Silvana

"Arte medievale" è una rivista specialistica internazionale dedicata alla critica dell'arte del medioevo, fondata nel 1983 da Angela Maria Romanini. Ogni numero raccoglie ricerche e interventi di esperti del settore, pubblicati in lingua originale e arricchiti da un vasto apparato iconografico, per offrire a tutti gli appassionati e studiosi della materia nuovi spunti di approfondimento sull'arte medievale.

Il volume accompagna l'installazione realizzata dallo scultore Ettore Greco per l'auditorium San Lorenzo di Cento. Una grande scenografia orizzontale, collocata verso l'altare dell'antica chiesa sconsacrata, su cui sono poste più di ottocentoquaranta sculture in terracotta raffiguranti corpi distesi e rannicchiati, che si fondono tra loro a rappresentare il concetto di sconfitta esistenziale.

Durante i secoli XVIII e XIX, pregiati fili di seta uscivano dalle 'fabbriche magnifiche" piemontesi per prendere soprattutto la strada di Francia e in particolare della regione lionese, dove venivano trasformati in tessuti che segnavano la moda del tempo. Un episodio poco noto riguarda i rubans, vale a dire i nastri in seta nella cui produzione si erano specializzate le fabbriche della città di Saint-Etienne, a sud di Lione. Tali nastri non erano destinati soltanto agli abiti dell'aristocrazia o dell'alta borghesia: arrivando in Piemonte, i bindel, come si chiamavano nelle parlate locali, venivano impiegati nella confezione di abiti e costumi nelle valli alpine, nonché per particolari usi devozionali. Partendo da una ricognizione sui caratteri della produzione dei nastri/rubans/bindel a Saint-Etienne, la mostra e il relativo catalogo documentano l'uso dei nastri nelle manifestazioni della cultura popolare della montagna cuneese. Un argomento che, ampiamente illustrato nel volume, interessa vari settori, spaziando dall'ambito tecnico, a quello storico-economico, dalla sfera artistica a quella antropologica.

Il volume esce in concomitanza delle manifestazioni organizzate per il IV Convegno Ecclesiale Nazionale (Verona, 16-20 ottobre 2006), e intende documentare l'attività in campo artistico promossa dall'Associazione Internazionale Staurós. Più precisamente il volume presenta le opere che hanno partecipato alla XII Biennale della Fondazione, un appuntamento che ha contribuito nel corso degli anni a tener vivo il rapporto fra la Chiesa e l'arte contemporanea, e che ha avuto come tema conduttore in questa ultima edizione lo stesso del Convegno Ecclesiale, ovvero Testimoni di Gesù risorto, speranza del mondo. Segue, nella pubblicazione, la presentazione del Museo Staurós, inaugurato nel 1994 a conclusione della VI Biennale nel Santuario di San Gabriele (Teramo): un'istituzione che, attraverso oltre mille opere, documenta gli sviluppi e le tendenze dell'arte sacra contemporanea. Le due sezioni sono precedute da una serie di saggi critici che riflettono sul rapporto tra arte contemporanea e Chiesa, e sulla Resurrezione quale tema scelto per il Convegno Ecclesiale.

Demosthenes Davvetas attraverso la ricchezza della sua arte pone la bellezza come gioia e potenza di un insegnamento attivo e spirituale. Per il Futuro dell'Arte. Per il Futuro dell'Umanità.

Catalogo della prima retrospettiva dedicata ad Arnaldo Ferraguti (Ferrara 1862 - Forlì 1925), il volume rappresenta una monografia completa di questo pittore, le cui vicende personali si sono svolte sullo sfondo del vivace ambiente sociale e culturale della Pallanza di fine Ottocento, frequentata anche da Verga e D'Annunzio. Ferraguti, rappresentante del 'verismo sociale", strinse forti legami con i fratelli editori Treves, dedicandosi alla produzione di numerose illustrazioni per le loro riviste e i loro libri, come il famosissimo Cuore di Edmondo De Amicis. Nel volume sono documentati i dipinti a olio - primo fra tutti la grande tela Alla vanga - e a pastello appartenenti agli ambiti delle scene di genere, della natura morta e del ritratto, affiancate, in una sezione di confronto, da alcune opere dei maestri maggiormente ammirati dal pittore.

Sfarzo, raffinatezza e seduzione. Questi sono gli argomenti affrontati nel volume, dedicato alla storia di un materiale tanto antico quanto prezioso: la seta. Pubblicato in occasione dell'omonima mostra, il catalogo sottopone all'attenzione del pubblico tre momenti storici in cui la seta, soprattutto attraverso le vesti, ha assunto un ruolo significativo nella storia del costume e della produzione: il Rinascimento, gli anni a cavallo fra Seicento e Settecento, e la prima metà del secolo XX. Il boom della seta, che vede la realizzazione di veri e insuperati capolavori tessili - manifestazione di ricchezza dei ceti più potenti - è il Quattrocento, quando alcuni centri italiani, come Venezia, Firenze o Genova, ne diventano i più importanti produttori europei. Una produzione pregiata che viene accresciuta, fra Seicento e Settecento, dagli scambi con il lontano Oriente: decorazioni bizzarre e fantastiche, ispirate alla cultura figurativa turca, indiana, cinese e giapponese, fioriscono su fondi dalle cromie nuove e brillanti. Il Novecento, con il diffondersi dell'industrializzazione, vede mutare ancora l'aspetto e il significato dell'abbigliarsi in seta. Questa diventa un tessuto di appannaggio quasi esclusivamente femminile, mentre nuovi generi tessili, come crêpes e chiffons, favoriscono l'affermazione di una nuova moda, tutta giocata sulla seduzione.

