Silvana

La Città Universitaria di Roma (1932-1935), oltre a costituire uno degli interventi più significativi del Novecento, rappresenta l’occasione in cui architetti profondamente diversi per provenienza e formazione si confrontano su un terreno comune sotto l’egida e il coordinamento generale di Marcello Piacentini, come in una grande esposizione concertata. Un modello che, se all’epoca della sua costruzione è già icona, o meglio un ‘testo architettonico’, che gode di grande considerazione sia presso la stampa italiana sia estera, in seguito alle pesanti stroncature da parte della critica postbellica attende ancora oggi una completa riabilitazione. L’obiettivo è quello di affrontare l’opera secondo una diversa chiave di lettura. Evidenziandone i presupposti teorici e i numerosi insegnamenti e apporti individuali sottesi, attraverso un procedimento analitico, il lettore verrà accompagnato verso un’ideale ri-costruzione del progetto entro un itinerario che tocca diversi temi e attori: dalla conoscenza delle università estere al principio insediativo, dalla genesi compositiva del piano al ruolo della percezione dinamica nella definizione dello spazio pubblico, fino ad addentrarsi nella complessità dei singoli edifici e delle loro intrinseche problematiche. In quest’ottica lo Studium Urbis non può essere considerato l’esito di una mera operazione politica, né soltanto un complesso dettato da principi funzionali, ma un particolare esempio al di là delle classificazioni di ‘genere’, una città dotata di senso autonomo e compiuto che si inscrive nel tentativo collettivo, unico e irripetibile di radicare e sviluppare la cultura e le forme di una moderna architettura in Italia. Con un saggio di Bruno Reichlin.

La gioia dell'amicizia francescana e l'impegno a viverla anche nella ricerca artistica caratterizzano in modo determinante la multiforme produzione di Costantino Ruggeri (1925-2007), frate francescano e sacerdote. Singolare artista attivo lungo la seconda metà del XX secolo fino all'inizio del XXI, egli lascia un'eredità — in dipinti, sculture, arredi e suppellettili liturgiche, vetrate e chiese — che ne attesta il moderno dialogo e la sapiente sintesi tra contributi delle avanguardie artistiche del Novecento e innovazioni iconografiche e simboliche ancorate alla tradizione cristiana. Questo libro intende offrirne una prima storicizzazione, alla quale hanno coralmente contribuito: Giorgio Azzoni, Carlo Cavallari, Maria Antonietta Crippa, Mario Favretto, Luigi Leoni, Roberta Manara, Massimo Ravazzano, Carmen Romagnano, Chiara Rovati, Nicoletta Scherillo, Andrea Vaccari,Virtus Zallot, Ferdinando Zanzottera.

"Selim Abdullah [...] conserva la tensione esistenziale nella bellezza (quindi nella luce) del disegno, nella materialità e nella forma delle sue opere. La sua arte si bilancia sul crinale che sta tra l'inquietante e il glorioso — come se egli nell'atto artistico, nel processo di lavoro, per tutti noi, ma soprattutto per le vittime della Storia, potesse dare forma al momento in cui il destino è superato, o avrebbe potuto esser vinto. E sia pur solo per questo che, seduti insieme, come in un rituale arcaico, si tace e si aspetta: Attesa (2008) — un'attività che può essere più eroica di qualsiasi conquista, di qualsiasi impresa ardita generatrice di ripetuti disastri."

È l'acqua il soggetto delle oltre 100 fotografie di Salvino Campos raccolte in questo volume: fonte di vita, ma anche potenza incontrollabile che può diventare catastrofica. Un percorso suggestivo che consentirà al lettore di ammirare alcune tra le più stupefacenti manifestazioni naturali e artificiali legate a questo elemento - dalle cascate del Niagara ai laghi cinesi di Shichahai, dal fiume Hudson alla foresta pluviale amazzonica, dal ghiacciaio Perito Moreno alla Fontana di Trevi - ma anche di riflettere sulla necessità di tutelare e salvaguardare il patrimonio idrico del nostro pianeta.

Contributi di Piero Boitani, Paolo Isotta, Raffaella Tabacco, Roberto Mussapi, Pietro Gibellini, Gianni Oliva, Raffaella Bertazzoli, Elena Ledda.

Una rilettura della figura di Stefano Locatelli (1920-1989), artista bergamasco che, diventato celebre per la statua raffigurante papa Giovanni XXIII del Seminario Vescovile di Bergamo, viene qui raccontato attraverso opere meno note della sua produzione. Opere che lasciano emergere un lato più intimista del suo lavoro artistico, caratterizzandone ulteriormente la finezza e la profondità di sguardo. Volti, corpi, lineamenti profondamente umani in cui l'intensità della ricerca espressiva è componente essenziale di ogni opera d'arte. Un'occasione di conoscenza e avvicinamento a un certo tipo di "fare artistico", impregnato di passione e fatica, di attenzione al dettaglio e di continua ricerca della perfezione nel modellare la materia con occhi e mani. Qualità e valori che concedono spunti di arricchimento culturale ed emotivo, per un pubblico di giovani e meno giovani, di esperti d'arte e di semplici appassionati cultori del bello.

