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Il volume raccoglie i primi lavori di Jon Fosse, autore tra i più importanti e influenti del teatro contemporaneo. Già in questi scritti vengono tuttavia rivelati gli elementi fondanti della poetica del drammaturgo norvegese: una scrittura secca e affilata, in cui il ritmo serrato, fatto di non-punteggiatura e intonazioni volutamente ambigue delle battute, contraddistingue la parabola esistenziale di personaggi isolati, in continua ricerca del proprio Io e di una redenzione nel difficile legame con l'Altro.

Anche nel teatro recente si è parlato di un "trend del reale", riferendosi a spettacoli che mescolano racconti biografici, materiali di finzione e riferimenti all'attualità, con in scena attori professionisti e non. Un fermento che risponde alle mutazioni della società connessa ma da interrogare attraverso le trasmissioni, dirette o carsiche, delle "invenzioni" del Nuovo teatro italiano nelle sue diverse "ondate". Il volume, partendo dallo spaesamento dell'arte nella società globalizzata, fa il punto di queste tensioni discutendo alcune categorizzazioni critico-teoriche utili per ripensare la relazione teatrale. Con gli strumenti dell'inchiesta storica si raccontano estesamente diciassette spettacoli italiani, cui si aggiungono tre lavori internazionali e due approfondite conversazioni. Una mappa per orientarsi nel teatro di oggi attraverso il racconto di alcuni "oggetti teatrali non identificati".

Regista immortale della storia del cinema italiano, Monicelli seppe con le sue storie descrivere in maniera impareggiabile splendori e miserie dell’Italia del dopoguerra e degli anni Settanta e Ottanta. Attraverso toccanti ricordi e taglienti giudizi su arte, politica, società e costume, il volume, amaro e acuto memoir curato dalla collaboratrice e amica Anna Antonelli, fa emergere la voce ironica e cinica di un uomo e di un artista, per natura sempre controcorrente e anticonformista.

Nel volume sono raccolti articoli, recensioni, estratti di conferenze e riflessioni – oltre a due brevi testi teatrali – di uno tra i più importanti drammaturghi contemporanei. In questi scritti eterogenei viene svelato il retroterra culturale da cui trae spunto il complesso e affascinante teatro di Mayorga: dallo studio della matematica alla filosofia di Benjamin, dalla rilettura degli autori della tradizione non solo ispanica fino alla produzione teatrale che ruota intorno al macro tema dell’Olocausto e del «ripensare l’arte dopo Auschwitz», emergono lungo le pagine del libro la figura di un autore teatrale di talento e il profilo di un raffinato intellettuale.

Figura di assoluta centralità all’interno della cinematografia coreana, nell’arco di vent’anni Bong Joon Ho ha saputo ottenere un ampio successo sia a livello di pubblico che di critica divenendo uno dei più importanti cineasti contemporanei. Il volume, composto da una lunga e preziosa intervista e da una capillare analisi della filmografia, rappresenta uno studio fondamentale sull’arte e le modalità del processo creativo del regista di Parasite e Snowpiercer.

Autentico nomade del teatro, Kassim Bayatly ha saputo tramite la sua attività artistica e seminariale mettere in rapporto due mondi, quello del Medio Oriente con quello europeo, spesso distanti, ma in realtà contraddistinti da tratti comuni. In queste pagine l’artista iracheno, con il pretesto di narrare la sua storia, racconta in realtà un costante tentativo di integrazione culturale, in cui il performer assume «un ruolo intermediario, mediante le sue azioni rigeneratrici (narrazione, danza e canto) per costruire un ponte in cui si incontrano (e si compenetrano) l’immaginazione attiva, la memoria e l’immagine delle figure teatrali, per stimolare l’attenzione dell’essere-uomo-spettattore e rievocare la sua immaginazione attiva celata».

In un momento di frattura sociale e di spaesamento culturale, un selezionato gruppo di artisti di rilievo mondiale rispondono a un unico quesito: perché il teatro? Dal teatro classico alla performance art e alla danza, dall’attivismo al teatro politico, nel volume le testimonianze e le riflessioni di autori di tutti i continenti e di tutte le generazioni intorno a questa fondamentale domanda.

In un viaggio che tocca numerosi luoghi cardine della cultura drammaturgica europea, Corrado d’Elia e Sergio Maifredi incontrano i principali Maestri del teatro contemporaneo, riuscendo, lungo approfondite e interessanti conversazioni, a carpire segreti, ricordi e opinioni spesso del tutto inedite. "Ogni incontro alla fine si è rivelato semplice. Grandi uomini e grandi donne del teatro, grandi Maestri che si sono seduti davanti a noi per parlare di teatro e ragionare dei nostri dubbi. Una pratica, quella di domandare, tanto essenziale quanto rara, necessaria per smuovere e per capire, per fare il punto sui nostri pensieri più veri e aprirci nuove strade. Quella pratica che è alla base del lavoro teatrale, fatto com’è di un alternarsi di pensieri e di azioni: entrambi sono atti creativi, il pensare, l’ideare, come il mettere in prova, il lasciarsi andare e l’incontrare. - Corrado d’Elia e Sergio Maifredi"

Favola teatrale che ebbe un grande successo nella prima metà del Novecento, L’uccellino azzurro rimane un classico del teatro dell’infanzia. Messo in scena per la prima volta da Stanislavskij al Teatro d’Arte di Mosca nel 1908, il testo è qui riproposto con la prestigiosa traduzione di Luca Ronconi, autore della celebre regia del 1979. Prefazione di Luca Scarlini.

Attore adorato ma anche contestato, Alexander Moissi seppe creare un proprio originale stile di recitazione, sempre in bilico tra l’adesione e il conflitto con le correnti teatrali che animavano la scena tedesca del primo trentennio del Novecento. Il volume, ripercorrendone l’attività artistica, traccia una sorta di mappa teatrale dei principali centri europei dello spettacolo, un ricco e multiforme paesaggio culturale, in cui, a cavallo del secolo, brillò la stella di Moissi.

Autentica leggenda del cinema giapponese, Mifune è conosciuto in tutto il mondo perlopiù come interprete di celebri pellicole di Kurosawa quali Rashomon (1950) e I sette samurai (1953), oltre che come icona del cinema in costume e di guerra. In realtà, pur in coerenza con la propria immagine divistica, in quasi cinquant’anni di attività si dimostrò anche un interprete sorprendentemente versatile, ricoprendo un’ampia gamma di generi e sfumature attoriali nelle opere di alcuni tra i più illustri artefici di una gloriosa e irripetibile stagione cinematografica. Il volume, analizzandone nel dettaglio la filmografia e chiamando a raccolta le voci di registi, colleghi e studiosi, approfondisce la figura di un uomo, un attore e un divo che nel suo ruvido e incontenibile dinamismo fu anche, se non soprattutto, «incarnazione dello spirito di un’epoca, quella del Giappone postbellico».

Monografia fondamentale sull’espressionismo tedesco, Lo schermo demoniaco rappresenta uno studio e una testimonianza a tutt’oggi ancora attualissime del lavoro di registi decisivi per la storia del cinema come Lang, Murnau, Pabst e Wiene. Partendo dall’affresco storico e sociale della Repubblica di Weimar fino al tragico declino etico dell’avvento del regime nazista, Eisner delinea un’analisi lucida ed esaustiva su una stagione, quella degli anni Venti, contraddistinta in Germania da un grande fermento culturale, periodo in cui il cinema, grazie in particolare all’esperienza espressionista, riuscirà a emanciparsi dalle forme d’arte tradizionali e ridisegnare la realtà secondo nuove prospettive.