Silvana

Il volume intende indagare territori meno esplorati e angolazioni nuove del leonardismo. Vedere affiancate diverse opere quasi mai esposte precedentemente permette di riflettere sui vari stadi dell'influenza di Leonardo su alcuni artisti a lui contemporanei o di poco successivi. Fulcro della trattazione è la tavola della parrocchiale di Santa Giustina ad Affori raffigurante la Vergine delle rocce, generalmente ascritta a Luini o alla sua cerchia, prestito eccezionale in quanto non si vedeva in una rassegna pubblica da quasi quarant'anni, a cui sono state affiancate altre tre redazioni più un magnifico Giampietrino conservato alla Pinacoteca Albertina di Torino, anch'esso ispirato, molto liberamente, al capolavoro leonardesco. Sono illustrate anche un paio di opere influenzate in varia misura dall'inafferrabile e tuttora misterioso modello della "Madonna dei fusi" (tra cui una del tutto inedita, di grande finezza), due bellissime tavolette da soffitto, una scultura lignea inedita di altissimo livello e un notevole tardo Cesare Magni recentemente riscoperto, ricco di influenze extraleonardesche, dipinto proprio negli anni in cui il pittore lavorò per Vigevano. Significative sono anche sembrate le possibili influenze più o meno mediate del leonardismo sulla pittura piemontese, qui rappresentata da due incantevoli opere (poco note) di Defendente Ferrari e Gandolfino da Roreto. Si tratta dunque di opere poco conosciute al pubblico che permettono una stimolante riflessione su quanto il potente modello leonardesco abbia intrigato generazioni di artisti, non solo lombardi.

Nono tomo dei cataloghi scientifici delle collezioni civiche di Vicenza, il volume è dedicato alle collezioni ottocentesche di pittura, scultura e arti applicate. La collezione ottocentesca prese forma grazie all'opera lungimirante dell'abate Antonio Magrini, che, allestendo nel 1855 la mostra inaugurale del nuovo Museo civico nel palazzo dei Chiericati, acquisito nel 1839 dalla Municipalità, sollecitò gli artisti espositori a donare le loro opere. A questo primo nucleo di dipinti e sculture si aggiunsero nei decenni successivi numerose donazioni da parte di cittadini vicentini. Questo catalogo, frutto delle indagini sui carteggi conservati presso le istituzioni vicentine, non solo consente il riordino e la pubblicazione scientifica delle opere, ma si offre come preziosa testimonianza di un'epoca della quale valorizza gli aspetti culturali e la sensibilità diffusa verso l'arte che fin da allora convergeva verso il museo cittadino.

Antonio Canova giunse a Roma nel 1779 e qui rimase, con brevi interruzioni, per tutta la vita. Nonostante i frequenti viaggi - all'estero o nei luoghi delle sue origini - la città, con i suoi monumenti e la sua storia, fu la fonte inesauribile della sua ispirazione. Nel raccontare l'eterna bellezza della produzione dello scultore, il volume approfondisce il suo legame con l'Urbe, che emerge in molteplici aspetti. Vengono analizzati il contesto che lo scultore trovò giungendo nella città eterna, il confronto con il mondo antico, le personalità con cui entrò in contatto; quindi il legame con l'Accademia di San Luca e gli incarichi cui attese in qualità di ispettore delle Belle Arti in un periodo di profondi rivolgimenti politici, le ultime commissioni per la città e le celebrazioni che seguirono la sua morte. Un capitolo specifico è riservato infine alle opere di Mimmo Jodice dedicate ai capolavori del maestro veneto, straordinaria documentazione della volumetrica complessità delle statue, della gravità o leggiadria delle loro espressioni. Con circa centosettanta opere di Canova e di artisti a lui coevi, questa pubblicazione costituisce un imprescindibile riferimento per la conoscenza del più importante artista dell'età neoclassica.

Storia del design e storia delle innovazioni tecnologiche s’intrecciano in maniera indissolubile nelle pagine di questo manuale. Tante sono le discipline qui considerate. Oltre al campo del design per l’arredo – che spesso esemplifica in maniera eccellente le più ampie linee di ricerca progettuali – è stato preso in esame un largo ventaglio di settori: da quello degli oggetti tecnici alla grafica e alla moda, dal car design a quello sociale, includendo il più delle volte riflessioni sulla ricaduta che il progetto ha sulla storia del costume nelle sue applicazioni alla vita reale.

