Silvana

Le fotografie di Marco Beck Peccoz, accompagnate da brevi testi storici e da un’introduzione di Antonio Paolucci, guidano alla scoperta di nove itinerari posti in luoghi di grande fascino paesaggistico, su cui si snodano teorie di cappelle che raccontano, con statue e affreschi, temi cari alla devozione cattolica. Il più antico Sacro Monte, quello di Varallo, iniziato nel tardo Quattrocento per volontà di un frate francescano, voleva condurre in una sorta di viaggio virtuale in Terra Santa quei visitatori che non potevano andarci in pellegrinaggio, riproducendo i luoghi storici legati alla vita di Cristo e popolandoli con immagini che mostravano quel che era avvenuto al loro interno. Grazie a Gaudenzio Ferrari, che vi lavorò nel primo Cinquecento, gli episodi del Vangelo vennero illustrati in scene di intenso naturalismo, con figure tridimensionali in tutto simili a persone vere, per fisionomia e sentimenti, con il fine di coinvolgere emotivamente i fedeli. A questo modello si ispirarono i Sacri Monti costruiti dopo il Concilio di Trento a Orta, Crea, Varese, Oropa, Ossuccio, Ghiffa, Domodossola e Belmonte, che sperimentarono questa nuova ed efficace forma di comunicazione religiosa. Nei Sacri Monti operarono artisti importanti come Gaudenzio Ferrari, i pittori Fiammenghini, Morazzone, Tanzio da Varallo, Moncalvo, gli scultori Tabacchetti e Prestinari, Giovanni d’Enrico, Dionigi Bussola, Giuseppe Rusnati, Antonio Busca, che sovente si alternarono nei diversi complessi costruendo scene vive e reali, coinvolgenti e ricche di pathos, attuali oggi come allora per i fedeli e i cultori di arte.

Pablo Picasso riservò grande interesse nei confronti della ceramica, che considerava un mezzo di espressione artistica alla stregua della scultura, della pittura, della grafica. A Vallauris, presso l’atelier ceramico di Madoura, egli si dedicò alla lavorazione dell’argilla per venticinque anni, dal 1946 al 1971, producendo migliaia di pezzi. Il volume indaga questo eccezionale capitolo dell’arte del grande maestro spagnolo attraverso cinquanta ceramiche provenienti dal Musée national Picasso-Paris – un nucleo di inestimabile valore, che rappresenta quasi la metà della grande collezione di ceramica del museo – poste in un dialogo con opere conservate al Museo Internazionale delle Ceramiche in Faenza, fonti dirette della sua ispirazione: la ceramica classica a figure rosse e nere, i buccheri etruschi, la ceramica popolare spagnola e italiana, il graffito italiano quattrocentesco ed esemplari di area mediterranea con iconografie di animali, senza dimenticare le terrecotte delle culture mesoamericane. Questa mostra si inserisce nel progetto “Picasso Mediterraneo”, un evento culturale di respiro internazionale che si svolge tra il 2017 e il 2019. Il programma coinvolge oltre settanta istituzioni e comprende una serie di iniziative articolate intorno all’opera “ostinatamente mediterranea” di Pablo Picasso. L’itinerario tra i luoghi dell’arte picassiana, promosso dal Musée national Picasso-Paris, offre un’inedita esperienza culturale con l’obbiettivo di rafforzare i legami tra le diverse sponde del Mediterraneo.

Douglas Kirkland (Toronto, 1934) è una leggenda nel campo del fotogiornalismo e della fotografia di moda e di cinema. Ha lavorato per le riviste più rinomate del mondo per oltre cinquant’anni, firmando alcuni dei più celebri ritratti dell’élite di Hollywood. Entrato nello staff di Life Magazine, vi ha prestato servizio negli anni Sessanta e Settanta – l’età d’oro del fotogiornalismo – lavorando come unico fotografo per centinaia di film, da “The Sound of Music”, a “Moulin Rouge” a “Titanic”. Il suo ampio archivio di ritratti – fra i quali spicca un celebre portfolio di Marilyn Monroe, intimo e seducente, realizzato in una notte del 1961 – include Elizabeth Taylor, Coco Chanel, Jack Nicholson, Brigitte Bardot, Naomi Campbell, solo per citarne alcuni. Il volume raccoglie un’antologia di scatti fra i più significativi della sua lunga attività, accompagnati da un testo critico di Walter Guadagnini e da un contributo della moglie Françoise.

