi dell'arte e le sue reliquie", curata dallo stesso Bonito Oliva presso l'Auditorium di Roma nel 2008, dopo che un incendio nel 1992 aveva danneggiato più o meno gravemente l'intero ciclo di opere Divulgare. Molto tempo è passato dalla prima uscita, e molte cose sono mutate: l'incendio, la morte dell'artista e dello stesso collezionista, la nuova mostra in cui sembrava che il fuoco diventasse co-autore, i concetti sulla durata dell'arte e i problemi sulla durata fisica dell'opera che hanno mutato i modi e le reazioni di chi oggi guarda questi lavori. È una riprova dell'immortalità dell'arte, anche quando sparisce? Forse sì, ma una visione troppo romantica rischia di compromettere l'analisi dei sentimenti contrastanti che simili episodi provocano a proposito della percezione dell'arte. È su questo che si incentra il saggio del curatore Marco Meneguzzo, oltre che sulla straordinaria ultima stagione di Mario Schifano.

Originari, secondo l'Origo gentis Langobardorum e Paolo Diacono, del sud della Scandinavia, i Longobardi furono protagonisti di una lunga migrazione che nel 568 d.C. li condusse in Italia, dove crearono un regno destinato a durare poco più di due secoli. Un'epopea, la loro, che li portò anche in Toscana, terra di confine assorbita nell'orbita longobarda con l'occupazione della Tuscia, avvenuta fra il 572 e il 593. La conquista ridefinì un equilibro ormai fragile, indebolito dalla guerra greco-gotica, cui avevano fatto seguito epidemie di peste e carestie: il nuovo assetto generò ripresa e vivacità economica grazie al processo di integrazione. Il volume racconta la storia di un popolo dinamico e improntato al cambiamento, che pur segnando la prima frammentazione politica della Penisola, dopo secoli di unità garantiti da Roma, ne definì linee di civiltà e cultura che daranno l'impronta alla nascita dell'Italia medievale.

"Le forme in cui mi imbatto sembrano risalire alla genesi dell'umanità: sono talvolta talmente dure e aspre, da diventare inquietanti. Non sono rare forme di creature diaboliche che paiono provenire dagli inferi. Non mancano poi teschi, rapaci, orsi, foche, elefanti, balene, cani, perfino tartarughe marine. Un giorno mi imbatto in una roccia che mi ricorda Dante Alighieri e mi chiedo se sia un caso, o se sia proprio lui in persona che voglia farmi da guida in questo girone dantesco."

Il volume è dedicato a Dario Argento, uno dei registi italiani più conosciuti e amati in tutto il mondo, maestro indiscusso del genere horror. Il suo cinema si è imposto per la potenza visionaria, per la ricerca di una dimensione estetica alla quale si giunge attraverso l’eccesso, per il paradosso generato dallo sguardo del protagonista della storia che spesso collide con quello dello spettatore, abbagliati entrambi da una “messa in scena” che inganna, che fa sognare – o precipitare in una dimensione allucinatoria – quando si crede di essere vigili e di poter dominare la realtà. Un cinema “idealista”, secondo la definizione dello stesso regista, fatto di incubi, sogni, visioni, ove la grigia realtà non arriva e mai arriverà.

Pier Paolo Pasolini (1922-1975) è stato probabilmente l'intellettuale più intransigente, acuto e scomodo del secondo Novecento italiano. Nelle vesti di poeta, scrittore, giornalista, opinionista, attivista e regista ha dispiegato il suo pensiero in una moltitudine di opere e documenti che lo rendono una delle figure cardine del dibattito culturale nazionale e internazionale del secondo dopoguerra. Il suo antico volto ci parla di una personalità per certi versi riservata, schiva, distante, ma per altri aspetti appassionatamente tesa a immergersi nel magma della realtà, facendosene coinvolgere e travolgere, fino all'estremo. Il volume rappresenta un tentativo per provare a cogliere la complessità che ha animato la sua vita. Non un progetto per abbagliare, ma per cercare di costruire intimità fra quello che ci ha lasciato e quello che noi siamo.

"Milano e i milanesi sono nuovamente chiamati per legge a svolgere il loro ruolo di committenti pubblici di nuove opere d’arte permanenti. Ad esempio, ieri come oggi, il piano INA-Casa 1949-63 per nuovi alloggi popolari, scuole, biblioteche, metropolitane, scali ferroviari, come per i nuovi edifici del Teatro alla Scala e del Policlinico. Serve più legalità e si vince con un gioco di squadra. Il committente avveduto richiede fin dall’inizio la presenza di artisti nel costituirsi di gruppi temporanei di professionisti per la progettazione di nuove opere di edilizia pubblica. Rammento che, nel rispetto dell’arte, degli artisti e delle opportunità di lavoro su committenza pubblica, in tutti i casi previsti dalla legge, è fatto obbligo di applicare la normativa vigente riservando il 2% alla realizzazione di nuove opere d’arte e di bandire ed espletare i relativi concorsi. In scultura la ricerca del piacere sia onesta e degna. La scultura divenga comunicazione affettiva e strumento d’amore. Lo scultore rischi, riconosca l’errore, combatta per la qualità, dia forma, spazio, luce alla materia plastica, ottenga l’unità di corpo e anima, testimoni l’armonia del creato. Risolvere la scultura è trovare dove e come viva. E vive dal vero, “incarnata”. Prospettiva scomoda è vivere il rischio del corpo, dal vero! Un confronto titanico fra la natura (il corpo) e l’altra natura (la scultura): estremo, im-possibile. Oltre la mimesi c’è spazio, spirito del tempo, energia inedita, dove intercettare, generare e risolvere il nuovo."