Silvana

Nel comune sentire del pubblico, l'Impressionismo è da sempre percepito come un movimento artistico univocamente francese. E se indubbiamente Parigi è per antonomasia il suo centro di irradiazione, e francesi sono artisti amatissimi quali Monet, Renoir, Manet, Degas, Pissarro, Cézanne, così come francese è il termine Impressionnisme, d'altra parte la critica è oggi concorde nel riconoscere a questa corrente un carattere compiutamente internazionale, contraddistinto da una nuova visione del mondo e della sua rappresentazione. Il volume intende fornire un contributo alla conoscenza della stagione impressionista in un ambito specifico, quello della Germania, poco noto in Italia ma dagli esiti compositi e significativi. La parabola di tre grandi maestri, Max Liebermann, Max Slevogt e Lovis Corinth, viene qui contestualizzata in un percorso che, partendo dai pionieri della pittura di paesaggio ottocentesca, giunge agli artisti impressionisti tedeschi attivi fino al 1930.

Il polittico Griffoni di Francesco del Cossa e Ercole de' Roberti è uno dei massimi capolavori del Rinascimento italiano. Risplendente di colori pregiati e di oro, racchiuso in una monumentale carpenteria lavorata dall'intagliatore cremasco Agostino de' Marchi, il superbo manufatto artistico decorava in origine l'altare della cappella posseduta da Floriano Griffoni nella basilica di San Petronio a Bologna. Nei primi decenni del Settecento, l'ancona viene smembrata per lasciare posto a nuovi arredi e le sue porzioni figurate, ridotte in quadri da stanza, nel corso dell'Ottocento sono disperse lungo le rotte del mercato antiquario e del collezionismo. Il volume indaga quest'opera complessa attraverso un riesame della pluriennale vicenda, storica e filologica, che ha consentito di assegnare una corretta paternità e una plausibile collocazione ai dipinti, oggi divisi in nove prestigiose sedi museali: National Gallery di Londra, National Gallery of Art di Washington, Louvre di Parigi, Boijmans Van Beuningen di Rotterdam, Pinacoteca di Brera, Musei Vaticani, Fondazione Cini di Venezia, Pinacoteca Nazionale di Ferrara e Villa Cagnola di Gazzada.

Il periodo che va dalla fine degli anni trenta all'inizio degli anni sessanta ha rappresentato, per la fotografia sperimentale italiana, la stagione più articolata e allo stesso tempo meno indagata nella sua interezza. Il volume ripercorre questo filone di ricerca, mettendo in luce le specificità degli autori che più hanno contributo alla creazione di quel dizionario visuale che costituirà un riferimento per la successiva fotografia analitica, sviluppatasi nell'ultimo scorcio del secolo scorso. "Forma/Informe" affronta nel dettaglio la questione della nascita della fotografia di ricerca e della sua evoluzione, che, attraverso la progressiva dissoluzione dell'immagine, approderà nell'Informale del secondo dopoguerra. Fotografi: Piergiorgio Branzi (1928), Giuseppe Cavalli (1904-1961), Pasquale De Antonis (1908-2001), Franco Grignani (1908-1999), Nino Migliori (1926), Paolo Monti (1908-1982), Luigi Veronesi (1908-1998).

Il volume è dedicato a un importante dipinto conservato nelle collezioni della GAM di Torino, ovvero la maestosa “Fiera di Saluzzo (sec. XVII)”, di Carlo Pittara. Presentata nel 1880 alla V Esposizione Nazionale di Belle Arti di Torino, l’opera - dalle dimensioni monumentali di 4,08 per 8,11 metri - rievoca una fiera seicentesca ambientata poco fuori le mura di Saluzzo, mostrando una parata con cavalieri, personaggi in costume e moltissimi animali a grandezza naturale. Conservata nei depositi del museo dal 1981, viene oggi presentata nuovamente al pubblico, offrendo un’occasione di riscoperta, studio e approfondimento, i cui esiti sono documentati in queste pagine.

Se la luce è simbolo del divino, del bene cui ciascuno aspira, le tenebre alludono invece al peccato, alla morte. All'interno della dialettica luce/tenebre, l'uomo è chiamato ad affermare la vita. La luce è quindi alla base di un'esperienza simbolica, al cui centro si situa il desiderio di entrare nelle dimensioni più profonde dell'esistere. Tre giovani artisti, Samuele Albani, Stefan Milosavljevic e Luca Pianella, con opere video, fotografie, installazioni e disegni su carta affrontano questi temi a partire dalle loro esperienze affettive, emozionali, sensoriali e spirituali. Milano, Galleria San Fedele, gennaio-febbraio 2018.

L'operazione di Matteo Negri è tutta nell'interrogarsi sul senso della scultura nell'epoca della smaterializzazione digitale. La tensione è quella a trattenere reale e virtuale insieme. Nonostante la grande attenzione alle materie è forte l'aspetto mentale. La sperimentazione sui materiali appare imprescindibile.

