Musica

Un metodo in due volumi per lo sviluppo della propria creatività. Nato come guida per i corsi accademici di chitarra jazz nei Conservatori ed adatto a tutti i musicisti. Il Volume 2 approfondisce l’uso di arpeggi su cadenze minori ed accordi alterati. Nell’ambito armonico affronta le triadi “late” e i movimenti interni. Nel capitolo scale: sixth diminished, pentatoniche, esatonali e diminuite. Vi sono esercizi pratici su progressioni come il Rhythm Changes e altri standards. Include l’improvvisazione su cadenze complesse, i Coltrane changes e 10 strumenti tra idee ritmiche, voice leading ed intervalli. Introduce tecniche di contrappunto e il concetto di Sister Dominants.

Questo volume presenta una raccolta di celebri composizioni di Ennio Morricone, arrangiate per quartetto di sassofoni da Paolo Favini. Le trascrizioni offrono una nuova prospettiva sonora sulle melodie iconiche del Maestro, valorizzando le potenzialità timbriche e dinamiche dell’ensemble sax. Il repertorio include alcuni dei brani più noti e intensi della produzione morriconiana: Accadde a Venezia, Alfonsina delle camelie, C’era una volta il West, Childhood Memories, Come un madrigale, Deborah’s Theme, Gabriel’s Oboe, Giù la testa, Indagine su un cittadino, Al di sopra di ogni sospetto, Infinito, Malèna, Metti, una sera a cena, Mille echi, Regan’s Theme e You’re Still You. Il libro include sia le partiture complete (Full Scores) sia le parti staccate (Single Parts) per ogni strumento, rendendolo ideale per la preparazione di esecuzioni sia didattiche che professionali. Un omaggio raffinato e coinvolgente, pensato per interpreti che vogliono confrontarsi con la profondità emotiva e la ricchezza espressiva della musica di Morricone attraverso la voce duttile e calda del quartetto di sassofoni.

Una sessione di riscaldamento ben strutturata è fondamentale per ogni chitarrista: migliora la sincronizzazione, rafforza muscoli e tendini, e prepara a una pratica più efficace. Questo metodo propone un percorso completo, graduale e pensato per il chitarrista moderno, indipendentemente dallo stile musicale. Attraverso 15 capitoli e oltre 300 esercizi, il libro affronta aspetti tecnici essenziali come la pennata alternata, le allargature, il legato, la coordinazione e la resistenza, senza trascurare lo studio delle scale fondamentali. Sono inclusi anche esercizi di accompagnamento ritmico e tre assoli finali in stile Pop, Blues e Smooth Jazz. Ideale come warm-up quotidiano, questo metodo aiuta a costruire una tecnica solida e una maggiore consapevolezza musicale.

Improvisation Secrets guida il lettore in un percorso approfondito e progressivo per sviluppare una solida padronanza dell’improvvisazione musicale. Il viaggio inizia con l’esplorazione degli intervalli, prosegue con lo studio delle quadriadi e si amplia con un’analisi dettagliata dell’armonia, includendo triadi tradizionali, “triadi late” e le disposizioni Drop 2 e Drop 3. Vengono affrontati strumenti essenziali come la pentatonica e gli arpeggi a tre e quattro voci, per arricchire il vocabolario melodico e armonico. Particolare attenzione è rivolta al groove e agli approcci cromatici, fondamentali per creare linee espressive e dinamiche. Il libro si conclude con Solo X3, un assolo originale dell’autore che racchiude e mette in pratica tutte le tematiche trattate nei capitoli precedenti, offrendo un esempio concreto di come integrare teoria e creatività nell’improvvisazione. Un manuale essenziale per chi desidera trasformare conoscenza e tecnica in un linguaggio musicale personale e consapevole.

Il volume La chitarra ritmica esplora in profondità le strutture fondamentali e l’evoluzione del ritmo nella musica moderna. Dopo un’introduzione alle nozioni basilari come accenti e groove, l’autore analizza diversi stili ritmici e portamenti, tracciando un percorso storico che parte dalla nascita del funk per arrivare all’era della dance. Viene dato ampio spazio all’impatto della tecnologia, con l’avvento di sequencer e computer, e all’utilizzo degli effetti sonori (FX) dagli anni ’80 e ’90. Il testo si chiude con una riflessione sul costante rinnovarsi del linguaggio ritmico, in un dialogo continuo tra tradizione e innovazione. Un viaggio essenziale per comprendere le trasformazioni del ritmo nei contesti musicali contemporanei.

