Silvana

Il volume è dedicato al fenomeno della staged photography, la tendenza che a partire dagli anni ottanta ha rivoluzionato il linguaggio fotografico. Attraverso oltre cento opere, il volume racconta come la fotografia abbia saputo raggiungere tra la fine del XX e gli inizi del XXI secolo vertici di fantasia e di invenzione prima affidate quasi esclusivamente al cinema e alla pittura. Pesci rossi che invadono le stanze, cascate di ghiaccio nei deserti, città inventate, Marilyn Monroe e Lady D. che fanno la spesa insieme: tutto questo può accadere grazie a veri e propri set cinematografici allestiti per costruire una realtà parallela, oppure grazie alle nuove tecnologie e in particolare attraverso l'uso sempre più sofisticato di Photoshop, messo in commercio nel 1990. La fotografia, regno della documentazione e dell'oggettività (presunte) diventa il regno della fantasia, dell'invenzione e della soggettività, compiendo l'ultima decisiva evoluzione della sua storia. Artisti: Jeff Wall, Cindy Sherman, James Casebere, Sandy Skoglund, Yasumasa Morimura, Laurie Simmons, David Lachapelle, Bernard Faucon, Eileen Cowin, Bruce Charlesworth, David Levinthal, Paolo Ventura, Lori Nix, Miwa Yanagi, Alison Jackson, Julia Fullerton Batten, Jung Yeondoo, Jiang Pengyi.

Valentina Tamborra, fotoreporter milanese dotata di grande sensibilità, getta un particolarissimo ponte fra l’Italia e la Norvegia usando come collegamento la pesca del merluzzo. La fotografa ripercorre le tracce del viaggio compiuto nel Quattrocento dal nobile mercante veneziano Pietro Querini che, naufragato nelle isole Lofoten, scopre l’ospitalità dei pescatori e i pregi del pesce che esporterà nella sua città. La fotografa non si limita a osservare la vita di quelle isole ma indaga, studia, condivide storie, fatica, gioie in un racconto visivo che si concentra sulle persone e si allarga su stupefacenti paesaggi punteggiati dalle strutture di essiccazione dei merluzzi che il suo obbiettivo trasforma in suggestive installazioni.

Dopo essere stata il centro di formazione dei grandi pittori del XVII, Roma viene gradualmente eclissata da Parigi durante il XVIII per una serie di motivi, fra i quali l’impoverimento del mecenatismo papale, ma anche della clientela borghese, le cui commissioni rispecchiano gusti più semplici. Del resto, per quanto riguarda la pittura, è piuttosto Venezia a essere apprezzata. Tuttavia, in questa epoca, Roma diventa anche la culla di una nuova corrente: il neoclassicismo. Il volume cerca di evidenziare il contesto che ha portato da un lato alla perdita d’influenza di Roma rispetto al contesto italiano ed europeo, ma dall’altro all’emergere di nuovi elementi, la cui maturazionesi sarebbe completata nel secolo successivo. autori dei saggi: Luciano Arcangeli, Andrea Bacchi, Liliana Barroero, Maria Teresa Caracciolo, Annick Le Marrec, Nathalie Volle, Andrea Zanella.

Il volume racconta dell’incontro tra due collezioni, ovvero le opere d’arte contemporanea raccolte da Giuseppe Merlini e la serie di capolavori, datati dal Cinquecento ai primi del Novecento, riuniti da Roberto Bassi Rathgeb. Le due collezioni, presentate fianco a fianco, si intrecciano offrendo ai lettori da un lato la possibilità di conoscere opere straordinarie provenienti dalla scena artistica italiana dal Seicento al Novecento, e dall’altro di sperimentare nuove suggestioni di lettura, generate dall’affiancarsi di stili e linguaggi diversi, solo apparentemente in antitesi. L’accostamento delle opere – suddivise secondo i generi del ritratto, della natura morta e del paesaggio - permette anche di far luce sulla personalità dei due artefici delle raccolte, entrambi di provenienza lombarda e accomunati da un passione collezionistica consapevole e mirata, mossa dal desiderio di conoscenza non meno che da quello del possesso. Tra gli artisti rappresentati si ricordano Magnasco, Moretto, Baschenis, Van Beyeren, Ronzoni, De Pisis, De Chirico, Fontana, Morlotti, Baj, Wildt, Severini, Guttuso, Parmiggiani, Dorazio e Ferroni, al quale è dedicato un capitolo di approfondimento.