Il centenario della nascita della pittrice ligure Cecilia Ravera Oneto (Camogli, 1918 - Genova, 2002) è l'occasione per ripercorrere i temi, gli sviluppi, le passioni di un lungo percorso creativo, sempre in dialogo con il paesaggio della Liguria, con i fatti della storia e i profondi cambiamenti del secondo Novecento. Una significativa selezione di circa 50 dipinti e di disegni, provenienti da musei, istituzioni pubbliche e collezioni private, ne delinea l'originale evoluzione artistica. Il disegno e il colore, sviluppati in modo autonomo e parallelo nei bozzetti grafici e nei dipinti su tela, sono due distinti mezzi espressivi: il primo, spesso realizzato en plein air, traduce in modo incalzante, rapido ed efficace le sensazioni, le impressioni dell'artista: il secondo, di inconfondibile carica drammatica, è una fase successiva di elaborazione e di emozione. Il rapporto con la realtà è sempre presente ma filtrato, messo in discussione e ricomposto, fino a risultati che giungono alle soglie dell'astrattismo e della libertà espressiva del colore.

Un percorso antropologico raccontato attraverso la forza delle immagini, dove la fotografia di Giuseppe Lo Schiavo diventa cardine essenziale per comprendere fino in fondo il legame e la connessione tra Uomo e Natura. Un viaggio, attraverso la creatività e la ricerca dell'artista, che diventa un dialogo tra la materia e la forza della creazione.

Nel volume sono raccolte le "prime indagini" e i primi significativi risultati delle ricerche sull'opera di Roberto Menghi (Milano, 1920-2006) effettuate a partire dai materiali d'archivio conservati allo CSAC di Parma tramite la rilettura della sporadica bibliografia esistente e grazie all'analisi di alcuni edifici. Menghi è stato un architetto e designer di grande qualità, pluripremiato e attivo, con prestigiose collaborazioni, dagli anni quaranta fino agli inizi di questo secolo. L'intento della pubblicazione è quello di chiarire lo stato dell'arte relativamente agli studi sulla sua figura, di fornire una prima lettura critica del suo lavoro e di approfondirne alcune tematiche specifiche e di rappresentare uno strumento per le future indagini sul progettista.

Il lavoro di Maria Cristiana Fioretti ci rivela come il colore sia un'opera aperta, capace di intrecciare, suggerire nuove narrazioni. La sua pittura trae ispirazione dalla letteratura, dal cinema, dall'architettura, dalla moda, dal design, predisponendo il nostro sguardo a visioni plurime, per configurare orizzonti sempre nuovi, carichi di significati inediti. L'acqua e l'aria, elementi principali dei suoi paesaggi psichici-emozionali, attraverso il colore danno forma al sentimento, all'essenza, alla bellezza misteriosa della natura. Testi: Raffaella Resch, Jacqueline Ceresoli, Guido Curto, Hugues de la Touche, Gisella Gellini, Xu Jin, Ida Terraciano Milano, Acquario civico, febbraio-marzo 2020.

Nel settembre 2019 Armin Linke, costruendo una nuova tappa del suo percorso artistico, coinvolge alcuni studiosi internazionali in un seminario di tipo performativo che si interroga sulla natura e sulle logiche degli archivi, mettendo in relazione le sue immagini artistiche con sistemi di catalogazione propri di raccolte fotografiche di documentazione, come quelle del Kunsthistorisches Institut in Florenz e dell'Istituto Geografico Militare. Il quaderno presenta le riflessioni e le coordinate metodologiche emerse nel corso della giornata di studio, accompagnate da un saggio fotografico di Armin Linke realizzato all'interno delle istituzioni coinvolte. Scopo della pubblicazione è invitare a riflettere su come i sistemi di catalogazione, propri anche delle raccolte fotografiche - come quella dell'artista, che annovera 50000 immagini - possano influenzare la fruizione e quindi l'interpretazione delle stesse fotografie. Contributi di Hannah Baader, Matteo Balduzzi, Estelle Blaschke, Giovanna Calvenzi, Costanza Caraffa, Amedeo Martegani, Patrizia Piccini, Tiziana Serena.

Il volume documenta "Arte e Città", un progetto che ha coinvolto Catanzaro, trasformando alcuni luoghi del suo centro in un museo a cielo aperto. Sette artisti di fama internazionale, giovani emergenti e maestri che hanno fatto la storia dell'artigianato locale - Lucio Perrone, Nuccio Loreti, Anna Vittoria Cossari, Saverio Rotundo (U Ciaciu), Paolo Grassino, Alex Pinna e Massimo Sirelli - hanno partecipato all'iniziativa mettendo a disposizione la propria originalità ed esperienza; nove le opere prestate, realizzate con materiali e tecniche differenti, a creare un affascinante e originale percorso scultoreo che si snoda attraverso il centro storico. Intento del progetto è sensibilizzare i cittadini verso una cultura artistica contemporanea, restituendo la città a una fruizione imprevista, emozionante e condivisa.