L’arte “vulcanica” di Cai Guo-Qiang a Pompei e a Napoli ristabilisce il legame tra lo spirito degli antichi e la sensibilità contemporanea. In collaborazione con il curatore Jérôme Neutres, questo pioniere dell’arte dell’esplosione noto a livello internazionale dà vita a un nuovo dialogo con i capolavori del Museo Archeologico Nazionale di Napoli, come la Venere Callipigia, l’Ercole Farnese e l’Atlante, ma anche gli affreschi e i mosaici. Con la consueta maestria, Cai Guo-Qiang crea un nuovo corpus di opere attraverso un affascinante “Explosive Studio” nell’anfiteatro di Pompei. Evocando la catastrofe del 79 d.C. che causò la distruzione della città ma anche la conservazione dei suoi tesori sotto le ceneri dell’eruzione, l’arte nasce – o meglio rinasce – dalle viscere magmatiche del Vesuvio. La distruzione dà luogo così a una nuova creazione e la storia diviene fonte d’ispirazione illimitata.

L’arte “vulcanica” di Cai Guo-Qiang a Pompei e a Napoli ristabilisce il legame tra lo spirito degli antichi e la sensibilità contemporanea. In collaborazione con il curatore Jérôme Neutres, questo pioniere dell’arte dell’esplosione noto a livello internazionale dà vita a un nuovo dialogo con i capolavori del Museo Archeologico Nazionale di Napoli, come la Venere Callipigia, l’Ercole Farnese e l’Atlante, ma anche gli affreschi e i mosaici. Con la consueta maestria, Cai Guo-Qiang crea un nuovo corpus di opere attraverso un affascinante “Explosive Studio” nell’anfiteatro di Pompei. Evocando la catastrofe del 79 d.C. che causò la distruzione della città ma anche la conservazione dei suoi tesori sotto le ceneri dell’eruzione, l’arte nasce – o meglio rinasce – dalle viscere magmatiche del Vesuvio. La distruzione dà luogo così a una nuova creazione e la storia diviene fonte d’ispirazione illimitata.

Aperto al pubblico nel 1999, il Museo Accorsi-Ometto è uno scrigno di capolavori d'arte decorativa, risalenti a un periodo compreso tra il Rinascimento e l'Ottocento. Realizzato da Giulio Ometto secondo le intenzioni del famoso antiquario Pietro Accorsi, raccoglie più di tremila opere, divise tra argenterie, porcellane, mobili, dipinti e sculture. Espressione di un gusto per l'arredo prezioso e raffinato che ha caratterizzato l'intera società italiana del Novecento, è composto da venticinque sale, ognuna contraddistinta dalla presenza di manufatti rari e unici. Fra le eccellenze, la straordinaria collezione di mobili intarsiati di Pietro Piffetti, tra i quali il celeberrimo doppio-corpo firmato e datato 1738, universalmente considerato tra i mobili più belli al mondo. Questa seconda edizione del volume, ampliata e completamente aggiornata, viene pubblicata in occasione dei venti anni dall'apertura del museo: è un itinerario fotografico del percorso espositivo, dove ogni immagine racconta la storia di un patrimonio la cui importanza non conosce limiti di spazio e di tempo.

La poliedrica attività di Nanda Vigo, divisa tra arte, architettura e design, viene analizzata da Marco Meneguzzo come un unitario progetto di vita, nel grande solco della Modernità europea. Protagonista del clima culturale milanese degli anni Sessanta, Vigo realizza i suoi "Cronotopi" dal 1963, in pieno spirito del gruppo transnazionale ZERO. Partecipe delle avanguardie, l’artista elabora un proprio pensiero sulla luce, la trasparenza, l’immaterialità che deve costituire l’opera e l’ambiente abitabile dell’essere umano. Nella loro versione degli anni Sessanta, i "Cronotopi" sono la quintessenza del suo modo di intendere l’arte: una situazione esistenziale che consente di vivere esperienze trascendenti, oltre la materialità del quotidiano per riuscire a percepire fisicamente una realtà più alta, una sintonia universale attraverso la contemplazione, la smaterializzazione, la comunione con l’Altro.