Una pubblicazione dedicata esclusivamente al tema della profumeria italiana. Un vero e proprio manuale, suddiviso in tre parti, che offre una summa dei profumi prodotti in Italia, passando in rassegna i grandi marchi che hanno fatto conoscere in tutto il mondo il gusto olfattivo italiano, attraverso essenze meravigliose, marketing all'avanguardia e bottiglie dal design ricercatissimo. L'autrice, nel ricordarci come la profumeria moderna sia nata nel nostro paese – raggiungendo la ben più rinomata Francia solo nel '500, quando Caterina de' Medici andò in sposa al Duca d'Orléans – ripercorre nella prima parte del libro le vicende che hanno segnato lo sviluppo di questa arte, divenuta una delle eccellenze in cui si è espresso il Made in Italy. Segue un'antologia di 100 celebri profumi - selezionati per la significatività delle loro caratteristiche - corredati da ampie schede descrittive e suddivisi per decenni a partire dagli anni settanta, che permettono di seguire l'evoluzione della profumeria contemporanea, rivolgendo lo sguardo fino alle tendenze più attuali. Un capitolo è poi dedicato alla filiera di produzione del profumo, raccontata attraverso le parole di alcuni protagonisti d'eccellenza. Chiudono il volume gli apparati: una ricerca che riporta le circa 7000 fragranze prodotte in Italia negli ultimi cinquant'anni, con indicazione della casa produttrice, del genere e dell'anno, e una tavola che illustra visivamente le 100 fragranze suddivise in famiglie olfattive, e il loro posizionamento temporale.

Questo catalogo ragionato ripercorre l'attività pittorica di Ennio Finzi (Venezia, 1931), dagli anni cinquanta a oggi, raccogliendo e documentando quasi 3000 dipinti: una ricchissima produzione animata da una personale sensibilità musicale verso il colore che l'artista, più che “vedere”, ama “ascoltare” nelle sue risonanze più intime. Legato all'ambiente artistico veneziano, Ennio Finzi si è mosso nel campo dello spazialismo, pur esprimendosi secondo regole del tutto aleatorie, in completa autonomia. Fra le tappe della sua carriera si ricordano la partecipazione alla Quadriennale di Roma (1959, 2000) e alla Biennale di Venezia (1986). Ai saggi di Dino Marangon e Leonardo Conti, che approfondiscono aspetti specifici della sua opera, segue un'ampia sezione con tavole a colori che permette di osservare le diverse modulazioni del dipingere di Finzi - il colore e l'acromia, la stesura, la sgocciolatura, la tache, il segno più o meno dinamico e incisivo - evidenziando gli elementi portanti della sua ricerca: ritmo ed equilibrio formale, colore, luce, inedite tensioni timbriche, in assonanza con le nuove grammatiche musicali sperimentate da Arnold Schönberg, ma anche con la libertà di improvvisazione del jazz. Il corposo catalogo ragionato delle opere pittoriche si completa con una dettagliata rassegna biografica e da apparati bibliografici.

Sommario: Studi e ricerche; Disobbedisco. Cinquecento giorni di rivoluzione, Giordano Bruno Guerri; Fiume, i cinquecento giorni, Maurizio Serra; Ferdinando Gerra e la prima storia dell'Impresa di Fiume, Francesco Perfetti; D'Annunzio, Fiume, la Nave e la conquista dell'Adriatico, Chiara Arnaudi; Quel treno per Fiume. Appunti sul viaggio ferroviario come luogo della memoria legionaria, Federico Carlo Simonelli; Nella "Fabbrica" del Vittoriale; Sguardi su momenti di vita dell'Impresa di Fiume, Emanuele Cerutti; Inediti e rari; I giorni di Fiume nel carteggio d'Annunzio-Doderet (giugno-luglio 1920), Simona Pelli.

