Silvana: Arte

"Agli inizi degli anni settanta il mio lavoro, pur facendo parte di quella corrente definita da Menna 'Pittura analitica", si presentava tuttavia con caratteristiche particolari: non era un quadro, né una scultura, non aveva telaio, né tela, ma rompeva il concetto di quadro in frammenti; il muro entrava a far parte dell'opera, non era più il destinatario passivo. Gli elementi si disseminavano nello spazio. Tentavo di riscrivere una mia sintassi della pittura, esaltando le caratteristiche della pittura e della superficie e l'attenzione analitica al colore, che accoglievo tutto per trasformarlo in 'oltre'. In periodi più vicini a noi il mio lavoro seguiva nuovi orientamenti, indagava l'essenza dello spazio come luogo di propagazione del colore, cercando di spostare la linea della conoscenza. I miei frammenti sono corpi inquieti di pittura proiettati nello spazio, che fluttuano in formazioni piccole e grandi e recano segni di una plasticità ansiosa e di una felicità visiva di un colore pulsante di vibrazioni luminose." (Pino Pinelli). Presentazioni di Giuseppe Sala, Filippo Del Corno, Domenico Piraina e Michele Coppola.

Con la mostra "Brasile. Il coltello nella carne" il PAC di Milano prosegue l'esplorazione dei continenti sulle tracce dell'arte contemporanea, proponendo una selezione di 30 artisti brasiliani di diverse generazioni, attivi dagli anni Settanta in poi. ‘Il coltello nella carne' (Navalha na Carne) è il titolo di un'opera teatrale dello scrittore brasiliano Plínio Marcos, particolarmente attivo durante gli anni della dittatura militare brasiliana. La mostra si dichiara così, sin dal titolo, in conflitto. Attraverso installazioni, fotografie, video e performance molti degli artisti invitati al PAC fanno riferimento a questo conflitto, che non ha un inizio e ancora meno una fine, è difficilmente riassumibile in parole e si traduce raramente in scontri fisici o battaglie. Non è un conflitto bellico, bensì sociale e, soprattutto, simbolico. Riunendo una serie di lavori realizzati in Brasile negli ultimi quarant'anni, la mostra rompe convenzioni e luoghi comuni senza pretendere di costituire un ritratto del paese o della sua scena artistica, ma piuttosto riflettendo sulla loro conflittualità: gli scontri, le violenze e i soprusi politici, sociali, razziali, ecologici e culturali. Un linguaggio diretto, all'apparenza ingenuo, ma in realtà carico di messaggi, racconta di sogni frantumati e di aspettative deluse, ma anche di un popolo che sa conservare un sorprendente ottimismo e una grande fiducia nel futuro.

Severi uomini d'arme, instancabili viaggiatori, accorti diplomatici, mecenati alla ricerca di visibilità, appassionati collezionisti in instabile equilibrio tra matura consapevolezza intellettuale, antica protervia e progressivo indebolimento politico e finanziario: nel passaggio di alcune generazioni gli Orsini e i Savelli, due delle famiglie baronali romane tra le più antiche, si trovano a dover mutare da feudatari a uomini di corte, da signori arbitri del destino delle proprie terre ad attori, a tratti protagonisti, nel gioco delle corti sul più vasto scacchiere europeo. Il volume raccoglie i frutti di un progetto triennale di ricerca ad ampio raggio sulle due famiglie, in dialogo con studi limitrofi sull’argomento e a confronto con altre realtà italiane. Committenze laiche ed ecclesiastiche, collezioni d’arte, pubblicistica e storiografia trovano spiegazione nella ricostruzione del contesto storico e familiare in un lungo arco cronologico, grazie ai risultati di un’accurata indagine sulle fonti d’archivio e sulle opere. Nel volume si tratta di architettura, di dipinti ed affreschi, di arazzi e argenterie, di libri, stampe, reliquie e curiosità, secondo una lettura che tiene saldo il filo delle vicende familiari nello specchio del tempo come chiave per comprenderne le ragioni e le dinamiche, procedendo per cerchi concentrici, da Roma ai feudi, dall'Italia alle grandi corti europee. Presentazioni di Maria Giulia Aurigemma e Mario Alberto Pavone.

