Aska Edizioni

La ristampa del volume "Pinocchio" di Carlo Collodi, illustrato dal pittore Marino Parigi avviene dopo 73 anni dalla prima edizione, ormai quasi introvabile (una delle poche copie reperibili si trova nell'archivio della Fondazione Collodi). La pubblicazione narra "le Avventure di Pinocchio" con 48 illustrazioni a colori delle storie del burattino di legno, tanto amato dai grandi e dai bambini.

Con le opere di Adriano Bimbi tocchiamo un tema arduo e affascinante: quello del rapporto, o per meglio dire, della rappresentazione del mondo come spazio della interiorità. Come punto di partenza per guardare oltre la sterminata distesa delle cose, oltre lo specchio della contingenza: salendo in alto oltre le nuvole, oppure restando in basso ad ascoltare le impercettibili vibrazioni della terra come un rabdomante. Con gli occhi di chi non vede, eppure in qualche modo progressivamente conosce, salendo a passo a passo per la sua scala. Delle opere che qui mettiamo in mostra, sono sottolineare il carattere di «sobrietà» e di «gentilezza», il giustapporsi armonioso di «sembianze ruvide» e di «sentimenti insospettabilmente delicati». Notazioni che colgono nel segno in quanto evidenziano quello sdoppiamento tra ciò che è messo in scena - ci sia consentita questa espressione - e ciò che resta alluso. Tra realtà e finzione poetica, che come vogliamo qui argomentare è uno dei tratti salienti, forse il più significativo, dell'opera artistica di Adriano Bimbi.

Se si pensa che l'autore del presente racconto ha solo, come il protagonista della storia, 9 anni, lo schema, per quanto originale, non stupisce: solo trasponendo (sublimando) sul versante comico-fiabesco il tema horror, si poteva stemperarlo e svilupparlo serenamente. Così streghe, vampiri, pipistrelli, cimiteri, tombe e bare che pur costituiscono oggetti dell'interesse emotivo del giovane autore, non mantengono più quella loro aura terribile che induce paura ed angoscia ma diventano soggetti, ambienti ed oggetti capaci di dispensare buonumore, ilarità e rassicurazione. Età di lettura: da 9 anni.

Il libro è strutturato in tre capitoli (Contesti, Mappe, Cronologie), a cui seguono due ricche sezioni (Documenti, Memorie) e un'articolata Appendice (Biografie, Bibliografia e fonti, Galleria fotografica, Indice dei nomi). Se nel primo capitolo si incrociano le dimensioni micro e macro e i contesti "locale" con quelli nazionale e globale, nel secondo - con lo stesso metodo - si delinea una mappa del "gauchisme" sessantottino, ossia una geopolitica dei movimenti. Nel terzo infine sono esemplificate, in comparazione, cronologie di natura completamente diversa: una dedicata al triennio rosso 1967-1969 in chiave locale; l'altra sulle origini globali e lontane del Sessantotto, rinvenute per tracce in quell'inedito e "incredibile miscuglio" antropologico culturale (e contestativo) che aveva già preso forma nel dopoguerra. Alla sezione documentaria, piccola raccolta di articoli consacrata in parte ai ricordi, segue la corposa e variegata sezione delle memorie individuali, vero fiore all'occhiello di questo lavoro collettivo.

Baj, Buren, Estoppey, Fabro, Fuchs, Gori, Graige, Guasti, Haring, Inoue, Karavan Kounellis, Marangoni, Martini, Mattiacci, Mitoraj, Morris, Nagasawa, Nunzio, Paladino, Paolini, Parmiggiani, Philippe, Saint Phalle, Sonfist, Spoerri, Staccioli, Trafeli, Tufan, Varotsos, Venturi, Zorio. Da secoli artisti provenienti da tutto il mondo hanno scelto di realizzare le loro opere nel paesaggio toscano. Una preferenza che si potrebbe definire storica, ma che sembra aver avuto una significativa intensificazione nel corso della seconda metà del Novecento incoraggiata da un mecenatismo pubblico e privato diffuso. Committenza, accoglienza e ospitalità si sono legati ad una cultura artistica radicata nel territorio in grado di recepire le espressioni di una contemporaneità artistica come parte della trasformazione del paesaggio naturale, agricolo e urbano. Il territorio e la sua cultura hanno permeato l'azione degli artisti, che hanno saputo plasmare contesti particolari e specifici assecondandone lo spirito e intercettando con le loro creazioni nuovi momenti di identità.

La "Carta di Treviso" è stata e rimane uno spartiacque fondamentale per la diffusione nel mondo della comunicazione di una cultura dell'infanzia capace di garantire la tutela dei minori fra diritto di cronaca e diritto alla riservatezza, sullo sfondo del principio irrinunciabile della difesa della dignità umana. "Anonimus", è un progetto fotografico realizzato con il patrocinio di UNICEF Italia, che riesce a proporre la strada della tutela della privacy dei minori: una serie di immagini di bambini contenute nel volume che rispettano le raccomandazioni della "Carta di Treviso", senza perdere di vista il diritto del bambino ad essere protagonista. "Anonimus" è anche una mostra fotografica fatta coi bambini, dedicata ai bambini e strutturata per i bambini di tutto il mondo.

