Manfredi Edizioni

[...] La materia è la sostanza dell’opera di Porru: la erode a volte con la fatica dello scalpello, a volte con la velocità del graffito su un intonaco di calce appena steso. Il segno è sempre deciso, complesso come la trama di un ragno, apparentemente caotico ma evidentemente non casuale. Il giusto tempo che richiede la lettura fa emergere il “filo” del racconto in un gioco di percezione e di rimandi. Ed è solo allora che iniziano a emergere i personaggi e i paesaggi urbani di arcana tradizione.

Fotografa italiana nata a Chiavenna (SO) nel 1978 e residente a Montreuil (Parigi), Susanna Pozzoli sviluppa un’ampia ricerca personale parallelamente a reportage su commissione dedicati al savoir-faire artigianale. La fotografia è spesso associata alla scrittura e inserita in installazioni site specific che comprendono video, montaggi audio, estratti d’interviste ed elementi grafici. [...] Nel 2019 è finalista del Premio Fondazione VAF ed espone al MART di Rovereto la serie intitolata Casa Costanza. Incontro con Meret Oppenheim, prima presentazione della ricerca pubblicata in questo volume.

L'arte è oggetto di una aggressione parassitaria da parte della moda, del design, dei social network, della speculazione finanziaria e del marketing che è parallela alla progressiva cancellazione della memoria e della natura alla quale stiamo assistendo passivamente. Eppure l'arte può salvaguardare la nostra sensibilità assalita dalla retorica tecnologica e dall'ossessione del profitto.

Big Bang, ecco la cosmologia urbana di Tommaso Ottieri con il suo drone dello splendore in volo estatico. Ecco, improvvise e baluginanti nell'oscurità, la scintillazione, la luccicanza (ci perdoni il Kubrick di Shining), la brillanza, l'aura nel senso originario di Benjamin, ovvero "l'apparizione unica di una lontananza, per quanto questa possa essere vicina". È tutto questo, mutatis mutandis, che sfrigola e crepita nella brace del mondo dipinta da Ottieri, artista così profondamente napoletano ma altrettanto intensamente cosmopolita. È un cacciatore di energia e sarebbe riduttivo limitarlo al ruolo di pittore di città, perché il mistero del bagliore che ogni suo quadro reca con sé è anche il fuoco segreto degli uomini che hanno progettato, costruito, abitato e vissuto quelle metropoli e che sono ben presenti pur nell'assenza apparente.

Prendendo le mosse da un’arte millenaria come quella del mosaico, Impieri ha saputo rinnovarne il linguaggio sia dal punto di vista metodologico, attraverso la tecnica del trencadís (termine catalano che significa frantumato), sia da quello contenutistico, portando sulle tessere musive temi che parlano del sociale o della natura. In generale le sue opere si distinguono chiaramente per la vivacità dei colori e per le ardite nonché originalissime giustapposizioni di materiali eterogenei. Le opere, spesso realizzate attraverso progetti collettivi e inserite in contesti pubblici, hanno il merito di riqualificare molte zone urbane degradate delle città in cui sono state concepite. In questo modo Impieri dà vita ad un’opera globale che mira all’educazione civica sui temi della bellezza e del decoro e contemporaneamente al recupero e alla fruizione di luoghi non più frequentati, rendendo insieme ai cittadini coinvolti nella realizzazione delle opere, un servizio per tutta la collettività.

Al termine del cammino della nostra vita, vorremmo tutti dire: “La mia vita è stata una Via Lucis”, ovvero una Via della Luce, perché tutti noi aspiriamo alla Luce. Ma la vera Via Lucis è la Via Crucis, ovvero una Via della Croce, così come abbiamo visto in Gesù: la Luce nasce da questo seme che muore, marcisce e porta frutto, rendendo forte e robusta la nuova pianta. La vita della Luce che cerchiamo, nasce da una vita della Croce. Questo è stato l’esempio non solo del Cristo Figlio di Dio Padre, ma si può vedere anche nella vita dei Santi, come in San Pio da Pietrelcina: quale vita di Santo non è stata una Via Lucis, nata da una Via Crucis? La Via Crucis che sembra un’esperienza terrificante è invece la nostra salvezza: sono i dolori di un parto, perché attraverso la Via Crucis viene fuori tutta la bellezza, tutta la profondità, tutta la ricchezza della vita di un uomo, di una donna che scelgono di essere testimoni della Parola di Dio.

Siamo nella metà degli anni Ottanta, a Bologna, durante l’importante fiera dell’arte, e tutto si svolge in quella settimana espositiva. Carla, una molto emancipata studentessa del Dams, e un giovane professore universitario che si occupa anche di mercato dell’arte, conducono una danza abbastanza complicata, forse anche pericolosa, all’interno di un mondo che non sempre è come appare. Durante la fiera ci sarà anche un assassinio, allo svelamento del quale contribuiranno, pur con ruoli diversi, anche i due giovani protagonisti del romanzo. Ma nulla, in verità, è poi così facile da svelare.

