Silvana: Arte

Andrea Cusumano (Palermo, 1973) è un artista, performer e regista italo-britannico. La sua produzione si articola attraverso diversi media e un fecondo sconfinamento tra le discipline artistiche. Elementi che si completano a vicenda formando un’opera d’arte complessa e coerente, in linea di continuità con la tradizione del Gesamtkunstwerk. Allievo e collaboratore di Hermann Nitsch, direttore musicale dell’Orgien Mysterien Theater sin dal 1998, Cusumano, nel corso di un processo sperimentale durato oltre trent’anni, ha sviluppato una ricerca incentrata sulla drammaturgia dello spazio, producendo un personale e originalissimo corpus d’opere che costituisce una lettura contemporanea del concetto di Arte Totale in chiave post-umanista. La mostra Raumdramaturgie presso il Nitsch Museum di Mistelbach in Austria, a cura di Fabio Cavallucci e Giulia Ingarao, mette per la prima volta in evidenza il rapporto tra queste due ricerche così profondamente vicine e al contempo indipendenti. I temi spaziano dalla morte alla trascendenza, fino all’aspirazione alla catarsi per mezzo dell’arte.

Nel 2005 Adrian Piper emigrò segretamente dagli Stati Uniti e passarono diversi mesi prima che qualcuno si rendesse conto che era scomparsa. Riapparsa a Berlino, vi è stabilita, rifiutandosi costantemente e fermamente di tornare negli Stati Uniti o di spiegare il motivo per cui se ne fosse andata. Molti presumono che la causa sia la scoperta che il suo nome fosse stato inserito nella lista dei viaggiatori sospetti del Dipartimento di sicurezza dei trasporti degli Stati Uniti. Altri evidenziano la cessazione forzata della sua cattedra da parte del Wellesley College. Altri ancora ipotizzano che la presidenza di George W. Bush, il razzismo americano o l’invasione dell’Iraq l’abbiano indotta ad andarsene. Tutte queste congetture sono infondate. "Fuga a Berlino. Memorie di viaggio" è un avvincente racconto autobiografico che fornisce un resoconto completo dei fatti.

In "Land in land out" sedici artisti, italiani e belgi, dialogano con otto capolavori delle Gallerie degli Uffizi sul tema del paesaggio e della sua rappresentazione, in un formato inusuale e volutamente antitetico alla magniloquenza oggi imperante, quello 16:9 dei moderni smartphone. Presentata agli Uffizi nel 2024, la mostra invita a ripensare la pratica del guardare, per captare quella sottile, intima linea che intercorre fra il dentro e il fuori, fra il qui e l’altrove; quella impercettibile ma reale vibrazione che si attiva fra l’opera d’arte e il suo osservatore.

La figura di santa Rosalia occupa un posto di assoluto rilievo nell’immaginario dei palermitani ormai da quattro secoli. Fu nel 1624, infatti, che la città si legò per sempre alla vergine eremita in un rapporto di perenne gratitudine per averla liberata dalla terribile piaga della peste, intercedendo presso la Trinità per la sua salvezza. A partire da allora, il mito di Rosalia è diventato negli anni successivi un’epopea fatta di narrazioni agiografiche, racconti popolari e un vastissimo repertorio figurativo costruito dagli artisti nel tempo, nel quale l’immagine della Santuzza viene declinata di volta in volta con il linguaggio e lo stile dell’autore, divenendo così un’icona senza età. La corona di rose, l’umile saio, il teschio, i gigli, il libro, il crocifisso e il rosario la accompagnano in tutte le sue rappresentazioni, sia che venga ritratta come un’esile ragazza siciliana o come un’imponente fanciulla fiamminga. La figura di Rosalia attraversa così i secoli per giungere fino a noi, simbolo di fede e salvezza ancora in grado di unire e di emozionare un’intera comunità.

Il volume racconta l’incontro entusiasmante tra alcuni capolavori della collezione della Galleria d’Arte Moderna di Roma e il linguaggio artistico dei Miaz Brothers, la coppia di artisti fratelli chiamati a cimentarsi, per l’occasione, nella reinterpretazione dei grandi Maestri del XX secolo della collezione Capitolina: Giacomo Balla, Filippo de Pisis, Renato Guttuso, Camillo Innocenti, Carlo Levi, Antonio Mancini, Mario Mafai, Giorgio Morandi, Auguste Rodin, Mario Sironi, Adolfo Wildt e altri, attraverso uno stile ritrattistico innovativo, in cui i soggetti originali, riconoscibili nei tratti principali, appaiono fuori fuoco. Durante il loro processo creativo i due artisti, infatti, si sono ispirati direttamente – o indirettamente secondo i casi – ad alcuni capolavori del museo, focalizzando in particolare l’attenzione creativa sul tema, oggi molto sentito e dibattuto, della post-verità. Con questo termine si intendono quelle notizie che, seppur false, vengono credute vere da un numero significativo di persone. Queste ultime le valutano sulla base delle proprie emozioni e pregiudizi, senza dare credito a fatti e dati oggettivi che perdono così di significato e importanza. In questo modo la voluta manipolazione si realizza attraverso il linguaggio che i due artisti trasformano in arte attraverso un percorso ormai ventennale incentrato sulla percezione e sulla relazione fra realtà e immaginazione, visibile e invisibile.

