Kimerik: Karme

"Attraverso" è la Poesia dell'Arte. È un poema incentrato sull'interiorità, sull'emozione che stravolge, che scompensa l'esistenza come un quadro di Picasso. Ma che poi la riordina, compie la magia e la riorganizza, le dà quel senso per cui vale la pena vivere. L'amore è esplicitato nella sua forma di sentimento umano, terreno, vivo. Non trascende la carne in virtù dell'eterno, ma trova il suo divino esistere nel corpo, negli sguardi, nel volto dei protagonisti. E, al pari di una scultura rinascimentale, il corpo assume il ruolo del protagonista, del Caronte che veicola emozioni e sentimenti spingendoli oltre l'epidermide, fino a farli esplodere attraverso gli sguardi. È una poesia che si comprende nell'io, una poesia che non arriva dall'esterno ma parte dal vissuto di ciascuno di noi, una poesia che non si assume per mezzo della lettura, ma necessita di esperienza, poiché si nutre di emozioni quotidiane, di luoghi familiari, della terra, del sole, del mare. L'idillio sentimentale, che caratterizza l'intero poema, palesa agli occhi del lettore una appassionata coppia di amanti che trascura la propria identità per ritrovarsi nel trionfo della voluttà che, in rima con l'etereo Bacio di Klimt, porta con sé una sorta di enigma da risolvere. Lucia Ferrara si muove, a passo deciso e avventuriero, lontana dai moralismi di massa, in un tempo indefinito tra Romanticismo e Impressionismo, tra Cubismo e Decadentismo, tra Rinascimento e Classicismo. E ci prende per mano, conducendoci nella più ardente delle passioni, e chiedendoci di vivere una esperienza sublime e rigeneratrice Attraverso il suo poema d'amore.

Maurizio Chinappi con "Versi nel tempo" scorrono approda a una nuova raccolta di poesie che si aggiunge ad altre precedentemente pubblicate; essa è una selezione di liriche che l'autore ha deciso di suddividere in tre periodi cronologicamente successivi e distinti: dal 1975 al 1993, dal 1997 al 2005 e dal 2016 al 2020. La successione non è marcata meramente da un fattore temporale, bensì si tratta di una evoluzione artistico-letteraria del poeta che, così, ci permette di avere uno sguardo complessivo, una visione d'insieme, una prospettiva favorevole sulla sua poetica. La prima parte, dal 1975 al 1993, vede il prevalere di elementi tratti dal mondo della natura e fonte di ispirazione, con poesie come La pioggia e L'eremo, che esplorano il paesaggio interiore attraverso metafore naturali. Il tono è spesso malinconico, ma aperto a momenti di speranza e rinascita, come in D'un tratto è gioia. Nella seconda parte, dal 1997 al 2005, prorompe la riflessione esistenziale: fra smarrimento, disillusione, malinconia, amori delusi. Da notare, in particolare, il componimento Naufragio che ripropone un topos che ha attraversato trasversalmente la letteratura occidentale. Infine, nella terza parte, dal 2016 al 2020, i temi dell'amore e della perdita diventano centrali. Le poesie sono più intime e riflessive, con un tono più maturo e sereno, come si vede in Il tuo sguardo e Ascolto nel silenzio. C'è un ritorno a sentimenti di tenerezza e contemplazione, soprattutto nelle relazioni interpersonali.

"Gioie e lamenti di un cantastorie" è il viaggio interiore di Filippo Reggiani, un giovane poeta laureato in Lettere Classiche, che nutre un forte amore per la letteratura e per la poesia. Un amore viscerale che gli ha consentito di dare una forma ben definita alla bellezza che lo circonda. Lui stesso, nella premessa del suo libro, utilizza una bellissima metafora quando parla della sua opera, definendola un tracciato dei sentimenti; proprio a voler sottolineare la capacità delle sue poesie di creare una strada all'interno, e anche all'esterno, del lettore. L'opera è suddivisa in sei sezioni: Liriche zaffiro, Liriche eucologiche, Liriche goliardiche, Liriche amorose, Liriche varie e Dediche in versi. In ognuna delle sezioni sono presenti varie poesie che si differiscono le une dalle altre, ma accomunate dalla dolcezza e dalla sincerità propria del poeta. Alcune di esse rievocano, per stile e immaginario, uno dei più grandi poeti italiani del Trecento, Francesco Petrarca. Al poeta, Reggiani dedica anche un componimento dal titolo Lettera a Petrarca, che si presenta come una vera e propria ode al precursore dell'Umanesimo. L'opera di Reggiani, oltre a rappresentare un viaggio personale, vuole essere un monito per i lettori a intraprendere la strada della propria interiorità. Attraverso i suoi versi, il poeta sembra volerci dire che. soprattutto in un periodo come questo, per non soccombere al dolore e alla sofferenza, dovremmo lasciarci guidare dalla poesia, dalla bellezza, dalla letteratura.

