Silvana

Giancarlo Sciannella (Castelli, 1943 - Roma, 2016) è scultore in terracotta, fra le massime espressioni della scultura contemporanea italiana, in particolare legata alla materia di terra. L'artista si colloca, attraverso sessant'anni circa di lavoro, all'interno di una linea di ricerca d'avanguardia che nell'Italia nel Novecento vanta illustri precursori come Martini, Fontana, Melotti e Leoncillo, nonché espressioni recenti come Valentini, Spagnulo e Mainolfi. La monografia scientifica di Simone Battiato, arricchita dai contributi di Giulia D'Ignazio e Lorenzo Fiorucci, ricostruisce e documenta attraverso un pertinente e attento studio filologico l'intero percorso dell'abruzzese nativo di Castelli, centro ceramico di secolare tradizione, analizzando i molteplici e differenziati passaggi della sua ricerca, per ricondurla, attraverso una critica partecipe, a un medesimo nucleo esistenziale di profonda urgenza creatrice.

La matita ha accompagnato la quotidianità degli italiani per oltre un secolo, dalla scuola al lavoro, diventando strumento prediletto di espressione creativa. Tramite un ricco apparato iconografico, oltre 500 immagini, il volume ripercorre in maniera inedita e approfondita le tappe salienti della sua storia: la produzione in Italia a partire dalla seconda metà dell'Ottocento e gli iniziali tentativi di imitazione di matite straniere, cui seguì l'impegno di ditte come la Pangrazzi, la Presbitero e la Fila nell'affermazione del lapis italiano quale vessillo contro l'analfabetismo; le numerose declinazioni nate sulla scorta di umori e mode del tempo: matite copiative, indelebili, da stenografo, "a sfera", profumate. E ancora le scintillanti campagne pubblicitarie di successo ideate da artisti di spicco quali Fortunato Depero, Enrico Sacchetti, Roberto Aloy, Severo Pozzati, Giuseppe Magagnoli, nonché gli studiati packaging sempre più accattivanti - astucci, scatole, espositori - in grado di restituire immagini e forme che, attraverso tutto il Novecento, si sono imposte come simboli e segni visivi indimenticabili.

Tabusso ha dipinto fiabe quotidiane e ha dipinto la vita quotidiana come se fosse una fiaba: una fiaba, si intende, antica, medioevale, campestre, contadina, lontana da certe pseudo-fiabe di oggi, tutte sentimentalismi e stucchevolezze. La sua pittura esce dal tempo della modernità e racconta di giardini e paesaggi, boschi e cacciatori, nidi e rami, falconieri e santi: figure e cose, insomma, che nella vita contemporanea sembrano scomparse. E invece non è così perché le fiabe, come i miti, raccontano realtà che esistono ed esisteranno sempre, proprio perché non sono mai esistite. "La cosa più strana della mia vita è che fin da piccolo ho detto che volevo fare il pittore", confessava lui stesso in un'intervista del 2008. E la sua vita è stata proprio questo: un atto ininterrotto di fedeltà alla pittura.

Flatform è un artista collettivo riconosciuto come uno dei più importanti e apprezzati della scena artistica internazionale. La sua pratica, che parte sempre dalle immagini in movimento, sfugge a ogni categorizzazione critica e si apre naturalmente al dialogo tra molteplici discipline. Il libro accoglie una lunga intervista e una serie di saggi critici che ripercorrono gli oltre dieci anni dell'innovativo percorso di Flatform, nel quale il paesaggio è identificato come paradigma della complessità contemporanea, mettendo in luce l'unicità del suo lavoro, nell'intersezione tra arte e cinema. Introduzione di Sergio Toffetti.

Il volume, dedicato all'opera di Corrado Cagli a Roma, teatro principale delle sue gesta, presenta in considerevole parte i più significativi cicli elaborati dall'artista; e affrontando il nodo sulla "difficoltà e disagio" della critica italiana di fronte alla sua opera, dichiara giunto il momento di venire a capo di tale annosa questione interrogandosi, una volta di più, sui numerosi aspetti riguardanti le precoci logiche ideative e linguistiche di Cagli, indiscusso maestro dell'arte italiana e internazionale che dagli anni trenta ai settanta del XX secolo è stato tra i protagonisti più incisivi della scena artistica. L'attenta rilettura delle "Folgorazioni e mutazioni" linguistiche ha l'obiettivo di evitare che incomprensioni, pregiudizi e distrazioni ricorsivamente epocali perpetrino forme di oblio del suo lavoro, come in tempi e per ragioni diverse si sono già riversate perfino sull'opera di geni e grandi artisti come Piero della Francesca, Caravaggio e una quantità di altri maestri dimenticati per secoli, passati alla storia come "anonimi" pur avendo un nome e poi tornati alla considerazione pubblica grazie all'azione ermeneutica di autorevoli studiosi, appassionati e responsabili.

