Volontè & Co

Spunti e suggerimenti. Approfondimenti e consigli. Dopo il grande successo editoriale del primo libro, Maurizio prosegue nel tracciare linee maestre che costantemente richiamano alla riflessione, alla pianificazione di un percorso di studio, alla ricerca di una propria personalità musicale. Nuovamente, impegno e costanza nell'oltrepassare ostacoli, difficoltà, pigrizia e ricerca di scorciatoie, sono le doti richieste al musicista/bassista che vorrà portare fino in fondo anche questo nuovo volume. Il secondo volume esplora l'armonia a 4 parti, lo studio esteso delle triadi, le tetradi, l'armonia derivante dal modo maggiore e minore, le sostituzioni, lo studio approfondito degli arpeggi a quattro suoni con svariate tecniche differenti.

Manuale di nuova concezione nel quale sono instillati "in nuce" tutti i principi basilari di una metodologia moderna e funzionale. Esso potrà accompagnare l'allievo chitarrista nei primi anni della scuola media fornendogli una formazione adeguata per diventare a suo piacere un fine dilettante o per proseguire senza intralci il percorso conservatoriale.

Il nuovo album del pianista friulano di origini napoletane. Ha trascritto personalmente tutte le composizioni contenute in questa pubblicazione, includendo anche un suo manoscritto. Contiene gli spartiti per pianoforte dei 12 brani presenti in Don't forget to fly. The Second Life of Icarus, Morning Moon, Air Swimmer, Sky Flowers, Dance of Birds, On a Tightrope, Between Two Clouds, No Gravity, Like an Angel, Celestial Trees, Embrace of the Sun, Don't Forget to Fly.

Il racconto del canto come esperienza vissuta da molti anni, che continua oggi, attraverso diversi tipi di repertorio, della storia e recenti. Il libro porta molti esempi di questi repertori, leggibili in musica scritta e ascoltabili in audio. Sempre con il desiderio di coinvolgere e far crescere un popolo, intorno alla coscienza della fede e della Chiesa.

"Teoria e pratica musicale per la danza" è un libro per giovani danzatori che si approcciano per la prima volta al mondo musicale da un punto di vista teorico e analitico. Di norma i testi musicali contengono argomenti e nozioni troppo specifiche, pensate opportunamente per la formazione di un musicista; da qui l'esigenza di un testo pensato specificatamente per danzatori, più semplice, mirato allo sviluppo di competenze realmente utili, senza passare per tecnicismi vari. Gli argomenti prendono spunto dal lavoro svolto in compresenza con i maestri di danza e dalle curiosità mosse dei ragazzi. I materiali raccolti sono frutto di studi, approfondimenti tratti da libri di tecnica della danza classica, laboratorio coreutico e coreografico, libri di teoria musicale pilastri del mondo accademico, manuali di danza e di musica per la danza. L'obiettivo di questo testo è quello di fornire concetti teorici e materiali didattici che servano a sviluppare l'orecchio musicale affinché si possa affinare una buona capacità di comprensione del metro-ritmo, del tempo, dell'andamento, dell'espressione musicale, tematiche fondamentali per garantire a un ballerino una formazione a trecentosessanta gradi. In fase di lavorazione il secondo volume che permetterà ai ragazzi di approfondire gli argomenti contenuti nel primo attraverso lo studio analitico della struttura musicale e coreutica di alcune variazioni. A partire dalla classificazione degli strumenti musicali, si passerà alla familiarizzazione con la partitura e le relative trascrizioni per pianoforte, si studierà la struttura dell'opera e del balletto e come realizzare un'analisi musicale a partire dal riconoscimento di temi, tempi e sezioni.

Questo libro è il racconto di un percorso imprenditoriale, cristiano, umano, relazionale, di una persona che ha dato (ma è una storia che continua, non è l'archiviazione nostalgica di un passato glorioso) un contributo significativo alla storia della musica degli ultimi decenni. Lo ha fatto, come editore (Rugginenti Editore) e come discografico (Rusty Records), nei più svariati ambiti, da quello religioso a quello classico, dalla liturgia al cantautorato cristiano. Oggi molti cantano i canti di Sequeri, ascoltano le composizioni di Chailly, studiano sui testi di Surian, imparano a suonare col metodo Bastien, seguono i concerti dei Mnogaja Leta… ecco, dietro a tutto questo - e a molto, molto altro - c'è una persona che ci ha creduto, ci ha messo entusiasmo, passione, coraggio, capacità, e soprattutto Gioia. Quella vera, come dice spesso lui. Prefazione di Quirino Principe.