I marmi antichi e 'all'antica' del Museo di Arti Decorative Accorsi-Ometto costituiscono un nucleo di sculture non certo grande, ma selezionato con cura. Quasi tutti vantano un'origine d'eccezione e hanno un'interessante storia da raccontare. Due di essi provengono da Roma e in passato appartenevano alle più celebri raccolte di antichità della capitale: quella avviata, fin dal primo Cinquecento, dal banchiere Bindo Altoviti e quella creata nell'Ottocento dai principi Torlonia. Vi è poi una rara testimonianza statuaria dell'antica Dertona romana, l'attuale Tortona. Da tempo queste opere avevano fatto perdere le loro tracce: gli studiosi le avevano cercate a lungo, invano, e le avevano, infine, date per disperse. A intercettarle e a condurle, tutte insieme, nelle collezioni del museo è stato il fiuto da antiquario di Pietro Accorsi, che di questi marmi aveva capito il valore e che, forse, li aveva persino riconosciuti. Questo studio, che si accompagna a un recente intervento di pulitura e restauro e a un nuovo allestimento espositivo, permette ora di recuperare la loro lunga storia e di presentarla al pubblico.

Il volume accompagna l'esposizione in Europa sull’americano Richard Artschwager (Washington, 1923-2013), un progetto internazionale a cura di Germano Celant. Volta alla comprensione dello spazio, degli oggetti quotidiani e della percezione, la poetica di Artschwager si è imposta come un unicum nell’arte del secolo passato. Le sue opere affrontano la rappresentazione di strumenti utilitari riprodotti con materiali industriali come la formica, il celotex, la pittura acrilica, l’alluminio. A questi aspetti fondanti si aggiunge l’attenzione alla forma geometrica pura e all’illusionismo pittorico. Il risultato sono pitture e sculture che sospendono le categorie dell’immagine e degli oggetti in un limbo fra lo spazio che fisicamente occupano, l’utilità a cui rimandano e la rappresentazione artistica.

"The dark side. Chi ha paura del buio?" è il progetto di Danilo Eccher dedicato al “lato oscuro” che è in ognuno di noi, agli inciampi reali o presunti della vita che impongono una pausa, una riflessione, che fanno battere il cuore ma, allo stesso tempo, accendono nuovi pensieri, nuove prospettive. Un percorso che coinvolge alcuni dei più importanti artisti internazionali: da maestri ampiamente riconosciuti ai nuovi protagonisti della scena artistica contemporanea. Un’esperienza sulla parte non detta del pensiero, sui segreti della nostra anima, ma anche sulla curiosità di questa sfida, sul coraggio nell’attraversare il buio, sulla necessità di oltrepassare ogni paura. Artisti: Christian Boltanski, Monica Bonvicini, James Lee Byars, Monster Chetwynd, Gianni Dessì, Gino De Dominicis, Flavio Favelli, Sheela Gowda, Robert Longo, Hermann Nitsch, Tony Oursler, Gregor Schneider, Chiharu Shiota.

Verso la metà dell’Ottocento, un nuovo mondo si aprì all’Occidente quando gli europei si addentrarono per la prima volta nell’entroterra dell’isola del Borneo. Le spedizioni scientifiche e militari, che si inoltrarono nella foresta per raccogliere informazioni sulle risorse naturali e sugli abitanti nativi Dayak, dovettero fare i conti sia con impegnative vie d’accesso, sia con bellicosi popoli che difendevano il proprio territorio. La maniera occidentale di guardare al Borneo fu influenzata dalle dure esperienze di tali spedizioni, che delinearono nell’immaginario occidentale una doppia percezione dell’isola: la lussureggiante foresta pluviale e l’incontaminata bellezza della sua natura, che rimandavano all’idea di una primordiale età dell’oro, costituirono gli estremi di una visione che trovava, sul lato opposto, i nativi Dayak, rappresentati nella letteratura e nell’iconografia del tempo come crudeli cacciatori di teste. L’arte del Borneo, concepita in modo stereotipato, si portò appresso il peso di tale retaggio e fu segnata dalle stigmate del feticcio e dell’oggetto «primitivo». Osservandola da una tale prospettiva, fu inevitabile che da essa derivasse una visione distorta dell’elaborata tradizione culturale dayak, le cui manifestazioni ne rivelano invece la sorprendente profondità.

L'incontro profondo tra Le Murate. Progetti Arte Contemporanea di Firenze e Paolo Masi ha generato un'opera site-specific che l'artista fiorentino ha dedicato a questo luogo unico, dalla storia lunga e articolata. Il progetto espositivo nasce da un confronto diretto fra artista, ambienti e storia del complesso cittadino delle Murate, nel segno di una nuova produzione. L'intero distretto è riletto da Masi come luogo della memoria legato alla reclusione - sia essa volontaria, quale convento, o coatta come carcere. Le opere esposte coinvolgono l'intero complesso monumentale, dagli spazi interni de Le Murate. Progetti Arte Contemporanea agli spazi pubblici come la facciata, la fontana di Piazza Madonna della Neve o l'interno del semiottagono. La relazione con gli spazi del distretto culturale delle Murate rende questo progetto una grande opera pubblica che riflette sulla storia di questo particolare brano di città.