Le opere a specchio dell’artista svizzero Christian Megert (nato nel 1936 a Berna) sono capaci di creare spazi indefiniti dalle dimensioni inedite attraverso il gioco di infiniti movimenti e riflessi, ombre che si gettano sulle pareti o sul pavimento nella creazione di una frammentazione ricostruita in una nuova unità. “Voglio costruire un nuovo spazio, uno spazio senza inizio e senza fine, dove ogni cosa vive ed è invitata a vivere, uno spazio allo stesso tempo tranquillo e rumoroso, immobile e mobile. Voglio che sia alto, alto quanto lo desidero, e basso quanto lo desidero. Deve essere soprattutto accessibile, la sua area può essere piccola o grande come una città, un paese o anche un pensiero. Cercate di trovare uno spazio senza un inizio e senza una fine e senza limiti. Se tenete uno specchio sollevato di fronte a un altro specchio, potete trovare uno spazio di infinite possibilità, un nuovo spazio metafisico.” (Christian Megert)

Sally Ross fa ridiventare iniziale il dipingere attraverso l'invenzione del suo proprio processo, dal re-interrogare il perché e il come della pittura, della sua fattura, del significato multiplo che può avere - della sua dissoluzione storica, della sua morte e della sua rinascita. Costruendo il quadro con/come pezzi di tela di diversa e sempre improvvisata dimensione, cuciti tra loro con filo di nylon, l'artista non solo rinuncia all'integrità e unitarietà della superficie, talvolta contaminata dal collage di frammenti od oggetti personali, ma disfigura la nozione stessa di immagine, rappresentazionale o astratta, poiché nessun accenno a un inizio di composizione viene continuato nei pezzi adiacenti.

Accostandosi a una tela di Music, il clamore e il trambusto della vita quotidiana svaniscono, lasciando spazio a una diversa densità: l'aria si muove lentamente attorno a forme pallide e tristi da lei levigate nei secoli. Trascorrono millenni. Pochi granelli di sabbia s'infiltrano impercettibilmente nel paesaggio disseminato di pietre. A poco a poco, monumenti fatti dall'uomo perdono la loro sostanza e diventano tessuti sottili tesi contro il cielo. Scende un silenzio sconfinato. Con un testo critico di Kosme de Barañano.

Matteo Negri va costruendo da tempo, per vie felicemente non lineari, una sottrazione definitiva della pratica d'arte dalle sue componenti normative. Opera per coinvolgimenti sensibili forti, per evidenze conclamate, come sempre incorniciando in una dimensione di messinscena pensieri formali e circostanze mentali. Lavora, anche, sulle categorie ormai lise della storia artistica del Novecento, sul loro sdrucito nominare natura e artificio, visione e illusione, forma e ragionamento sulla e della forma. L'artista conduce un'operazione che ha il proprio innesco nella fascinazione e la sua sovversione gentile passa attraverso un'immersione e una deriva sensoriale complessa e fastosa, che non è inappropriato dire barocca. Per chi lo voglia, è uno dei meno scontati modi odierni di rimettere in circolo ragionamenti d'arte, chiedendosi, oltre il come, anche il perché.