Impara l’armonia jazz, come viene insegnata al Berklee College of Music. Questo testo fornisce una solida base di principi armonici, supportando ulteriori studi di composizione, arrangiamento e improvvisazione jazz. Tratta i tipi di accordi di base e le loro tensioni, con dimostrazioni pratiche di come vengono utilizzati in caratteristici contesti jazz, le tracce audio (disponibili in download) consentono di ascoltarne l’applicazione pratica. Imparerai a: utilizzare le armonie di base che creano il suono caratteristico del jazz; espandere gli accordi di base di settima e di sesta con le tensioni disponibili; comprendere la relazione teorica tra accordi e scale e come utilizzare tale teoria nel processo creativo; comprendere la sintassi delle progressioni di accordi jazz; creare all’interno di contesti diatonici, blues e modali; costruire voicing di accordi appropriati per rinforzare le tue progressioni.

La forma armonica nella musica rock offre un approccio sistematico allo studio della popular music, sfidando il radicato pregiudizio di chi non la ritiene abbastanza raffinata. L'autore Drew Nobile propone la prima teoria completa della forma per il rock classico degli anni Sessanta, Settanta e Ottanta, mostrando come i brani dell'epoca non fossero soltanto sequenze di elementi separati, ma strutture armonico-formali coese lungo tutto il loro arco temporale. Sebbene gli elementi di coesione di un brano siano molti, il rock di quei decenni si costruisce fondamentalmente a partire dall'ambito armonico, originando differenti tipologie di strofe, ritornelli e bridge. L'analisi di Nobile, rigorosa senza mai essere impervia, dimostra come diversi artisti, da Bob Dylan a Stevie Wonder a Madonna, utilizzino sistematicamente le stesse strutture compositive attraverso vari generi e decadi, riunendole in un unico stile musicale. Servendosi di più di 200 trascrizioni, grafici e schemi formali, La forma armonica nella musica rock promuove un approccio strutturale all'analisi del rock, mettendone in luce caratteristiche essenziali di cui altrimenti non si potrebbe essere pienamente consapevoli.

Un metodo sulla tromba che affronta nello specifico il legato, pratica da inserire nel programma giornaliero di studio. Il libro si sviluppa in tre livelli. Nel primo, si introduce lo studente alla pratica del legato e lo si conduce al livello successivo solo dopo aver sperimentato e perfezionato la legatura dei suoni centrali. Il secondo livello amplia l'estensione attraverso una espansione della durata dei tempi e un aumento della resistenza. Nel terzo livello si sviluppa ulteriormente il registro acuto e bisacuto e apre alla pratica degli intervalli più estesi, aumentando la durata delle frasi e velocizzando gli intervalli

Questo libro offre ai batteristi di tutti gli stili un approccio progressivo per imparare e applicare la capacità di suonare a mani aperte sulla batteria moderna. Basato sui concetti sviluppati negli insegnamenti del grande Jim Chapin e della leggenda della fusion Billy Cobham, "Open-Handed Playing, Volume 1", non solo spiega i vantaggi che si ottengono evitando l'incrocio delle mani suonando la batteria, ma fornisce anche un metodo dettagliato, completo e accessibile per imparare questa tecnica. Applicato da batteristi di livello mondiale come Billy Cobham, Simon Phillips, Will Kennedy, Carter Beauford, Mike Bordin e dagli autori Claus Hessler e Dom Famularo, l'approccio open-handed è uno dei concetti più entusiasmanti della batteria e sta prendendo piede tra studenti e professionisti in tutto il mondo. Ora, per la prima volta, viene spiegato e insegnato in dettaglio. I musicisti di tutti gli stili troveranno una sfida seria ma realistica che aiuterà a perfezionare il bilanciamento tra le mani, ad ampliare la gamma di abilità e a sviluppare approcci innovativi per suonare la batteria. Applicando accenti e diversi livelli dinamici tra gli arti e guidando con la mano più debole, l'indipendenza viene portata a un livello più alto e più musicale. Scoprite l'emozione di guardare la batteria da un'altra prospettiva! Nel materiale audio di accompagnamento troviamo quattro tracce play-along in stile fusion (mixate con batteria, senza batteria con clic e senza batteria senza clic) utili per l'applicazione dei contenuti del libro. In "Open-Handed Playing, Volume 1" ci sono molti argomenti utili per la propria espressione artistica, sia he si decida di convertirsi completamente all'open-handed playing, sia che si voglia semplicemente strapolare determinati concetti.

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