L’"Annunciazione" di San Gimignano, divisa in due tondi e commissionata dai signori di quella comunità per adornare la loro Udienza, venne dipinta negli anni 1483-1484 da un artista non menzionato nei Registri delle Deliberazioni e Provvisioni di quegli anni, che documentano le varie fasi della commessa, dalla prima decisione, nel 1482, al pagamento delle cornici nel 1490. Il suo autore è ormai concordemente riconosciuto in Filippino Lippi, artista originale e dalla spiccata personalità nel panorama dell’arte fiorentina della seconda metà del Quattrocento. Qui si produce in una sua particolare versione di un soggetto tanto rappresentato, con uno studio attento della costruzione prospettica degli ambienti e degli e etti di luce, una cura singolare dei panneggi e un interesse non comune per il paesaggio e la natura morta che si deve all’influsso della pittura fiamminga.

Il volume, frutto di un ciclo di incontri organizzato grazie alla collaborazione tra l’Ordine degli Architetti di Monza e Brianza e l’Ufficio per i Beni Culturali dell’Arcidiocesi di Milano, intende proporre un momento di riflessione sul silenzio, in un mondo che riverbera continuamente di rumori e parole. Grazie agli interventi dei tre relatori – Silvano Petrosino, Nicoletta Polla-Mattiot e don Mario Antonelli – offre spunti interessanti e molteplici su un argomento peculiare, presentato ed esaminato sotto diversi punti di vista, da quello filosofico a quello linguistico a quello spirituale, suggerendo a ogni lettore la possibilità di una meditazione personale.

Giovanni Boldini (1842-1931) è considerato uno dei più celebri ritrattisti della Belle Époque, un periodo di prosperità che ebbe il suo baricentro a Parigi, tra gli anni ottanta dell’Ottocento e lo scoppio del primo conflitto mondiale. Con il suo pennello, l’artista ha immortalato i protagonisti, soprattutto femminili, di quell’epoca, da Robert de Montesquiou alla marchesa Luisa Casati, dall’étoile Cléo de Mérode ai membri della famiglia Vanderbilt. I suoi grandi ritratti a figura intera consegnavano alla posterità principesse e cortigiane, nobili e attrici, artisti e parvenu e, soprattutto, mogli di ricchi magnati dell’industria e della finanza del vecchio e del nuovo continente, che nei suoi dipinti apparivano bellissime, longilinee, elegantemente abbigliate in fruscianti sinfonie di rasi, sete e taffetà, colte in pose affettate e teatrali. Il pittore le immortalava in grandi tele tracciate con energiche sciabolate di colore, con le labbra socchiuse, lo sguardo vivido, il corpo percorso da una vitalità nervosa e scintillante: icone di un’eleganza audace e moderna, tali rappresentazioni hanno reso Boldini uno dei pittori che maggiormente hanno ispirato le successive generazioni di stilisti, fotografi e costumisti.

Ritrattista e fotografo di moda per professione, artista per vocazione, Man Ray trova nella figura femminile uno dei suoi massimi interessi: modelle, muse ispiratrici, compagne, allieve e colleghe, come Berenice Abbott, Lee Miller, Meret Oppenheim, Nusch Eluard, Kiki de Montparnasse, Dora Maar, Juliet, rappresentano un universo di rapporti tanto differenti quanto cruciali nell'evoluzione della sua vita e della sua poetica. A loro volta, tali donne sono state in alcuni casi grandi fotografe, in altri figure centrali nella storia culturale dell'epoca, così come emerge da questo volume, curato da Walter Guadagnini e Giangavino Pazzola, che mette in dialogo oltre cento capolavori dell'artista americano, vere icone della fotografia del XX secolo, con le immagini delle protagoniste di una straordinaria stagione della cultura mondiale.

La moda, Leonardo da Vinci e la corte sforzesca sono gli argomenti di questo libro. Protagoniste assolute di stili e comportamenti sono le dame che vivono in questa ricca e splendida corte, da Isabella d’Aragona a Beatrice d’Este, da Cecilia Gallerani a Bianca Maria Sforza; con loro l’eccellenza artigiana di Milano e le radici del Fashion Made in Italy. Tra tecnologia e innovazioni, amicizie, rivalità e scelte culturali, uno straordinario scenario dove spicca la poliedrica e geniale personalità di Leonardo, qui indagata in un percorso inedito, con molte scoperte e nuove piste di ricerca.