Quando, poco più che ventenne trascorrevo, quasi settimanalmente, una mattina o un pomeriggio con lui, nel suo “antro”, nella angusta stanzetta privata di uno studio per il resto luminosissimo, in Calle Vallaresso, Virgilio Guidi ogni volta, proprio sempre, mi regalava frammenti del suo personalissimo rapporto con il secolo passato. Lui lo aveva attraversato quasi tutto; soprattutto, lo aveva vissuto senza alcuna esitazione o paura o turbamento. Guidi aveva voracemente divorato il Novecento senza diventarne mai ostaggio, senza permettere che il convulso secolo breve lo fagocitasse. Da Giano bifronte quale era, anzi da uno e trino come quotidianamente si palesava, Guidi, consumando il presente, si impossessava della storia: lui, così profondamente legato alla classicità, quasi asetticamente però, senza nostalgie; e così, allo stesso tempo immerso, fisicamente, razionalmente ed emozionalmente, nel magma eruttivo della contemporaneità, e quindi vitalisticamente sospinto verso gli sconosciuti approdi del futuro.

Ha un valore davvero speciale, per Terracina, questa mostra "Duilio Cambellotti. Al di là del mare". Per la sua rilevanza artistica, in primo luogo. Da tempo la nostra città non ospitava una esposizione di tale rilievo: per il numero, l’eterogeneità e la qualità delle opere esposte, che consentono una vasta e qualificata ricognizione sulle molteplici espressioni del genio eclettico dell’artista, ma anche per il valore simbolico delle opere e dei documenti presentati, tutti provenienti dall’archivio personale dell’autore, espressione immediata, quasi intima, del suo impegno artistico.

«"Con cuore di padre: così Giuseppe ha amato Gesù, chiamato in tutti e quattro i Vangeli 'il figlio di Giuseppe'." Così comincia la Lettera Apostolica Patris Corde del Santo Padre Francesco in occasione del 150° Anniversario della dichiarazione di San Giuseppe come Patrono della Chiesa Universale. È con la figura di questo padre, così padre da essere il padre di Gesù, che desidero presentare queste mie riflessioni sulla sofferenza e sulla sofferenza in San Francesco di Assisi e dedicarle al Santo Padre che porta il suo nome. Da sempre l’uomo si è interrogato sul perché della sofferenza, tentando di trovare una risposta al dolore, alla malattia, alle tragedie della vita. Oggi, in un mondo che esalta il corpo e la salute come beni irrinunciabili e fini a sé stessi, in una cultura narcisistica che presenta l’uomo egocentrico come ideale, anche in questo momento di prova attraverso il COVID-19, questo interrogativo regala all’uomo la grande realtà che in San Giuseppe, in San Francesco di Assisi e nel Santo Padre vediamo: è la realtà di non avere paura della nostra fragilità. È importante quindi oggi, in questo momento, affrontare il problema della sofferenza, per trovarne gli aspetti più significativi e conoscere cosa essa ha da dire all’uomo.[…]» (Giuseppe Giacomelli)

Un soggetto che – ‘alla luce’ anche del recente ed ancora attuale fenomeno pandemico – è stato dunque nuovamente rivisitato, riletto, e analizzato attraverso due emblematiche prospettive di ricerca iconografica: la dimensione relazionale del gesto e dell’incontro nel Purgatorio, e quella paradossalmente grafica ed atmosferica del cielo, il Paradiso. Cielo inteso qui – come del resto nell’eccezionale unicum inventivo costituito della scrittura di Dante – alla stregua di un linguaggio ‘altro’, abissale (Par. XXVIII 107: «quanto la sua veduta si profonda»), eppure astronomicamente decifrabile, di un ‘al-di-là’ visibile ma solo a patto di constatare la sua irriducibile distanza ai nostri occhi (come «ombra» appunto). All’«ombra del beato regno» avvengono, quindi, i fatti purgatoriali rappresentati da Nerosunero, l’«ombra» stessa del beato regno è la materia pittorica in sé, a cui Andrea Mario Bert ha dedicato le sue ‘icone’ paradisiache.

Ogni anno a Villa Medici si forma una comunità provvisoria, effimera, che in molti casi non si conosceva, che poi tornerà a disperdersi, ma che vive qui un periodo fertile, felice e incantato in un territorio magico in cui si sposano in perfetta armonia natura e cultura, giardino e architettura. Questo incanto si è mantenuto nonostante l’assedio dei veleni cittadini che circondano la Villa, l’aveva notato Hans Obrist, quando lavoravamo qui ormai oltre venti anni fa. Questa comunità è fatta di artisti e intellettuali che lavorano con diverse discipline, che utilizzano tutti i linguaggi della creatività, che hanno in molti casi provenienze diverse. L’incontro (e a volte anche lo scontro, sempre positivo) delle differenze e delle divergenze si rivela sempre produttivo e genera fatti nuovi e diversi. Quest’anno in particolare i pensionnaires, oltre a lavorare ai propri progetti (a volti legandoli alla Villa o alla città, a volte seguendo un proprio fi lo non direttamente a esse collegato) hanno creato qualcosa insieme, hanno utilizzato le variegate competenze per costruire qualcosa e realizzare un prodotto comune, qualcosa di condiviso e corale: una rivista.