Silvana

Protagonisti della storia dell'arte non soltanto italiana del secondo Novecento, Carla Accardi (Trapani, 1924 - Roma, 2014) e Antonio Sanfilippo (Partanna, 1923 - Roma, 1980) sono stati tra i principali artefici di quel rinnovamento che, a partire dall'immediato dopoguerra, conduceva alcuni giovani artisti a riallacciare la propria ricerca alle grandi fonti della cultura artistica europea. Entrambi siciliani, compagni per un lungo tratto di vita oltre che di avventura e sperimentazione artistica, insieme a Pietro Consagra e Ugo Attardi furono gli esponenti di quella pattuglia isolana che insieme ad altri esponenti dell'area romana fondarono nel 1947 il gruppo Forma, a cui si deve la fiera rivendicazione di un'arte astratta. Il volume ripercorre per la prima volta in parallelo il percorso dei due artisti, dagli esordi della fine degli anni quaranta in ambito costruttivista alla dimensione del segno del decennio successivo che proiettò entrambi in un ambito pienamente internazionale, seguendone gli sviluppi sino agli inizi degli anni settanta, quando Sanfilippo diradò e poi cessò la propria produzione.

Questo libro è l'esito di un progetto didattico che origina da una consolidata prospettiva di ricerca sulla città contemporanea. Utilizza il caso di Milano come introduzione allo studio della co-evoluzione tra città sociale e città fisica - un tema analitico e progettuale che ha segnato l'urbanistica moderna. Nella prima parte si descrive il processo di formazione della città-di-fatto di Milano, nella seconda viene presentata una metodologia di analisi della morfologia del territorio del comune di San Donato Milanese, interpretato come parte, come quartiere, della Grande Milano.

"Il Seppellimento di santa Lucia", capolavoro caravaggesco conservato nella chiesa di Santa Lucia alla Badia a Siracusa, è lo spunto per riflettere sulla contemporaneità dell'arte di Michelangelo Merisi, tema a cui è dedicato questo volume. La forza espressiva della tela siciliana, opera di un Caravaggio maturo e inquieto, trova consonanze con opere di grandi autori del Novecento: Alberto Burri, di cui sono presentate celebri opere Informali e, tramite le fotografie di Massimo Siragusa, il Grande Cretto di Gibellina, simbolo delle tragedia umana; quindi Cagnaccio di San Pietro e Nicola Verlato, fino a Pier Paolo Pasolini, che non solo fu affascinato da Caravaggio, condividendone l'approccio crudo e realista nell'osservare il mondo, ma ebbe anche, come il maestro seicentesco, una vita profondamente tormentata. Gli audaci accostamenti proposti mirano a mettere in luce l'attualità spirituale di Caravaggio, definito da Vittorio Sgarbi l'artista più contemporaneo della storia. Il volume, con numerosi interventi critici, ripropone due testi di Alberto Moravia e Gianfranco Contini, e un'intervista a Nicola Verlato raccolta da Denis Isaia.

Bruno Conte è un poeta che nasce pittore e scultore. Il volume offre un'antologia del suo percorso creativo, caratterizzato da ironia, garbo, sapienza. A partire da una lunga esperienza artistica, che muove dall'astrattismo surreale per virare verso elaborati plastici per lo più lignei, Bruno Conte sviluppa in parallelo un'attività letteraria, funzionale alla scultura: non manifestazioni diverse, bensì una strategia artistica unitaria, che agisce tanto sui linguaggi visivi quanto su quelli verbali. Nel lavoro di Conte, qui documentato e commentato nei saggi di Bruno Corà e Giorgio Patrizi, le arti si compenetrano, in una tensione estetica che, nell'abolire ogni senso quotidiano, aspira alla totalità.