"Teoria musicale per produttori di musica elettronica" è un manuale pensato per chi desidera comprendere i fondamenti della teoria musicale rimanendo ancorato all’ambiente della produzione digitale. Con un linguaggio semplice, diretto e informale, il libro guida il lettore attraverso i concetti fondamentali come note, intervalli, scale, accordi, rivolti e modalità, utilizzando strumenti familiari come il Piano Roll Editor. L’approccio pratico è rafforzato dall’analisi di brani celebri dell’elettronica contemporanea (da Deadmau5 a Aphex Twin), e da riferimenti costanti al software e al workflow del produttore. Questa edizione italiana mantiene la chiarezza dell’originale, arricchendo il testo con una doppia nomenclatura (italiana e anglosassone) e con un occhio di riguardo alla terminologia inglese usata nel settore. Una risorsa preziosa per chi vuole migliorare le proprie competenze musicali senza uscire dal proprio DAW.

Questo volume raccoglie una selezione di celebri brani di Pino Daniele, arrangiati per chitarra classica da Mauro Di Domenico, che ha dedicato parte del suo lavoro alla reinterpretazione delle opere del cantautore partenopeo. Le trascrizioni, pensate per valorizzare la ricchezza melodica e armonica delle composizioni originali, offrono al chitarrista la possibilità di esplorare un repertorio d’autore in una veste intima e cameristica. I brani proposti includono alcune delle pagine più intense e rappresentative del repertorio di Daniele: Quando, Invece no, Angelo vero, Allora sì, Sicily, Je so’ pazzo, Napule è, Vento di passione, Again, Quanno chiove, fino al commovente omaggio finale E vivrò (dedicato a Pino).

Bob Ostertag è conosciuto soprattutto per i legami con le ardite sperimentazioni delle avanguardie di New York, in questo libro le tematiche musicali costituiscono solo uno dei molti argomenti considerati: in qualche modo onnipresenti, certamente non ne sono il centro. Le pagine sulla fallita rivoluzione salvadoregna, sul successo di quella nicaraguense con le relative problematiche, sul disastro balcanico e l'impossibilità di adoperare in Serbia le stesse categorie interpretative elaborate in Centroamerica, sono intrecciate alle riflessioni su composizione e improvvisazione, sulla tecnologia, sul ruolo dell'arte e sull’incessante trasformazione sociale che viviamo e ci travolge. Bob Ostertag è un compositore, scrittore, musicista, costruttore di strumenti e molto altro, cresciuto in Colorado e attivo dai primi anni ’80 a New York prima e poi a San Francisco. Alla continua ricerca di un percorso che unisse politica radicale e una creatività fuori dagli schemi, ha collaborato con nomi cruciali nella scena della musica d'avanguardia, tra i quali Anthony Braxton, Eugene Chadbourne, Fred Frith, John Zorn, Kronos Quartet, Mike Patton, Otomo Yoshihide, Phil Minton e tantissimi altri.

Il lettore potrebbe chiedersi perché proporre oggi la versione italiana di un’opera uscita in inglese trentacinque anni fa, dedicata alla storia della prassi esecutiva musicale, tema su cui molto si è scritto in seguito. Eppure, nonostante la vasta bibliografia recente sull’esecuzione “storicamente informata” e la disponibilità odierna di testi un tempo rari, la pubblicazione di questa “Prassi musicale” in due volumi (prima e dopo il 1600) resta pienamente giustificata. Il metodo con cui il lavoro fu concepito e affidato da Howard Mayer Brown e Stanley Sadie, tra i più autorevoli musicologi del Novecento, è ancora insuperato. Come affermano i curatori nella prefazione, se “la musica antica è quella scritta più di quarant’anni fa”, l’interesse si estende non solo dal Medioevo al Romanticismo, ma anche all’avanguardia del secondo Novecento. L’ultimo capitolo tratta infatti una musica “contemporanea” che oggi non lo è più: anche l’esecuzione di qualche decennio fa può sembrare superata. Non così il metodo d’indagine, ancora solido e proficuo.

In questa Storia del jazz Stefano Zenni si avvale di molteplici prospettive che tengono conto delle relazioni tra individui e movimenti geografici – dalle migrazioni intercontinentali alle dinamiche urbane locali –, degli intrecci tra generi, del legame tra improvvisazione e scrittura, chiarendo i rapporti con le altre musiche, dalla classica europea al rock. Per comprendere l’evoluzione del jazz è essenziale esplorare le intricate interazioni culturali e artistiche che ne hanno accompagnato lo sviluppo, dalle radici africane del XVI secolo fino alla sua nascita sul continente americano e alla sua diffusione a partire dal XX secolo. Questo processo va analizzato considerando i diversi contesti in cui si è sviluppato (club, sale da ballo, teatri), le figure professionali coinvolte (come produttori e manager), le dinamiche dell'industria musicale, nonché i legami con i movimenti politici. Centinaia di capolavori del jazz sono presentati al lettore su solide basi musicologiche, offrendo una guida selettiva agli ascolti imprescindibili.