Le "Notazioni anonime" di Andrea Ceriani sono simili alle note e ai pensieri che si è soliti scrivere sui propri diari personali, quando si è giovani e la vita appare difficile. Lo stesso fa il poeta Ceriani all'interno della sua raccolta: affida alla carta i suoi sentimenti, le sue giornate, i suoi pensieri più profondi. All'interno dell'opera, le sue note, o liriche, vengono suddivise in tre grandi sezioni: Poesie, Prose e Versi liberi. Nella prima parte, l'autore raccoglie una serie di componimenti dai temi più disparati, quali la religione, l'amore, il dolore. Significativi sono quelli dedicati alla natura, nelle quali la natura stessa diventa protagonista viva e reale che abbraccia l'io e lo porta a riflettere sulla vita. Nella seconda parte, quella dedicata alle prose, il poeta scrive delle lettere a se stesso e a chi ha conosciuto nel corso della sua esistenza. Esplora, dunque, la propria interiorità e va alla ricerca di sentimenti forti come l'amore, la mancanza, la nostalgia, il tempo beffardo che passa e non lascia scampo. La terza e ultima parte raccoglie, invece, dei versi liberi che non posseggono un titolo. Sono delle vere e proprie note che l'autore rivolge a se stesso e ai lettori, che si sentono chiamati a esplorare la loro propria interiorità. La raccolta di Andrea Ceriani non è solo un'esperienza letteraria, ma un invito a fermarci, respirare e ascoltare le voci profonde del nostro essere che chiede, giorno dopo giorno, di essere ascoltato.

Una riflessione dolce-amara del percorso esistenziale, in cui esperienze passate e presenti si intrecciano tra ricordi evanescenti, eterne attese e aspettative fiduciose. Un viaggio d'introspezione tra miracoli quotidiani, sinestesie e metafore inedite. Spunti biografici che diventano riflessioni di carattere universale, in uno spettro tematico vasto, che mantiene lo sfondo di una Sicilia ancestrale, a tratti idilliaca, scandita dal rumore del mare, dal profumo degli ulivi, dal ritmo delle filastrocche popolari, dei culti e della vita lenta nei borghi arroccati attorniati dal blu. Un racconto che procede nello scorrere delle stagioni che diventano stati d'animo, dipingendo quadri interiori ed esteriori. La scelta del dialetto, per alcuni componimenti, ribadisce l'essenza della raccolta: l'elogio di una terra amata e nostalgicamente ricordata, rifugio immortale tra bellezze e peccati, madre e mentore di ogni emozione.

Pina Corso ha iniziato a scrivere poesie dopo la morte prematura dell'unico suo figlio, Tonino, deceduto a diciotto anni per distrofia muscolare. Il suo quarto volume, che vuole ancora una volta dedicare ai suoi beniamini Tonino, figlio, e Saro, suo marito, è una continuità delle precedenti edizioni e si ispira ai moti del suo animo turbato da eventi tristi che la portano in un deserto, avvolta da solitudine. Ma la vita interiore che esplode in lei reagisce e apre nuovi sentieri di luce, di serenità, di gioia. I suoi versi e acrostici in lingua italiana e dialetto siciliano hanno una linfa vitale che le dà pace e sollievo nel deserto della sua anima e vogliono portare il lettore ad aprirsi alla speranza, cogliendo l'attimo fuggente per dare gusto alla vita che, in parte, costruiamo con le nostre mani. Parla del presente e del futuro perché quest'ultimo dipende dalla impostazione che diamo, ora, al presente. La vita, si sa, è un regalo di Dio che ce l'ha data come dono d'amore, per essere eternamente felici. Tonino, che aveva molta fede, diceva che noi, persone umane, siamo dentro una corazza e quando si va in Cielo, la lasciamo quaggiù e liberi da questo corpo possiamo volare in alto dove tutto è bello e gioioso. Per arrivare a questa libertà, pilastri fondanti sono: la fede, la speranza e la carità. Le prime due virtù teologali ci aiutano in questa terra a vivere bene, sapendo che non veniamo dal nulla, ma siamo stati creati per un progetto d'amore di Dio, che ha riservato a ciascuno di noi un posto in Paradiso; sta a noi guadagnarcelo e non farcelo rubare dal nemico dell'anima, Satana. L'amore, invece, nasce e cresce nei cuori e ci accompagna sempre ed è la parte migliore, più qualificata e qualificante dell'essere umano. San Paolo nel suo tredicesimo capitolo della Prima lettera ai Corinzi (13, 1-13) fa una dissertazione dettagliata della carità (amore). Pina Corso