Alcune rilevanti novità sono apparse sulla vita e sull'arte del Correggio (1489-1534) negli ultimi anni, a partire dalla antologica parmense e dal Convegno di Studi del 2008. I dati che modificano le nostre conoscenze tradizionali provengono inoltre dalle successive mostre, da una bibliografia quantomai impegnata, e dal ritrovamento di nuove opere allegriane. Una diversa e documentata cronologia tocca opere fondamentali dell'artista e permette di rivedere cicli importanti; la scoperta di nuovi originali di indubbio valore rende l'illuminazione sempre più nitida di come l'Allegri sia vissuto al centro di tutta la fenomenologia artistica del suo tempo, essendone consapevole e genialmente capace di rispondervi con una serie di creazioni inesperite, altissime. Questa monografia vuole cogliere la sua preziosa e dominante statura storico-critica, offrendo solide basi alle future ricerche. Lo studio del Correggio si dimostra infatti come indispensabile per comprendere l'evoluzione dell'intera arte europea, e dunque come un artista - nuovo a ogni lettura - "del quale occorrerà sempre scrivere".

A partire dall'istituzione del primo ghetto nella Venezia del 1516, seguito poi da quello di Roma e delle altre città, gli ebrei dovettero misurarsi con questo luogo circoscritto e ambivalente, che li includeva nel perimetro urbano e allo stesso tempo li isolava. Per quasi tre secoli fu questo lo spazio entro il quale gli ebrei coltivarono la propria identità, preservando da un lato i caratteri di una cultura millenaria, ma attingendo dall'altra al mondo che si apriva oltre quel confine: la relazione continua fra il "dentro" e il "fuori" le mura del ghetto segna la vita degli ebrei nel lungo cammino verso l'emancipazione. A questa realtà così complessa e articolata è dedicato il volume, che si avvale di un ampio apparato critico per affrontare sotto ogni angolazione - storica, artistica, sociologica - una problematica fortemente attuale: i concetti di resilienza, integrazione, confronto fra culture, aspirazione a essere uguali pur rimanendo diversi, sono temi che la società odierna continuamente ripropone, riaccendendo con essi il dilemma dei ghetti. Comprenderne il ruolo in una prospettiva identitaria è lo scopo cui mira la pubblicazione, che ripercorre questa peculiare condizione vissuta dagli ebrei europei, e italiani in particolare, tra il XVI e il XIX secolo nella convinzione che la storia ebraica possa trasmettere valori universali e offrire strumenti utili per il presente.

La Birra Peroni è uno degli storici simboli della produzione d'eccellenza italiana: lombardo di nascita ma profondamente radicato su tutto il territorio nazionale fin dalla fine dell'Ottocento, il marchio è oggi conosciuto nel mondo, grazie a una consolidata presenza nei mercati esteri. La storia dell'azienda viene ripercorsa in queste pagine da un punto di vista insolito, affidato quasi esclusivamente alle immagini: quelle dell'Archivio Storico Birra Peroni – dedicate agli stabilimenti, alla comunicazione pubblicitaria e alla comunità dei consumatori, – cui sono affiancati gli scatti di cinque giovani fotografi dell'Istituto Europeo di Design, che hanno offerto la loro personale lettura del brand. Il risultato è un racconto visivo composito e variegato di come Birra Peroni è stata ed è vista e vissuta da fuori e dall'altro, ieri come oggi. Fotografie di: Andrea Santamaria, Elena Durante, Ivan Ceresia, Ivana Bianco, Thiago Andres Gnessi.

Prima monografia dedicata all'opera di Paolo Ventura (Milano, 1968). Ventura si è affermato nel panorama della fotografia artistica, offrendo un'interpretazione singolare e assolutamente originale della staged photography, una forma d'arte in cui la fotografia è il prodotto finale di un processo creativo che, nel suo caso, prevede la preparazione di scenari e soprattutto di manichini: questi, insieme a personaggi reali fra i quali compare spesso anche lo stesso artista, sono i protagonisti dei suoi racconti. In queste ambientazioni tridimensionali Ventura ricrea, e poi fissa attraverso la fotografia, uno spazio mentale che rimanda all'atmosfera propria del "realismo magico" e al sapore fiabesco dell'infanzia, generando un contrasto volutamente surreale con la profondità di alcuni temi trattati (come la guerra, l'abbandono, la memoria, l'identità). Il volume offre uno sguardo complessivo su quindici anni di attività dell'artista, attraverso la presentazione di ventuno serie dal 2005 a oggi, che permettono di evidenziare l'evoluzione del suo linguaggio che, oltre alla fotografia, si esprime anche attraverso la pittura. La monografia accoglie i testi critici di Walter Guadagnini e Francine Prose, un'intervista a Ventura raccolta da Monica Poggi e apparati biografici.

