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Favola teatrale che ebbe un grande successo nella prima metà del Novecento, L’uccellino azzurro rimane un classico del teatro dell’infanzia. Messo in scena per la prima volta da Stanislavskij al Teatro d’Arte di Mosca nel 1908, il testo è qui riproposto con la prestigiosa traduzione di Luca Ronconi, autore della celebre regia del 1979. Prefazione di Luca Scarlini.

Attore adorato ma anche contestato, Alexander Moissi seppe creare un proprio originale stile di recitazione, sempre in bilico tra l’adesione e il conflitto con le correnti teatrali che animavano la scena tedesca del primo trentennio del Novecento. Il volume, ripercorrendone l’attività artistica, traccia una sorta di mappa teatrale dei principali centri europei dello spettacolo, un ricco e multiforme paesaggio culturale, in cui, a cavallo del secolo, brillò la stella di Moissi.

Autentica leggenda del cinema giapponese, Mifune è conosciuto in tutto il mondo perlopiù come interprete di celebri pellicole di Kurosawa quali Rashomon (1950) e I sette samurai (1953), oltre che come icona del cinema in costume e di guerra. In realtà, pur in coerenza con la propria immagine divistica, in quasi cinquant’anni di attività si dimostrò anche un interprete sorprendentemente versatile, ricoprendo un’ampia gamma di generi e sfumature attoriali nelle opere di alcuni tra i più illustri artefici di una gloriosa e irripetibile stagione cinematografica. Il volume, analizzandone nel dettaglio la filmografia e chiamando a raccolta le voci di registi, colleghi e studiosi, approfondisce la figura di un uomo, un attore e un divo che nel suo ruvido e incontenibile dinamismo fu anche, se non soprattutto, «incarnazione dello spirito di un’epoca, quella del Giappone postbellico».

Monografia fondamentale sull’espressionismo tedesco, Lo schermo demoniaco rappresenta uno studio e una testimonianza a tutt’oggi ancora attualissime del lavoro di registi decisivi per la storia del cinema come Lang, Murnau, Pabst e Wiene. Partendo dall’affresco storico e sociale della Repubblica di Weimar fino al tragico declino etico dell’avvento del regime nazista, Eisner delinea un’analisi lucida ed esaustiva su una stagione, quella degli anni Venti, contraddistinta in Germania da un grande fermento culturale, periodo in cui il cinema, grazie in particolare all’esperienza espressionista, riuscirà a emanciparsi dalle forme d’arte tradizionali e ridisegnare la realtà secondo nuove prospettive.

Studio filosofico fondamentale sul cinema, Il mondo visto, inedito in Italia e qui proposto nella sua versione ampliata, rappresenta una delle opere più importanti di Stanley Cavell: dai rapporti con la pittura, la fotografia e i media, fino alla relazione tra pubblico e miti, il cinema stabilisce una nuova prospettiva, quella di un «mondo visto», capace di restituire la realtà di oggetti, ambienti e vicende umane attraverso lo schermo.

Sinfonia tragica e folle di personaggi rapiti da un gusto sempre più funebre, sempre meno celato del grottesco, Un ballo in maschera racconta un’utopia personale, struggente ed estrema, e insieme il congedo del teatro inconsapevole e forzato di Mejerchol’d dal contesto e dalla sua vita. Con ben diverse premesse, tanti anni prima, sulle scene del teatro imperiale di San Pietroburgo lo stesso spettacolo aveva annunciato la fine del teatro borghese, la morte di un’era, l’avvento prossimo della rivoluzione. Tolto dall’agiografia e dalla leggenda, Un ballo in maschera – il cui percorso viene ricostruito qui nella versione del 1938, in base agli stenogrammi delle prove e alle testimonianze dirette – diviene, nella sua ricca e complessa strategia di costruzione dello spettacolo, il vero testamento di un regista che salva, nelle condizioni più ostili, la sua visione, la sua intenzione del teatro, la sua pedagogia.

Il volume raccoglie il meglio della produzione di Heiner Müller, autore che ha realmente saputo sconvolgere i canoni drammaturgici codificati e inventare una nuova scrittura teatrale: testi visionari in cui la carica poetica caratterizza riadattamenti della tragedia classica (in particolare Sofocle ed Euripide) e crudi paesaggi «degradati» della civiltà occidentale del secondo Novecento.

Dallo studio della fotografia, passando ad acute analisi sociologiche del rapporto tra spettatore e grande schermo, fino a profili intellettuali di artisti e pensatori come Benjamin, Kafka e Simmel, il volume raccoglie numerosi saggi scritti da Kracauer negli anni Venti. L’interesse del grande pensatore tedesco si focalizza sul comportamento dei diversi gruppi sociali, in particolare la tendenza della modernità verso il «culto del divertimento» che nel corso del Novecento, nella futura età del consumo, modificherà lo statuto della massa, atomizzandola in una collettività di individui.

Tra il 1975 e il 1977, Buñuel, incalzato dalle domande dei critici e amici Turrent e de la Colina, ripercorre la propria storia nel mondo del cinema. Dagli esordi surrealisti di Un Chien andalou (1929) fino a Quell’oscuro oggetto del desiderio (1977), il volume oltre che un esaustivo riepilogo della sua arte, costituisce un vero e proprio testamento artistico del grande regista spagnolo. Prefazione di Goffredo Fofi.

Il volume, grazie anche a una ricchissima documentazione iconografica, approfondisce la storia della commedia dell’arte italiana, tradizione teatrale che esercitò un’influenza fondamentale per le opere di grandi autori europei come Marivaux e Goldoni. Un affascinante viaggio nel passato delle più famose compagnie (i Gelosi, i Confidenti, i Fedeli), e una vasta rassegna di testimonianze dei contemporanei – dalle lodi degli ammiratori alle stroncature dei denigratori – in cui emergono i ritratti dei grandi mattatori e protagonisti di un’epoca che hanno segnato la storia del teatro europeo.

Alla base di questo progetto dedicato a Marivaux vi è la costatazione di una lacuna editoriale: rare sono le traduzioni delle sue opere e quasi tutte irreperibili. Del resto, poche delle sue pièces giungono alle scene italiane. La prima finalità del lavoro è far conoscere la produzione di un classico francese, che ha composto buona parte delle sue commedie per il Théâtre Italien di Parigi e che proprio alla tecnica, molto apprezzata, dei comici italiani si ispirò per costruire il proprio stile, sempre di una modernità dirompente. Testi pubblicati per le scene italiane, affiché ne offrano una interpretazione per il pubblico di oggi. Questo terzo volume comprende due sezioni di tre commedie ciascuna. Nella prima Lo stratagemma riuscito, Il quiproquo e La gioia imprevista composte negli anni 1730, di cui si propone qui per la prima volta una traduzione italiana. La seconda sezione è dedicata a L’isola degli schiavi, L’isola della ragione e La colonia. L’isola degli schiavi ha acquistato notorietà in Italia grazie alla regia di Giorgio Strehler (1994). Prefazioni di Monica Pavesio e Stéphane Kerber.

Il testo rappresenta un toccante dialogo immaginario tra Pier Paolo Pasolini e Maria Callas. Sullo sfondo della lavorazione del film Medea nel 1969, i due grandi artisti, pur provenendo da mondi diversi e molto distanti tra loro, si stringono in un legame artistico, emotivo e umano che si sublima nella finzione drammaturgica dove la «voce di Maria e di Pier Paolo, diventa espressione, legame, suono scenico, medium, strumento, canto, fino a intrecciare un vero e proprio connubio» indissolubile.