Silvana

Nell'ottobre del 2016, l'inaugurazione di "Time is out of joint" alla Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea ha segnato l'apertura di un nuovo capitolo nella storia del museo, resa possibile da un ampio processo di trasformazione e riorganizzazione delle sue collezioni. Nella sua formulazione anagrammatica, "Joint is out of time" modifica sottotraccia la morfologia dell'esposizione, portando in piena luce la plasticità di un progetto pensato sin dall'origine in continua modulazione. Le opere di riconosciuti protagonisti della scena dell'arte contemporanea - Giulio Paolini, Roni Horn, Jan Vercruysse, Francesco Gennari, Fernanda Fragateiro, Elena Damiani, Davide Rivalta - costituiscono all'interno dell'allestimento una sorta di variazione in corso d'opera, in grado di far risuonare, nel già "costruito", sfumature e tonalità diverse e complementari.

Vincenzo Castella si è recato a Berlino, per la prima volta, tra l'agosto e il settembre 1989, senza immaginare che in quella città si stava preparando una svolta epocale, con l'imminente caduta del Muro, il 9 novembre 1989. Il volume presenta gli scatti di quel soggiorno. Un ciclo fotografico che, pur presentandosi come una "divagazione, un esperimento dagli esiti aperti" come spiega Frank Boehm nel volume, rispetto ai temi della sua ricerca di allora, si inserisce compiutamente in quella più ampia riflessione sul paesaggio, inteso come contesto costruito e modificato dall'uomo, che è anche il filo conduttore di tutta la sua produzione. Per i lettori di oggi, non solo un documento visivo che, attraverso una ripresa silenziosa ed essenziale, ci consegna uno spaccato di come appariva la città prima che la storia intervenisse a reciderne i confini, ma anche un tassello per avvicinare e approfondire il lavoro di uno dei più apprezzati maestri della fotografia contemporanea.

Cento e il Guercino costituiscono un binomio inestricabile. Lo sapeva bene Johann Wolfgang Goethe quando nel 1786 si recò appositamente a Cento per rendere omaggio alla patria del Guercino e annotò nel suo diario che il suo era “un nome sacro tanto sulle labbra dei fanciulli che degli adulti”. Salito sul campanile della chiesa di San Biagio, il grande scrittore era stato colpito dalla vista di “una piccola e simpatica città, ben costruita, piena di movimento e di vita, linda, in mezzo a una pianura tutta coltivata a perdita d’occhio” e poi, davanti ai dipinti eseguiti dal pittore per le chiese cittadine, ne aveva apprezzato il carattere “intimamente esperto, virilmente integro, senza forzature”, rimarcando la piena sintonia con l’attitudine serenamente attiva e intraprendente dei suoi concittadini. Nonostante le perdite subite in seguito alle spoliazioni di epoca napoleonica, Cento conserva tuttora uno straordinario nucleo di dipinti di Giovanni Francesco Barbieri (Cento, 1591 – Bologna, 1666), affettuosamente soprannominato il Guercino per il suo pronunciato strabismo: si tratta non solo di pale da altare, ma anche di affreschi staccati dalle case dei benestanti centesi (i Pannini, i Benotti) e di disegni pervenuti alle raccolte comunali. A tale nucleo – che comprende capolavori assoluti del barocco italiano, come il "Cristo risorto che appare alla Madre" (1628-1630) o le tele poste a decorazione della cappella di famiglia nella chiesa del Santissimo Rosario (1643-1645) – si affianca in questo volume l’esame di altri dipinti eseguiti dal pittore per altre destinazioni, così da ricostruire il suo intero percorso, che dal corposo naturalismo della fase giovanile giunge all’eleganza composta degli anni estremi.

Nel quarto centenario della morte di Caravaggio, fra le molteplici iniziative proposte per celebrarne l'anniversario, questo volume indaga il rapporto che ha unito l'artista alla città di Roma. Rossella Vodret - una delle massime conoscitrici del pittore - ripercorre gli anni in cui Caravaggio visse nella capitale, giungendo dalla Lombardia nell'estate del 1592, e rimanendovi fino al maggio 1606 quando, macchiatosi del crimine di omicidio, fu costretto a lasciare l'amata città, in cui non rimise più piede. Il catalogo riunisce tutte le opere autografe realizzate durante gli anni romani, che permettono al lettore di rivivere il genio assoluto e irripetibile di uno dei più grandi nomi della storia dell'arte.

Contributi di: Francesco Perfetti, Didier Musiedlak, Maurizio Serra, Daniela Marcheschi, Francesca Martinelli, Paola Goretti, Franco Mancuso, Chiara Arnaudi.

A Bologna il medioevo fu animato da un fiorente clima multiculturale, favorito sia dalla posizione strategica della città sulla Via Emilia - tra gli Appennini e le direttrici verso l'Oltralpe - sia dalla nascita nel tardo XI secolo di una celebre scuola giuridica: una realtà cosmopolita, che ha garantito un impulso costante agli scambi internazionali, ai commerci e allo sviluppo urbano, ma anche alle commissioni artistiche, tra cui quelle di arredi liturgici e tesori ecclesiastici destinati a soddisfare le crescenti esigenze devozionali. Di questi manufatti rimane oggi assai poco, come documenta la scultura lignea medievale che, anche a causa della deperibilità del materiale, a Bologna conta soltanto pochi esempi, e ciò rende ancora più emblematico il valore delle testimonianze locali superstiti presentate in queste pagine: rarissimi capolavori lignei di elevata qualità esecutiva, alcuni dei quali sottoposti a una recente opera di restauro, che offrono il punto di partenza per l'approfondimento condotto in questo volume.