"Parva Lyrica" di Gabriele Rocchetti è un’opera dal carattere intimo e soggettivo. Il titolo rimanda ai piccoli lirismi della raccolta che, al loro interno, contengono questioni universali, come ad esempio l’amore per la vita, il dolore umano. Le liriche sono cinquantuno, composte da versi liberi, e suddivise a loro volta in due sezioni, Regressione e Progressione. Nella maggior parte dei casi, non appaiono in ordine cronologico, bensì tematico. Il titolo della prima sezione indica il lento deteriorarsi dell’io che fatica a vivere, difatti i componimenti al suo interno riflettono il dolore e la sofferenza scaturiti dall’inadeguatezza alla vita. Tra le poesie più significative da questo punto di vista c’è Correla, nella quale l’io lirico paragona se stesso a un aquilone che non riesce a volare perché rimane impigliato a un albero. Nella seconda parte si avverte un sostanziale cambiamento. Progressione indica la crescita sperimentata dal poeta dopo che la poesia irrompe nella sua vita. Da mero spettatore, l’io lirico si butta a capofitto nella propria esistenza, fino a ritrovare se stesso. Nella poesia che inaugura la sezione, Luminol, l’io lirico è intento ad attraversare una foresta oscura, probabilmente la sua vita, con il coraggio che è proprio della scrittura e, in questo caso, della parola poetica. Lo stile è aulico e, al contempo, intriso di musicalità.

"Questo libro è stato curato, scritto e realizzato da Mimoza Pulaj. L'autrice parla dello scrittore Bejko che appartiene a quella generazione lirica degli anni Settanta che crebbe i suoi fiori all’ombra dei grandi poeti della generazione passata. Non fu quindi un poeta d’avanguardia e non conobbe lo splendore di una fama improvvisa nella poesia albanese come i suoi illustri predecessori. Conobbe però una lotta ardua con il rigore delle regole imposte alla poesia dalla dittatura “socialista”, le regole del cosiddetto “realismo socialista” che non era nella sua essenza, né vero realismo, né pervaso da ideali veramente socialisti. Non poteva essere paragonato alla poesia di Aragon, di Neruda, di Nazim Hikmet, i cui ideali – socialisti o comunisti – erano proiettati nell’avvenire. Queste liriche rispecchiano il dramma dell’uomo moderno in generale, dell’albanese in particolare, che passò da un’implacabile dittatura al caos dell’anarchia, al dramma dell’egoismo individuale dell’uomo moderno, distaccato dalla natura e dalla comunità. Il traduttore se è all’altezza del suo compito, è un ricreatore, non un copista. Pensiamo che ciò sia avvenuto nella fine traduzione di Pulaj, maggiormente fedele sia allo spirito sia alla lettera dell’originale, che, con la sua sensibilità di poetessa, ha tentato di avvicinare uno dei poeti albanesi più originali all’anima del lettore italiano. È indispensabile tener conto, analizzando questa traduzione, di alcune differenze, fonetiche e morfologiche fra le due lingue: la straordinaria ricchezza di suoni in albanese, la ricchezza di vocali in italiano, la presenza in albanese di date categorie morfologiche, come la declinazione e alcuni modi verbali, assenti in italiano. Pulaj inverte liberamente l’ordine delle parole nei versi, fa delle aggiunte, a volte unisce un verso all’altro, restando però fedele all’accentuazione delle parole-chiave e al ritmo dell’originale albanese. Intuisce l’importanza di alcune metafore, di alcuni epiteti, per la loro carica emozionale e suggestiva e li rende accuratamente in italiano. Mimoza Pulaj è fedele alla ricchezza di immagini di Bejko e al ritmo tutto interno della sua poesia che aspira a ricreare nella variante italiana. La sua traduzione è contemporaneamente libera e fedele, fedele all’essenza della poesia originale." (Prof. Dr. Klara Kodra)