Alcune persone sembrano entrare nella nostra vita con il solo scopo di farci star male. Alcuni problemi sembrano fare lo stesso, impedendoci di raggiungere la nostra felicità. Perché capita tutto questo? Che senso hanno simili vicende? Albert Einstein ha definito la follia come la tendenza a fare sempre la stessa cosa aspettandosi risultati diversi. Ebbene, in queste pagine è presente una formula per impedire che questo destino si compia. "Le chiavi di cambiamento interiore sono tre" - Entrare dentro per uscire fuori. Guardare in faccia le proprie bugie, vedere le proprie resistenze e capire il motivo per cui ce la raccontiamo. - Ricordare per dimenticare. Prendere coscienza dell'origine del proprio carattere, capire quali volumi sono più alti nella melodia della propria personalità. - Trasformare in oro quel che non brilla. Imparare a fare esperienza della propria esperienza. Il metodo presente in questo libro rappresenta il grimaldello per sciogliere l'incantesimo della tirannia delle emozioni e divenire ciò che siamo destinati ad essere.

È un'opera monografica dedicata a un mosaicista romano: Giacomo Raffaelli, erede di una tradizione familiare nella produzione di paste vitree risalente alla metà del XVII secolo. Negli ultimi tre decenni del Settecento il suo studio in San Sebastianello, angolo Piazza di Spagna a Roma, divenne una meta obbligata per i sofisticati tourists d'Oltralpe e per la nobiltà europea che non mancava di acquistare placche, tavoli o gioielli ideati dal caposcuola del mosaico minuto romano. La fama raggiunta gli procurò riconoscimenti prestigiosi e nel 1804, su incarico del governo napoleonico, fondò una scuola di mosaico a Milano. Qui si trattenne fino al 1820 portando a compimento uno dei capolavori nel genere del mosaico minuto: la replica a grandezza naturale dell'"Ultima cena" di Leonardo da Vinci (Vienna, Minoritenkirche). I testi, corredati da ampi apparati documentari e iconografici esaminano l'intera produzione, a oggi nota. La vasta selezione di immagini a colori illustra mosaici e opere lapidee appartenenti a musei e collezioni private in Europa e negli Stati Uniti.

Venturino Venturi è considerato una delle principali personalità culturali del Novecento. Nato nel 1918 a Loro Ciuffenna, egli ha stretto rapporti di amicizia e di formazione con i maggiori intellettuali italiani, tra i quali Ottone Rosai, Mario Luzi, Eugenio Montale, che ritrovandosi insieme nel caffè fiorentino delle Giubbe Rosse sono stati in grado di esprimere, con le opere, una particolare e suggestiva interpretazione del mondo in chiave moderna. Nei ritratti scultorei, oltre al materiale primitivo composto da elementi come pietra, legno o ferro, si ritrova una particolare attenzione per un percorso visivo caratterizzato da debolezze, sofferenze, ricordi e da una straordinaria curiosità per le gioie e i dolori della vita. Attraverso un linguaggio figurativo semplice, familiare, quasi popolare, si coglie una profonda riflessione sull'esistenza umana.

Francesco Mochi, figlio di Lorenzo, nacque a Montevarchi il 28 luglio 1580 da un'agiata famiglia di notai. Lo scultore si recò giovanissimo a Firenze, per svolgere il suo apprendistato presso il pittore Santi di Tito. Intorno al 1600, attratto più dalla scultura che dalla pittura, Mochi si trasferì a Roma, dove ebbe modo di vedere e studiare l'arte antica. Poi si spostò ad Orvieto, Piacenza per poi ritornare a Roma, dove morì nel 1654. Il lavoro fotografico di Luca Canonici propone con uno stile personale e suggestivo le opere dell'artista montevarchino, collocate in diversi luoghi della penisola, tra cui si possono ricordare: il busto di Carlo Barberini, Museo di Roma, la statua del duca Ranuccio Farnese Piacenza, il monumento equestre di Ranuccio Farnese Piazza Cavalli a Piacenza, Santa Veronica San Pietro (Roma), il busto di Arcasio Ricci, Cattedrale Gravina di Puglia, San Filippo Chiesa di Sant'Agostino di Orvieto, l'Angelo annunziante Chiesa di Sant'Agostino di Orvieto, San Paolo e San Pietro Chiesa dei Fiorentini di Roma, il busto di Marcantonio Eugenj Galleria Nazionale dell'Umbria. Note biografiche e cronologia delle opere a cura di Marcella Favero.

Non solo una guida, ma anche un articolato percorso di emozioni, un taccuino di viaggio all'interno di questa città divenuta mito. A formare la leggenda di Siena hanno contribuito, lungo i secoli, diversi fattori: le vicende storiche, i personaggi, l'arte, le contrade, la religione (quella soprannaturale e quella laica professata attraverso una salda coscienza civica). E non di meno il suo modo d'essere, la forma stessa della città che induce al bello e alla perfezione. Introduzione di Giuliano Catoni.