L'ampia monografia, edita in occasione della prima antologica a lui dedicata, ripercorre l'intensa, breve, carriera artistica di Alfonso Leoni (Faenza, 1941-1980). Talento straordinario, fu protagonista di una ricerca costantemente controcorrente, proiettata a svincolare la ceramica da meri aspetti tecnici e funzionali per elevarla a materia scultorea. La sua attività - premiata da numerosi riconoscimenti nelle principali manifestazioni nazionali e internazionali dedicate alla ceramica, come il concorso di Faenza (primo premio nel 1976), Gualdo Tadino, Cervia, Gubbio, Rimini, Castellamonte, Vallauris, Nagoya-Kanazawa – fu un continuo ricercare nuovi stimoli e sperimentare linguaggi diversi: Leoni scrive, dibatte, disegna, dipinge, insegna, ricicla materiali, progetta gioielli, modella sculture, realizza installazioni e opere pubbliche, si cimenta in performance e lavora per l'industria ceramica, avviando proficue collaborazioni con le Maioliche Faentine, Villeroy & Boch e Rosenthal. Il testo ricostruisce la figura di un "genio ribelle", figlio del proprio tempo, quello della contestazione e delle avanguardie degli anni sessanta-settanta. Ne esce il ritratto di un animo inquieto, sempre teso al superamento di cliché, una vera e propria meteora della storia dell'arte contemporanea.

Il volume ripercorre la crescita urbana e architettonica di Torino nel Novecento, la cosiddetta ville industrielle, a partire da documenti inesplorati, in primis le carte e i disegni prodotti dal Servizio Costruzioni e Impianti Fiat: è questo l'angolo prospettico da cui Michela Comba e Rita D'Attorre osservano, in particolare, la dimensione costruttiva come anima particolare del fordismo italiano, proponendo una lettura inedita di quella che l'orgoglio provinciale chiamava company town. La topografia dello sviluppo della capitale dell'industria metalmeccanica italiana - con gli stabilimenti, i quartieri residenziali, i palazzi d'ufficio e d'esposizione, le scuole e gli atenei - riflette i passi dell'organizzazione delle strutture progettuali e le diverse fasi di internazionalizzazione produttiva della grande industria, strettamente legate ai principali eventi bellici del secolo breve. Dalla creazione del primo distretto industriale intorno alla porta settentrionale della città, alla fine del XIX secolo, l'analisi si conclude con i progetti e i significativi viaggi di alcuni protagonisti dell'architettura torinese, dagli anni dieci fino alla metà degli anni settanta del Novecento.

Nel corso dell'Ottocento il dialogo tra pittura e fotografia ha profondamente mutato l'ambito delle arti visive; la fotografia, nata nel 1839 e contraddistinta da precisione descrittiva, rapidità esecutiva e serialità, ha contribuito soprattutto nei primi decenni della sua diffusione alla definizione di una visione verista del mondo, in primis del paesaggio e delle azioni. Il volume propone un confronto tra la riproduzione della vita moderna dell'Ottocento nelle sue svariate sfaccettature attraverso la pittura di Carlo Bossoli (1815-1884), straordinario cronista del proprio tempo, e la fotografia storica del tempo. Da immagini allusive all'epopea del Risorgimento si passa alla moderna quotidianità urbana nei centri della penisola. Fanno poi il loro ingresso le vedute celebrative delle nuove infrastrutture simbolo di ammodernamento del Paese, come le ferrovie, rappresentazioni legate al tema dell'esotismo, e infine scene di vita nelle ville e nei giardini storici, tipologia di cui Bossoli è forse il rappresentante più amato dalla committenza aristocratica.