Silvana

Nella collezione della Veneranda Biblioteca Ambrosiana si conservano decine di disegni eseguiti da Leonardo da Vinci e dai cosiddetti artisti leonardeschi. In questo volume si presenta un’accurata selezione di questi capolavori della grafica rinascimentale realizzati dal maestro vinciano e da pittori quali Giovanni Antonio Boltraffio, il Maestro della pala sforzesca, Marco d’Oggiono, Giovanni Agostino da Lodi, Francesco Napoletano, Francesco Melzi, Cesare da Sesto e Bernardino Luini. Essi testimoniano la profonda risonanza che il magistero di Leonardo ebbe su allievi, seguaci e artisti lombardi dell’epoca nel campo del disegno, grazie alle novità che introdusse, alcune retaggio della formazione fiorentina, altre legate alla sua attitudine sperimentale. Il quinto centenario della morte di Leonardo è un’importante occasione per aggiornare le ricerche storico-artistiche, con il supporto di quelle tecnico-scientifiche: i risultati di questi studi sono presentati nei saggi, arricchiti da un significativo repertorio iconografico.

Rimasto isolato per più di due secoli, nel 1854 il Giappone iniziò a instaurare rapporti diplomatici e commerciali con gli Stati Uniti, la Russia, l’Inghilterra e la Francia, oltre ai Paesi Bassi con cui già in precedenza avevano avuto scambi privilegiati. Dopo l’Esposizione universale di Parigi del 1867 la passione per l’arte giapponese, il cosiddetto Japonisme, travolse molti artisti, divenendo una vera e propria moda culturale. Il periodo di maggior diffusione di questa tendenza coincise appieno con le varie declinazioni del Liberty. Nella Francia fin de siècle l’influsso dell’arte giapponese, sia a livello formale che contenutistico, coinvolse i più svariati settori artistici, dalla pittura alla grafica, dalla ceramica all’architettura, lasciando il segno in artisti come Eduard Manet, Claude Monet, Edgard Degas, e Vincent van Gogh. L’effetto esercitato dalle stampe giapponesi su Whistler – che abbigliava spesso le sue modelle con kimono, paraventi e ventagli giapponesi ripresi dalla sua preziosa collezione – e sugli impressionisti e sui postimpressionisti fu accompagnato dal controcanto dei più autorevoli critici e letterati, da Marcel Proust a Edmond de Goncourt, il quale arrivò ad affermare “tutto l’impressionismo è dovuto alla contemplazione e all’imitazione delle stampe luminose del Giappone”. Il volume offre una rassegna dell’impatto del Giappone sulle arti figurative europee, dalla Francia all’Inghilterra, dall’impero austro-ungarico alla Germania e fino alla Boemia e alla Moravia, in un arco temporale che va dal 1860 al 1915, attraverso un vasto repertorio di opere – dipinti, sculture, ceramiche, manifesti e incisioni – realizzati sotto la diretta influenza di grandi artisti come Katsushika Hokusai, Utagawa Hiroshige e Kitagawa Utamaro. Saggi di: Manuel Carrera, Marco Fagioli, Giovanni Fanelli, Mario Finazzi, Jean- David Jumeau-Lafond, Maria Paola Maino, Rossella Menegazzo, Francesco Parisi, Marc-Olivier Ranson Bitker, Anna Villari.

Esplorando nuove modalità compositive, alcuni dei principali protagonisti della scena artistica internazionale hanno coniugato arte e natura per formulare visioni utopiche e sperimentali, politiche e sociali, identitarie, multiculturali, filosofiche e narrative, elementi nei quali l'artificio diviene metafora per definire lo stato di evoluzione del genere umano, la sua storia, la sua individualità e la sua crisi. Crisi che trova una contrapposizione nel fiorire di pratiche indirizzate dall'idea di un impegno politico-ecologico e che intende formulare nuovi scenari con teorici e artisti impegnati in prima linea: modelli di vita sostenibile che nel tempo possano far fiorire una foresta di impulsi di libertà e diritti condivisi, che attraverso l'attivismo culturale possano contrastare una situazione che potrebbe divenire irreversibile. Attraverso i suoi artisti e le loro opere, "Foresta urbana" ci indica una via, una traiettoria con cui investigare e dirigere l'attenzione verso una nuova ecologia culturale, per cercare di contrastare, nel segno dell'arte, una crisi ambientale senza precedenti.

Scultore, ricercatore, disegnatore e a volte chef, l'artista americano di origine irachena Michael Rakowitz (New York, 1973) prende spunto dalle storie di edifici e oggetti per creare ambienti coinvolgenti. Mosso dalle aspirazioni utopiche e dai disastri della modernità, il suo lavoro si concentra sul luogo e sul tempo: la modernista St. Louis, lo stile liberty di Istanbul, l'Afghanistan post-talebano, l'Iraq al volgere del secolo. Un instancabile narratore che esplora la caduta del conflitto e dell'esilio mentre si diletta nelle strategie vernacolari e attiviste che le comunità adottano per sopravvivere. Questo catalogo ampiamente illustrato delle sue opere più importanti è accompagnato da un saggio di Carolyn Christov-Bakargiev, un'intervista all'artista di Iwona Blazwick insieme ai contributi di Habda Rashid, Nora Razian, Ella Shohat e Marianna Vecellio.