"Toamo – Heart and Brain" conclude la trilogia Toamo iniziata nel 2020 con la pubblicazione di Toamo – La Dama, La Terra e Il Leone e continuata con il secondo volume dal titolo Toamo – Le Due Anime, La Libertà e La Doxa, del 2021. Giuseppe Piluso inizia dunque a trattare in versi temi quali l’amore, dominante nell’intera sua opera con tutte le sfumature possibili, la violenza sulle donne, la disabilità vissuta o mai accettata, l’amicizia vitale, deludente o sognata, la malattia conosciuta e affrontata, la morte, l’omosessualità, la guerra, la forza di ricominciare, la bellezza della vita, la fiducia che nasce dall’essere positivi nonostante. Dentro tutte le argomentazioni trattate c’è lui: l’uomo, che da sentimentale diviene gradatamente consapevole e attento alle difficoltà che la vita gli mette davanti, l’uomo che trova il coraggio di affrontare, dopo le cadute, il dolore e le disillusioni. E se dunque quell’uomo, voce dell’umanità intera, agisce e reagisce, in un divenire costante attraverso la trilogia di Piluso, è forse perché anche l’uomo-poeta lo ha seguito nello stesso, identico, fluire: Oggi ho rimosso la chiave dal quadro, oggi ho cambiato direzione, facendo ad U inversione. Ho la prima messo e andando via via l’andamento non era più lo stesso. La seconda ho innestato, con la terza ad andare veloce ho iniziato. La fine? Ancora lontana! Un cambio ad U, dal titolo di una delle poesie di questa terza raccolta, come chiave di lettura sul mondo che, da esperito diviene controllabile e quindi non più temibile. Giuseppe Piluso ci rivela inoltre che anche la diversità delle lingue usate riflette l’idea che abbiamo sul mondo e lo dimostra traducendo alcuni dei suoi versi in inglese e in vernacolo di Rende: le parole dunque rimandano al lettore la forza di chi le sa scegliere.

Con questa raccolta di liriche dal titolo "Nostalgia di un istante" l'autrice catanese Lucia Russo decide di rendere pubblici, per la prima volta, gli svariati testi composti durante le ore notturne, a lei tanto care e fonte di variopinta ispirazione. Il testo si compone di ventinove poesie dalle tematiche più disparate: le occasioni di ispirazione sono quotidiane, come la visione di una pianta di fragole, di un randagio solo per le strade, di una serata di pioggia, di una rosa fiorita nel giardino... A esse si accostano temi più impegnati, come la solitudine, l'amore, l'esistenza con il suo passato, la nostalgia, le assenze. È proprio la nostalgia di un istante che la poetessa catanese ci fa provare durante la lettura; dolore per il ritorno di qualcosa che, come un soffio di vento, ci ha accarezzato ma con la stessa rapidità con cui si è manifestato così si è dissolto; come un sogno che ha tenuto impegnato il nostro sonno tutta la notte e che, al risveglio, ci lascia una sensazione nostalgica, un'assenza, una mancanza, ma non riusciamo a ricordare più nulla di ciò che è stato. I versi sono brevi e concisi, vanno dritti al punto e al cuore del lettore; con un lessico quotidiano si riesce a suscitare emozioni istantanee e preziose.

Quest'opera è composta da poesie in cui prevalgono sentimenti che provengono dal cuore ed emozioni che nascono dal profondo dell'anima. Ogni verso è uno struggente canto d'amore, è dolce solitudine, è desiderio profondo, è mancanza malinconica. È soprattutto l'amore che supera lo spazio e il tempo. Chi ha il privilegio di leggere questo volume si perde in un vortice di sensazioni che vanno al di là delle semplici parole. Sono sguardi persi nelle tempeste del cuore, sono piccole note che accarezzano le corde dell'anima, sono attimi di vita vissuti intensamente e regalati generosamente da chi, prima di noi, li ha passati con estrema passione. Ed è proprio quello che ha saputo fare Anna Lombardi in questa stupenda raccolta, porgendo ogni rigo al lettore con estrema dolcezza e semplicità.

"Se capita" è una raccolta di poesie ricche di musicalità e introspezione, caratterizzate da una varietà di temi e immagini che riflettono i momenti della vita quotidiana. Tra un verso e l'altro l'autore ci permette di ritrovare le emozioni che caratterizzano la nostra esistenza e gli scorci di una bellissima Roma. Ogni componimento ci offre un diverso aspetto della vita romana, utilizzando le parole come se fossero le pennellate di un quadro che viene dipinto strofa dopo strofa davanti ai nostri occhi. Passiamo dalla voglia di rinascita e di rivalsa alla tranquillità apparente prima che la tempesta esploda intorno a noi. Da un momento di creatività e divertimento alla speranza di realizzare i propri sogni. Dalla bellezza della vita urbana al tema dell'onestà dell'uomo. Ogni poesia è una nuova scoperta, un regalo che ci viene fatto dall'autore e che non stanca mai. Il bello di questa raccolta è che se a una prima lettura affascina e incuriosisce, a una seconda coinvolge ancora di più e si può andare avanti all'infinito, scoprendo ogni volta nuovi elementi e altre sfumature. Il poeta è in grado di usare le parole con maestria, gioca con esse coniando nuovi termini ad hoc per esprimere i sentimenti e le sensazioni che ci vuole trasmettere. Questo suo modo di raccontare è decisamente originale e affascinante è la capacità di evocare suggestive cartoline.