Il volume, a cura di Annie-Paule Quinsac, colloca Carlo Fornara (1871-1968), che la studiosa definisce "un divisionista della prima ora", per quanto più giovane rispetto ad Angelo Morbelli e a Giuseppe Pellizza da Volpedo, nel cuore del dibattito artistico tra lo scadere del XIX secolo e gli inizi del Novecento. La sua tecnica pittorica, con un'empirica divisione del tono e l'applicazione di concetti teorici derivati dai trattati sull'ottica, è anteriore al fondamentale incontro con Giovanni Segantini dell'estate del 1898, quando venne chiamato quale assistente del maestro per il Panorama di Saint Moritz, e va dunque ricercata nella formazione vigezzina e nei contatti precoci con Lione. Prendendo in esame i due decenni più importanti per l'artista e il divisionismo italiano, gli anni compresi tra il 1890 e il 1910, il catalogo illustra l'evoluzione tecnica del pittore e l'ineluttabile legame con la sua iconografia. Fornara era rimasto l'unico fra i divisionisti la cui opera non era stata oggetto di indagini diagnostiche non invasive, utilizzate per "entrare nel dipinto" osservandone la genesi: la pubblicazione colma tale lacuna presentando un resoconto illustrato delle recenti ricerche scientifiche condotte su cinque opere.

Grande solennità e manifestazioni di gioia: così viene celebrata la fondazione della Repubblica popolare cinese nel 1949. Un momento storico molto importante, documentato in coloratissimi Manifesti del Nuovo Anno. Le 35 opere qui selezionate vanno dal 1949 al 1953, anni che rappresentano un periodo cruciale, quando le esigenze della propaganda politica trovano nel profondo tessuto dell’arte popolare cinese uno speciale e felice momento di sintesi. Questi manifesti sono esposti nella mostra organizzata dall’Istituto Confucio dell’Università degli Studi di Milano in collaborazione con lo Shanghai Propaganda Poster Art Centre.

Con "Primitive elements" Francesco Bosso propone una sintesi della sua ricerca fotografica portata avanti negli ultimi quindici anni in zone del mondo ancora incontaminate, pure e primitive così come appaiono ai nostri occhi. La riflessione del fotografo parte dalla consapevolezza che il cambiamento climatico è divenuto oramai un'emergenza globale. Così "Primitive elements" traccia un percorso di conoscenza tra scenari e paesaggi naturali fatti di ghiacciai, scogliere, oceani, isole vergini, foreste pluviali: ritratti di una terra ideale, luogo incontaminato ormai in via di sparizione che non saremo in grado di lasciare in eredità alle generazioni future. La fotografia di Bosso, scrive Filippo Maggia, "è fatta di tempo, di silenzio, di spazi conquistati e ordinati. Una consonanza di intenti che solo l'esperienza può rendere espressione compiuta".

Il volume raccoglie circa trecento immagini del fotografo Amedeo M. Turello, che in oltre vent’anni di carriera ha immortalato i più importanti esponenti del mondo dell’arte, del cinema, della cultura, della moda e dell’industria. Da un lato i ritratti di personaggi italiani celebri, realizzati in condizioni il più possibile naturali, sia per luce sia per semplicità compositiva, per cogliere la loro essenza più intima e sincera; dall’altro i paesaggi, scorci del nostro Paese, vedute nelle quali si alternano bellezze e contraddizioni, natura e cultura, testimonianze della varietà dei luoghi, delle storie e delle persone.

Poche sono le istituzioni di origine medievale, ancora esistenti, che mantengono le stesse funzioni e la medesima struttura. A Bologna è attiva dalla prima metà del XII secolo la Compagnia dei Lombardi, nata per difendere gli interessi e dare sostegno alle famiglie originarie della Langobardia major. Nel corso dei secoli furono a essa aggregati prestigiosi esponenti della società bolognese e ancora oggi i "Lombardi" portano avanti questa tradizione e custodiscono un importante patrimonio culturale, composto dai documenti del ricco archivio e da un'interessante raccolta di dipinti. Per fare in modo che alcune opere di particolare pregio possano essere fruite da un pubblico più vasto e per rendere maggiormente nota la propria realtà, la Compagnia ha deciso di depositare presso i Musei Civici d'Arte Antica di Bologna quattro tavole della fine del XIV secolo dipinte da Simone di Filippo detto 'dei Crocifissi' e altre quattro realizzate da Giovanni da Modena verso la metà del XV secolo, tutte raffiguranti santi e sante verso i quali era viva la devozione cittadina. Questi otto capolavori della pittura gotica e tardogotica bolognese, appartenuti un tempo a due polittici di discussa provenienza, sono presentati insieme a documenti che raccontano la storia della Compagnia, visibili nelle sale delle Collezioni Comunali d'Arte.

"Ho due vite e una sola biografia", diceva Thomas Oberlender, drammaturgo originario della Germania Est. Le immagini e i testi raccolti in questo volume indagano su queste doppie vite a partire dai 100 marchi di benvenuto – il cosiddetto Begrüßungsgeld – offerti dalla Repubblica Federale Tedesca a ogni abitante proveniente dall'Est la prima volta in visita al paese: un regalo altamente simbolico nella memoria di ogni persona nata nella DDR. Il fotografo Tommaso Bonaventura e la curatrice Elisa Del Prete affrontano la complessità e l'unicità del cambiamento avvenuto con la scomparsa di questo Paese in un racconto plurale, dove la storia è intimamente mescolata alla vita dei singoli.