Il volume è il catalogo della mostra di Brescia (Grande Miglio in Castello, 28 ottobre 2006 - 17 gennaio 2007). Le circa quaranta opere esposte, appartenenti tutte all'ultimo decennio, rappresentano gli esiti più alti della produzione recente di Carlo di Carlo Guarienti. Sono paesaggi e autoritratti, sia dipinti che alcune sculture. Entrambi partono da un dato reale, corpo o natura che sia, non restituendo però alcuna immagine definita, ma solo emersioni della memoria. La storia di ogni uomo, e si vorrebbe dire di Guarienti in particolare, è stratificazione di vissuti che non è più dato leggere nella loro complessità, forse neppure da chi ne è stato protagonista. La sfida dunque di questo artista è stata, per tutta la vita, di lavorare sulle emersioni, anche dolorose, di queste immagini. Con la sola certezza che quanto appare può essere giustificato solo dalla profondità di tutto quello che non è più visibile. È questa l'arte segreta di Guarienti, pittore, e scultore, dotato di cultura vastissima, assimilata nel tempo come nutrimento necessario. Le citazioni che fioriscono nelle sue opere in maniera assolutamente sorvegliata non sono sfoggio di erudizione. E neppure gusto compiaciuto per l'enigma, ma quello che resta alla fine di un lungo processo di purificazione della memoria.

Il volume è il catalogo della mostra di Verona (Museo Miniscalchi Erizzo, 13 ottobre 2006 - 7 gennaio 2007). L'esposizione propone un centinaio di opere d'arte provenienti da Veneto, Friuli Venezia Giulia e Trentino Alto Adige. Codici miniati, dipinti, sculture lignee e in marmo, calici, ostensori e altre preziose opere di oreficeria narrano le radici cristiane di queste terre e testimoniano nei secoli l'attenzione ai temi evangelici della Resurrezione. Le opere spaziano dall'antichità all'età moderna: si segnalano, fra gli altri, il Sacramentario gregoriano di età ottononiana (XI secolo), un Crocifisso ligneo del XIII secolo proveniente dalla cattedrale triestina di San Giusto, il Cristo risorto di Alvise Vivarini, le tele cinquecentesche di Pordenone, Paris Bordon, Paolo Farinati, Domenico Tintoretto, e ancora opere di Giambattista e Giandomenico Tiepolo, fino a Canova. Il volume accoglie i saggi di Ambrogio Malacarne, Pasquale Iacobone, Sergio Tavano, dedicati all'analisi del tema della Resurrezione nella liturgia e nell'iconografia. L'intervento di Gian Paolo Marchini è infine dedicato alla storia del museo, sede della mostra.

Il volume accompagna la mostra che Palazzo delle Papesse di Siena, insieme al MAN di Nuoro, dedica al tema dell'ombra. Un argomento affascinante, che ha interessato generazioni di artisti fin dall'antichità. Nell'arte, nella letteratura e nella fantasia tutto quello che è creato o determinato senza ombra ha un che di inquietante. Non solo: l'ombra, intesa come tenebra o sagoma scura, costituisce la parte segreta di persone e oggetti. Ogni ombra è incantesimo. Intatta e riconoscibile, l'ombra è come un fantasma, non facile da decifrare. La rassegna propone una selezione di opere contemporanee dedicato a questo tema ancestrale, opere in cui l'ombra risulta il movente e il significante primo della rappresentazione, e in cui, intimamente partecipe della struttura psicologica umana, l'ombra allude all'altro lato della personalità e a quanto di oscuro ed enigmatico si cela in essa. Il volume accoglie due testi critici di Lea Vergine e Lorenzo Fusi, ed è completato dalle biografie degli artisti.

Sono circa quaranta le opere scelte per raccontare, attraverso i suoi momenti più significativi, dal 1960 alla sua morte, l'arte di Alberto Gianquinto (Venezia 1929 - Jesolo 2003), uno dei più importanti protagonisti dell'arte italiana del secondo Novecento. Pittore estremamente colto e intellettuale, socialmente impegnato, ha maturato nel tempo un linguaggio che era chiaro e riconoscibile anche ai suoi esordi.

Grande maestro della pittura italiana, Osvaldo Licini ha vissuto molti momenti fondamentali dell'arte novecentesca: dal futurismo, al soggiorno a Parigi dove conosce Kandinsky e Kupka. A partire dalla realtà oggettiva - il paesaggio e le colline tanto amate - Licini ne indaga le soluzioni figurative e spaziali inusitate, usando un cromatismo vivace, nei lavori degli anni venti. Nei lavori successivi, alleggerisce progressivamente il segno in una riduzione delle forme che lo porta, negli anni trenta, all'astrattismo. Il catalogo raccoglie trentatré lavori compresi tra il 1913 e il 1929, in qualche modo preparatori per la sua produzione più nota con un laboratorio figurativo che, ripercorrendo i generi consueti della natura morta, del paesaggio e del ritratto, pone le premesse per quel modo visionario e sognante che caratterizzerà le sue immagini dal secondo dopoguerra in poi.