Avete mai osservato l’inquieta eleganza del germoglio di soia che lo fa assomigliare a un serpente? E la meravigliosa perfezione geometrica dell’infruttescenza del tarassaco o la forma armata della foglia di melissa che ricorda il guscio di una tartaruga? Attraverso le immagini di Giovanni De Sandre avrete modo di penetrare nel magico mondo di erbe e piante spesso così comuni da invadere i cigli delle nostre strade eppure così straordinarie da essere elementi fondamentali della moderna fitoterapia. Questo libro vi introdurrà alla scoperta della ricchezza nascosta nella natura intorno a noi e sarà come avventurarsi in una foresta primordiale ricca di vita, di forme e di colori, potente e benefica. Sarete affascinati dalla storia e anche dai fondamenti scientifici per cui queste piante sono così importanti per il nostro benessere, la nostra salute e la nostra bellezza e d’ora in poi guarderete alla loro semplicità con occhi diversi.

Artisti, artigiani, registi di storie, Bertozzi & Casoni, in un continuo, appassionato, dissacrante e intimo rapporto con l'arte, scrivono, tra ironia e poesia, la scenografia perfetta di una società imperfetta, dove tutto scorre, dove tutto ciò che potrebbe sembrare banale, anonimo, di cui non abbiamo più bisogno e di cui cerchiamo di liberarci, diventa importante, perché tutto è sostanza del mondo ed è quindi degno di essere indagato e raccontato.

Vittorio Corcos nasce a Livorno da famiglia ebraica e si forma all'Accademia di Firenze e in quella di Napoli, città da lui ambita per la presenza di Domenico Morelli, convinto assertore del concetto di verità. Nel 1880 inizia l'esperienza parigina frequentando il vivace salotto di Giuseppe De Nittis, collettore degli 'italiani di Parigi', ed entrando nell'orbita del mercante Goupil, che sarà tramite di una precoce fortuna internazionale del pittore, favorita dalla sua straordinaria abilità di ritrattista. Nel 1886 rientra a Livorno e sposa Emma Rotigliano, che sarà la "gentile ignota" corrispondente di Giovanni Pascoli, per poi trasferirsi a Firenze dove riceverà il battesimo in San Giovanni il 9 dicembre 1887. Il salotto di casa Corcos diviene da allora meta ambitissima di letterati e artisti, riflesso del milieu culturale aggiornato e poliglotta che si riflette nell'opera dell'artista impegnato nell'illustrazione di libri e riviste, ma soprattutto nel ritrarre protagonisti della società di fine secolo (Carducci, Mascagni, Lega) e donne eleganti e famose (Lina Cavalieri, Maria Josè), signore aristocratiche ambientate nello sfarzo delle loro dimore. Non mancano nella sua produzione quadri di soggetto campestre e popolare che attestano la predisposizione dell'artista ad aderire anche alle poetiche del naturalismo e alla richiestissima pittura di genere, ma la sua fama rimane legata a quelle figure femminili che furono dette "creature che hanno in sé qualche cosa del fantasma e del fiore" e che trovano la più coinvolgente rappresentazione nella giovane introversa e 'medusea' che compare nel quadro intitolato "Sogni".

Il volume documenta uno spaccato della cultura figurativa perugina del XV secolo, attraverso l’analisi di una raccolta tanto insolita quanto preziosa, ovvero quella di una serie di cassoni o cofani nuziali in uso nelle dimore rinascimentali italiane. Questi manufatti, di cui solo pochi esemplari sono giunti fino ai nostri giorni, rappresentano rari frammenti della vita privata delle ricche famiglie che li avevano commissionati. Costruiti in coppia e destinati a contenere il corredo delle spose di famiglie nobili e borghesi, erano spesso decorati sul lato anteriore con ornamenti realizzati in pittura, in intaglio, in gesso dorato. Il volume documenta i preziosi esemplari, provenienti da importanti collezioni d’arte italiane e straniere, affiancati da dipinti coevi, alcuni dei quali ascrivibili alla personalità poco nota di Giovanni di Tommasino Crivelli e alla sua bottega. Testi di: Andrea De Marchi, Chiara Guerzi, Matteo Mazzalupi, Veruska Picchiarelli, Chiara Ravalli, Alessandra Tiroli, Emanuele Zappasodi.