Le opere di Duccio di Boninsegna, di Gentile da Fabriano, del Maestro della Madonna di Perugia, di Giovanni Baronzio, di Cataluccio da Todi e di Bartolomeo Caporali accanto ad artisti a noi vicini quali Alberto Burri, Gino De Dominicis, Lucio Fontana, Marisa Merz, Michelangelo Pistoletto e Carol Rama costruiscono un percorso assolutamente unico, attraverso sei dialoghi tra antico e moderno che, in nome dell’uso dell’oro, vedono affiancati lavori i quali per assonanze tecniche, estetiche e concettuali propongono nuovi confronti, suggestioni e prospettive spalancando inediti orizzonti di interpretazione.

La figura di Alessandro Rimini, un protagonista dell’architettura italiana tra le due guerre, è rimasta a lungo celata nell’oblio, in conseguenza delle leggi razziali che durante il regime fascista lo hanno costretto all’anonimato, e solo negli ultimi anni sta ricevendo l’attenzione degli studiosi e riscuotendo i primi segni di interesse pubblico da parte della sua città d’elezione, Milano. Questo libro ne ripercorre in maniera organica l’attività professionale, dalle prime esperienze nell’ambito dell’Ufficio Belle Arti e Monumenti di Trieste, alla lunga collaborazione con l’impresa edilizia milanese dell’ingegnere Mario Lucca, per cui Rimini realizza numerose sale cinematografiche, una ricca serie di edifici residenziali, nonché il progetto esecutivo dell’ospedale Cardarelli di Napoli. Attento alle diverse espressioni della modernità maturate nel corso del Novecento, Rimini si dimostra infatti un progettista di qualità non comune, con una sensibilità per gli effetti di luce e trasparenza che gli deriva dalla formazione veneziana e un’attenzione per gli accostamenti cromatici sperimentata nella sua parallela attività di pittore.

Il volume intende indagare affinità e punti di tangenza tra Lucio Fontana e Alberto Giacometti, due pilastri dell’arte del Novecento, le cui opere sono poste al centro di un dialogo inedito e sorprendente. Figure dalle indoli opposte, ma accompagnate dalla stessa magnifica ossessione per l’invisibile che è dentro e fuori di noi, Giacometti e Fontana lavorano la materia alla ricerca dell’assoluto. Sigillando l’eterno dentro i confini del modellato, la pratica di entrambi si impernia sul gesto e la manipolazione, sulla concentrazione e la rinuncia alla forma definitiva. È uno struggente senso del sacro a nutrire il loro slancio verso l’insondabile mistero dell’esistenza: una tensione spesso tradotta in indagine sul valore formale e semantico del vuoto, inteso come allegoria di una possibilità oltre il visibile.

Nuovo numero di Arte Medievale, rivista specialistica internazionale dedicata alla critica dell’arte del medioevo, pubblicata in coedizione con l’Università La Sapienza di Roma. Testi in lingua originale.

L’ambizioso intento di questo volume è mettere in luce lo straordinario contributo di Martine Franck, figura femminile di spicco nel panorama fotografico dell’ultimo trentennio del Novecento. Oltre a rendere omaggio ai suoi scatti più celebri dedicati all’infanzia, alla vecchiaia e al teatro, alcuni dei quali sono divenuti vere e proprie icone, l’opera apre uno squarcio su intere parti della sua produzione rimaste finora nell’ombra, incentrate sulla rappresentazione del lavoro, dei movimenti femministi, o della società dei consumi. Questa nuova sintesi rivela al grande pubblico un’artista dal sincero spirito umanista, profondamente impegnata nel suo tempo, per la quale la macchina fotografica ha rappresentato un mezzo privilegiato per posare il proprio sguardo sugli altri.

Rappresenta il più grande museo italiano, esteso su tutto il territorio nazionale; espressione fra le più importanti dell’identità stessa dell’Italia unita, tuttavia negletta nella sua totalità e complessità: è la statuaria monumentale, commemorativa e pubblica, cui è dedicato questo volume, primo di due. Le statue erette nelle città dall’Ottocento al Novecento, nell’età risorgimentale e liberale f ino alla Grande guerra, restituivano i personaggi, le azioni, i simboli e le allegorie con cui si celebrava la storia e la memoria, un pegno e un lascito alle generazioni successive. Nel tempo sono diventate una testimonianza sia della storia patria, e dunque di vicissitudini e interpretazioni di una vicenda nazionale mai pienamente condivisa, sia del mutare del gusto, degli stili, e più ancora dei valori collettivi. Una vicenda complessa e ramificata di cui si offre in queste pagine un panorama necessariamente né completo né esaustivo, e però impegnato a fornire alcune possibili occasioni di lettura complessiva per un fenomeno unico, considerato un modello da altre nazioni, e pur sempre tipicamente e singolarmente italiano.

Sorpresa, confusione, desiderio, gioia, paura, attesa, angoscia, felicità, orgoglio, eccitazione, nostalgia, ammirazione, sollievo, tranquillità, imbarazzo... Quante emozioni ispirano un artista? E quante vengono trattenute dentro l’opera? E quali prova uno spettatore davanti a quell’opera? E quante si mantengono nel tempo e quante cambiano e come cambiano? Questi i temi affrontati nel volume che, attraverso le opere di venti artisti contemporanee, indaga le emozioni che scaturiscono dall’arte, in un contesto più ampio che abbraccia la filosofia, la letteratura, l’architettura. Artisti: AES+F, Mat Collishaw, Subodh Gupta, Carsten Höller, Eva Jospin, Kimsooja, Luigi Mainolfi, Masbedo, Annette Messager, Paul Morrison, Luigi Ontani, Tony Oursler, Piero Pizzi Cannella, Laure Prouvost, Pietro Ruffo, Alessandro Sciaraffa, Gregor Schneider, Paolo Scirpa, Nedko Solakov e Adrian Tranquilli.