In occasione della prima mostra monografica a lui dedicata, il volume presenta il pittore di origini modenesi Oscar Sorgato (Modena, 1902 - Milano, 1941), la cui breve carriera si svolse pressoché interamente nel fervido clima artistico della Milano degli anni trenta. L'artista è un testimone sensibile di quel delicato passaggio che porta al superamento dei canoni plastici di "Novecento Italiano" in favore di un rinnovato approccio pittorico che si organizzò nel movimento del chiarismo, caratterizzato da una pennellata sciolta, tenue e luminosa, di matrice neoimpressionista. La produzione di Sorgato si concentra su due temi fondamentali: la pittura di paesaggio e il ritratto. L'artista, con la sua galleria di personaggi, ci restituisce uno spaccato sociale che ci introduce nei turbamenti e nelle fragilità della borghesia milanese nei complessi anni del Ventennio, con una particolare attenzione nei confronti della condizione femminile. Un'atmosfera evocata anche dai racconti composti per l'occasione dagli scrittori Andrea Vitali e Roberto Barbolini che proiettano nella dimensione della finzione letteraria alcune delle figure ritratte da Sorgato, risvegliandole così dalla loro immobilità, per diventare personaggi e interpreti delle loro storie. La mostra, a cura di Stefano Sbarbaro e Cristina Stefani, è una produzione dei Musei Civici di Modena e Collezione Koelliker e rientra tra gli eventi dell'edizione 2019 del Festivalfilosofia dedicato al tema della persona.

Francesco Radino (Bagno a Ripoli, Firenze, 1947) è uno dei maestri della fotografia italiana contemporanea. Attivo da cinquant'anni in molti ambiti, dall'indagine sociale alla rappresentazione del paesaggio antropizzato, impegnato nell'elaborazione di un immaginario che parte dal reale ma costruisce variegate stratificazioni visive, è una figura dalla creatività libera che si colloca fuori dagli schemi. Partecipe degli sviluppi della fotografia di ricerca sul paesaggio contemporaneo, negli anni ha sviluppato un modo intimo di concepire l'immagine. Il suo lavoro va dunque oltre il genere del paesaggio, aprendosi a ogni aspetto del mondo, dalla natura, sua grande passione, ai territori urbanizzati, dalla figura umana agli oggetti e alle architetture, in continui rimandi formali che affermano continuamente che il mondo è uno solo e la sua complessità non può essere guardata per settori separati. "Il mondo delle forme si libera - scrive - e va al di là del senso immediato", a legare immagini tra loro diverse c'è "un filo sottile ma forte che parla il linguaggio della vicinanza" ed esse sono "indicatori della realtà, ma ci permettono anche di intravvedere la possibilità di una via d'uscita da essa". Forte di una cultura visiva profonda (il nonno fotografo, il padre e la madre entrambi pittori), frequentatore delle culture orientali, Radino immagina, attraverso la fotografia, un mondo di figure varie, tutte meritevoli di essere guardate e pensate, in una continua oscillazione dalla natura alla cultura.

Storia del design e storia delle innovazioni tecnologiche s’intrecciano in maniera indissolubile nelle pagine di questo manuale. Tante sono le discipline qui considerate. Oltre al campo del design per l’arredo – che spesso esemplifica in maniera eccellente le più ampie linee di ricerca progettuali – è stato preso in esame un largo ventaglio di settori: da quello degli oggetti tecnici alla grafica e alla moda, dal car design a quello sociale, includendo il più delle volte riflessioni sulla ricaduta che il progetto ha sulla storia del costume nelle sue applicazioni alla vita reale.

Gennaio 1954, la televisione inizia il suo servizio regolare e tre anni più tardi nasce la prima rubrica televisiva pubblicitaria italiana, Carosello, ed è rivoluzione. Il volume racconta la storia della pubblicità italiana nei vent’anni di vita di Carosello e il modo in cui la televisione ha modificato il peso e l’importanza dei diversi media, spodestando quello che, fino ad allora, era stato il protagonista, il manifesto. Le rigide regole che obbligavano a costruire ogni volta uno spettacolo nuovo accanto al breve codino pubblicitario hanno reso Carosello fucina di creatività e palestra professionale unica al mondo per animatori, illustratori, pubblicitari, autori, sceneggiatori, registi, attori e maestranze, che si sono cimentati nella produzione di oltre 30.000 spettacoli, uno diverso dall’altro.