Il libro raccoglie una serie d’interventi volti a indagare alcuni nodi critici che il progetto "Nouvelles flâneries", realizzato a Parma dall’artista Ettore Favini e curato da Valentina Rossi, ha fatto emergere, quali una rigenerata idea di monumento e di arte pubblica, una rilettura dell’oggetto scultoreo, la pratica del camminare e del viaggio come progettualità artistica, la mappatura come esito della ricerca e della necessità di definire gli spazi, il tema dell’archivio e della memoria. Gli autori inclusi nel volume sono, oltre a Ettore Favini e Valentina Rossi, Cristina Casero, Luca Cerizza, Fabiola Naldi, Enrico Rotelli, Carlo Gandolfi, Davide Papotti, Anna Zinelli, Marco Scotti, Anna Musini, Franca Zuccoli, Alessandra Scarazzato, Alessandra De Nicola. Il volume presenta un progetto fotografico realizzato da Antonio Rovaldi.

Primavera 1740. Bernardo Bellotto (1722-1780), nipote e allievo di Canaletto (1697-1768), parte diciottenne per la Toscana. Un intreccio di idee coraggiose e intelligenti è all’origine di questo viaggio. La prima, e fondamentale, è quella di creare nella Toscana dei Lorena il vedutismo, il più internazionale dei generi artistici del momento, architettata dal marchese Andrea Gerini (1692-1766), eccelso collezionista fiorentino, con l’amico veneziano Anton Maria Zanetti di Girolamo (1680-176l), conoscitore e antiquario. La seconda è la volontà di conferire al nascente vedutismo fiorentino del Settecento la modernità illuminista di Canaletto, invitando a Firenze il suo alter ego, come maestro di prospettiva e di tecnica pittorica e d’esempio per Giuseppe Zocchi (1717-1767). Affidare questa impresa a un artista giovanissimo significava riconoscere il suo genio: ma Zanetti, mecenate di Bellotto, uno dei personaggi più abili, brillanti e innovativi nel mondo culturale del Settecento, era infallibile nelle sue intuizioni. Bellotto supera la prova da ambizioso pittore illuminista e all’avanguardia, creando per la nobiltà toscana le vedute più emblematiche di Firenze e Lucca (dove si reca in autunno, prima di far ritorno a Venezia), per la prima volta riunite in mostra assieme alla serie di eccezionali disegni di Lucca raccolti dal re Giorgio III d’Inghilterra: immagini di grande bellezza e di un peculiare rigore prospettico e documentario. Questo volume racconta la straordinaria avventura toscana di Bellotto, quasi giorno per giorno, con le opere e i documenti che le accompagnano, inizio e punto di partenza della sua carriera di grande pittore europeo del Settecento.

Artista belga di fama internazionale, noto per le sue sperimentazioni e contaminazioni tra arte e scienza, Koen Vanmechelen (1965) ha imperniato il proprio lavoro sulla relazione tra natura e cultura cercando, attraverso la propria arte, di comprendere e interrogarsi sulle grandi sfide del XXI secolo. La sua arte è al tempo stesso espressione di un’estetica della meraviglia e di un’etica fondata sul valore della vita. Il volume presenta oltre sessantacinque lavori, realizzati tra il 1982 e il 2019, che raccontano l’articolato percorso artistico di Vanmechelen, mettendo in evidenza gli aspetti più prettamente plastici della sua opera, con un’attenzione particolare al carattere neo-barocco. Introdotto da un testo di Mario Botta, il volume raccoglie i saggi critici del curatore Didi Bozzini insieme a quelli dello storico dell’arte James Putnam, del biochimico Marcus Thelen. Seguono un’intervista di Pierluigi Panza all’artista e un saggio autobiografico di Vanmechelen.

Nel 2017, la Metropolitan Transportation Authority dello Stato di New York apre al pubblico la linea della metropolitana Second Avenue. Chuck Close (1940), figura di spicco dell'arte per i suoi ritratti e autoritratti dipinti in scala monumentale a partire da fotografie, realizza per la stazione 86th Street la serie "Subway portraits": dodici opere permanenti, dieci a mosaico, in collaborazione con Mosaika Art and Design di Montréal, e due in piastrelle ceramiche, in collaborazione con Magnolia Editions di Oakland. Il volume presenta le opere più recenti di Chuck Close, ma mette a fuoco l'intera ricerca dell'artista statunitense, indirizzata a indagare le innumerevoli possibilità di costruire, ricostruire e vedere il volto umano, attraverso soluzioni tecniche e linguistiche originali e di grande impatto, dall'Iperrealismo ai limiti dell'astrazione, sperimentando, per la prima volta, i materiali del mosaico e della ceramica.