Il volume è dedicato a Shepard Fairey (Charleston, 1970), uno degli artisti di urban art più conosciuti al mondo. Affermatosi con lo pseudonimo di Obey grazie a una fortunata campagna di stickers, diffusa in modo virale, raffiguranti il volto del campione di wrestling André The Giant, l'artista statunitense ha raggiunto visibilità internazionale grazie al ritratto di Obama rappresentato nel poster Hope del 2008, in occasione della campagna presidenziale. L'artista presenta in queste pagine trenta recenti opere grafiche inedite (2019), che ripercorrono trent'anni di attività attraverso le sue icone più celebri: tanti i temi sociali e politici che hanno ispirato la sua produzione, dalla lotta per la pace e contro la violenza razziale, alla difesa della dignità umana e di genere fino alla salvaguardia dell'ambiente. Le grafiche costituiscono un concept unico e irripetibile, ideato appositamente per la Galleria d'Arte Moderna di Roma, dove sono poste in dialogo con importanti opere della collezione d'arte contemporanea della Sovrintendenza Capitolina selezionate dallo stesso artista. Il volume, con un intervento di Shepard Fairey e numerosi testi critici, è completato da una biografia e da apparati bibliografici. Autori dei testi: Shepard Fairey, Maria Vittoria Marini Clarelli, Claudio Crescentini, Giuseppe Ottavianelli, Giuseppe Pizzuto, Federica Pirani, Arianna Angelelli, Daniela Vasta.

Il volume propone una rilettura aggiornata dell’opera di Marc Chagall (1887-1985) alla luce del suo stretto rapporto con la cultura e la tradizione del suo paese nativo, la Russia. Il legame profondo con la terra d’origine emerge come una costante nella produzione dell’artista: villaggi, case, oggetti e soprattutto animali rimandano a un repertorio popolare stratificato, in cui confluiscono leggende, favole, vignette popolari – i lubki – illuminate però dall’aura spirituale e simbolica che ha nella sacralità delle icone il proprio referente. La memoria diventa così una ‘presenza’ costante nelle sue opere dando vita a un realismo poetico che attinge alla tradizione favolistica russa per la propria sintassi espressiva, mentre deriva dal mondo chassidico e da quello ortodosso la propria cifra intellettuale e spirituale. Proprio per questo Chagall si trova a occupare una posizione singolare nella storia dell’arte del ventesimo secolo. La sua arte testimonia infatti di una modernità che, pur consapevole della rivoluzione formale operata dalle avanguardie e dell’esigenza di progresso che ne discende, non necessita di alcuna rottura con la memoria e la cultura tradizionali, che diverranno, anzi, elementi di arricchimento e di originalissima definizione formale in grado di comunicare, ancora oggi, con la nostra sensibilità postmoderna. Saggi di Claudia Beltramo Ceppi Zevi, Giulio Busi, Michel Draguet, Giulia Gigante, Sofiya Glukhova, Maria Chiara Pesenti.

Il volume, edito in occasione della decima tappa del tour Open - offre un viaggio di scoperta della Varese di fine Otto e inizio Novecento, una città moderna e culturalmente vivace, dove si fondono e si intrecciano crescita, arte e mecenatismo. Oltre sessanta opere tra dipinti, sculture e oggetti d'arte decorativa, evocano le atmosfere di un passato in cui affonda le sue radici una comunità protagonista di un incredibile sviluppo economico, sociale e culturale: la classe dirigente di allora promosse anche le arti, esercitando preziose forme di mecenatismo, i cui esiti sono visibili nelle raccolte qui documentate.