La rassegna "Armonie verdi. Paesaggi dalla Scapigliatura al 'Novecento'" è la quinta tappa dell’iniziativa "Open", tour di eventi espositivi promossi dalla Fondazione Cariplo, in collaborazione con le Fondazioni di Comunità locali, che sta portando il patrimonio artistico dell’ente milanese in tutta la Lombardia, nelle province del Verbano Cusio Ossola e di Novara. Il tour "Open", per le sue finalità di promozione e diffusione culturale, è stato incluso fra le iniziative approvate per l’Anno europeo del patrimonio culturale 2018. Allestita nelle meravigliose sale di palazzo Viani Dugnani, recentemente restaurate grazie a un contributo della Fondazione Cariplo, la mostra si sviluppa in tre sezioni – Scapigliatura, divisionismo, naturalismo, realismo; Artisti del Novecento italiano; Oltre il “Novecento” – e svela l’incanto di oltre cinquanta opere provenienti dalle raccolte d’arte della Fondazione Cariplo, del Museo del Paesaggio di Verbania e dalle collezioni private in deposito presso il museo. Si tratta di un suggestivo e affascinante viaggio tra capolavori d’arte dalla fine dell’Ottocento alla prima metà del Novecento, che si snoda lungo scenari di grande poesia, bellezza e colore per indagare il rapporto senza tempo tra uomo e natura. Dagli incantevoli paesaggi del lago Maggiore, ritratti dal pennello di artisti come Federico Ashton, Carlo Fornara, Francesco Gnecchi e Mario Tozzi, alle suggestive atmosfere dei paesaggi di campagna, urbani e marini, testimoniati dalle opere di maestri quali Anselmo Bucci, Aldo Carpi, Filippo de Pisis, Emilio Gola, Umberto Lilloni, Ottone Rosai, Mario Sironi e Arturo Tosi. La rassegna, promossa dalla Fondazione Cariplo e dalla Fondazione Comunitaria del Verbano Cusio Ossola (VCO), in collaborazione e con il sostegno del Comune di Verbania, della Regione Piemonte e del Museo del Paesaggio, è espressione di un comune agire a tutela di patrimoni condivisi di cultura e valori.

Marzio Cialdi da circa quindici anni ha intrapreso un lavoro di ricerca che lo ha portato non solo a confrontarsi con materiali diversi, ma anche a elaborare un proprio stile e una propria poetica. Sempre affascinato dalla figura umana, il suo lavoro si è progressivamente allontanato nell'ultima fase della sua attività in un territorio più astratto, pur non rinunciando mai a trovare nelle sue opere riferimenti alla concretezza del mondo reale. In questa svolta decisivo è stato l'uso dell'acciaio corten, che sviluppa un'espressività materica che rimanda al tempo che scorre. Il volume gli rende omaggio attraverso oltre quaranta opere che, in maniera suggestiva, delineano il suo originale percorso artistico.

Il volume è dedicato alla figura di Duilio Cambellotti (Roma, 1876-1960), un artista straordinario che ha saputo misurarsi con successo in svariate discipline, spaziando dalle forme d’arte più classiche a quelle più moderne, e ponendosi quale indiscusso interprete della sua epoca. Sei decenni di intensa e copiosa attività che le opere presentate in queste pagine intendono documentare, in un percorso che consente di ricollocare e apprezzare il lavoro del poliedrico artista nella sua interezza. Cambellotti infatti fu orafo, ceramista, illustratore, pittore, scenografo teatrale e cinematografico, costumista, fotografo e collezionista; ma soprattutto fu uno scultore originalissimo, che la più recente storiografia artistica identifica come il vero antagonista del dinamismo plastico boccioniano.

Nessun artista, nella scultura del Novecento, ha scolpito il mondo della vegetazione e, per essere più precisi, l'universo verde delle foglie, dei frutti, dei cespugli, degli arbusti, degli alberi, come Alik Cavaliere. Nella sua ricerca Alik ha affrontato molti soggetti, come si vede in questa mostra divisa in varie sedi milanesi (Sala delle Cariatidi, Museo del Novecento, Giardinetto di Palazzo Reale, Centro Cavaliere, Sala Ristorante dell'Università Bocconi, cui si affiancano i focus a Palazzo Litta e alle Gallerie d'Italia), ma il tema della natura, nei suoi aspetti di rigoglio e sofferenza, espansione e costrizione, è il cuore di tutta la sua opera. È un lavoro, il suo, in cui le tante fonti di ispirazione artistica si caricano di molteplici suggestioni poetiche e filosofiche, dando luogo a opere dense di significato, ma mai letterarie o meramente contenutistiche.