Sergio Borrini racconta in queste pagine se stesso e la sua arte, ripercorrendo le tappe di un cammino pittorico intrapreso alla fine degli anni Sessanta, al quale ha accostato una multiforme attività nel mondo dell’arte, concretizzatasi in ambito sia critico sia organizzativo. Fra i tanti eventi, basti ricordare le mostre di grande interesse tenute nel suo studio, noto come il Mercato del pesce, o la feconda collaborazione con la nota azienda Rimadesio, che ha dato vita a una linea chiamata Specchi d’Autore. Tale percorso l’ha portato a sviluppare, nel tempo, diversi cicli narrativi nei quali ha mirabilmente fuso ironia, favola e leggenda.

Miquel Barceló (Felanitx, 1957), uno dei più interessanti protagonisti della scena contemporanea internazionale, ripercorre in questo volume la sua produzione ceramica, in concomitanza della prima antologica italiana dedicata a questo tema, ospitata al MIC di Faenza. Le sue origini e la sua cultura mediterranea sono alla base dell’eccezionale vitalità delle opere: la superficie ceramica è trattata come una tela da dipingere, e la materia si conforma alle declinazioni del gesto grafico. L’artista spagnolo propone un percorso che è una riflessione sulla sua stessa storia, dai suoi primi approcci con la ceramica, nelle reminiscenze africane dogon, alle meditazioni sui filosofi, le corride, la natura, la femminilità e i bestiari, nuclei che caratterizzano da sempre la sua produzione.

Il libro è uno strumento teorico per la disciplina realizzato a partire dai dieci anni del master in Exhibit & public design (2008-2018), istituito presso la "Sapienza" Università di Roma. Articolato come un magazine tematico, il volume è costituito da saggi critici che affrontano gli aspetti importanti della progettazione contemporanea dello spazio pubblico, seguiti da focus tematici brevi che indagano in modo puntuale singoli aspetti della disciplina. Le immagini, organizzate per macro-temi, restituiscono una selezione dei progetti degli studenti che hanno partecipato a questa esperienza formativa a cavallo tra architettura, design, comunicazione visiva e multimediale.

L'arte visiva, dalle Avanguardie storiche a oggi, accanto ai materiali tradizionali quali la tela, la tavola, l'olio, il marmo, il bronzo, eccetera, si è servita di materie tra le più diverse e anomale, dagli scarti agli oggetti comuni, dal carbone agli strumenti elettrici, dagli stracci ai vetri e così via, tanto che possiamo affermare, da Duchamp in poi, che ogni "materia" può essere funzionale alla creazione dell'opera d'arte. In questo catalogo è presentata una selezione di quindici artisti di diverse generazioni particolarmente sensibili alle "materie prime", siano esse più classiche o più insolite, quali la luce, il perspex, l'aria. Artisti: Carlo Bernardini, Renata Boero, Giovanni Campus, Riccardo De Marchi, Emanuela Fiorelli, Franco Mazzucchelli, Nunzio Di Stefano, Paola Pezzi, Pino Pinelli, Paolo Radi, Arcangelo Sassolino, Paolo Scirpa, Giuseppe Spagnulo, Giuseppe Uncini, Grazia Varisco.

Attraverso le azioni performative, che spesso prevedono l'uso della voce e della scrittura, e le installazioni ambientali, sempre riconfigurate in rapporto allo spazio espositivo che le accoglie, Cesare Viel (Chivasso, 1964) esplora i processi attraverso i quali l'identità si costruisce e si decostruisce, rivelandosi un luogo di attraversamento che conserva le tracce di ogni passaggio. Il volume presenta lavori inediti e nuove versioni di installazioni e performance storiche, realizzate dall'artista in un dialogo serrato con la complessa struttura architettonica del PAC di Milano, intesa non come un semplice contenitore bensì come un elemento attivo che interagisce con le opere, arrivando a volte a determinarne la forma e offrendo al pubblico molteplici punti di vista.

Il volume, decimo tomo del Catalogo scientifico del Museo Civico di Vicenza di Palazzo Chiericati, è dedicato al fondo donato alla città da monsignor Pietro Marasca, ultimo erede dell’azienda serica che portava il nome di famiglia. Il fondo, costituito da dodici volumi campionari provenienti dalla vicentina Fabbrica Marasca e da altre aziende del territorio, con più di 5000 frammenti di tessuto, una cinquantina di tessuti sciolti, manufatti tessili e sessanta messe in carta (ovvero i disegni preparatori per le stoffe) costituisce una raccolta di eccezionale valore storico, artistico e industriale, che testimonia quanto compiuto dalle aziende tessili beriche tra XVIII e XIX secolo. Saggi di: Valeria Arena, Gian Luca Bovenzi, Melissa Chiarizia, Roberta Genta.