Silvana: Arte

Il pranzo reale è certamente una delle immagini più affascinanti della civiltà delle corti. Eppure le opere che lo raffigurano sono estremamente rare e non ne mostrano quasi mai la quotidianità. L’iconografia delle tavole di corte, infatti, rappresenta per lo più pranzi ufficiali, per nozze, incoronazioni o altre cerimonie. Nello stesso tempo la figura del re che mangia è stata oggetto di letture molteplici, che vanno dalle fiabe alle caricature politiche sino al cinema. Allegoria del potere e, insieme, crocevia di visioni diverse e contrastanti, le tavole reali sono, quindi, un tema iconografico particolarmente complesso. Il volume analizza l’immagine e la realtà del pranzo reale attraverso il prisma delle corti dei sovrani italiani, fra Cinquecento e Ottocento, in un arco cronologico che dall’Italia degli antichi Stati giunge a quella, finalmente unita, della Belle Époque. Una grande varietà di opere, tra dipinti, disegni, incisioni, servizi da tavola, arredi, oggetti preziosi, vetri e argenti, ma anche menu storici, per un viaggio nel mondo delle corti tra arte e storia.

Non si immaginava, all’inizio del progetto, di incrementare così tanto la conoscenza di queste opere di Raffaello, già da tempo e profondamente indagate; e ciò sebbene siano state applicate le metodologie più innovative nell’ambito delle indagini diagnostiche non invasive, la Macro X-Ray Fluorescence e la scansione di imaging iperspettrale, capaci di entrare dentro l’opera in maniera assai più potente e dettagliata rispetto al passato e di farci scoprire metodi e tecniche dell’azione creativa dell’artista. Il restauro ha ridato luce alla superficie della Deposizione ma soprattutto ha previsto un trattamento inedito del supporto, tra artigianato sapiente e alta tecnologia, ora capace di trasmetterci costantemente informazioni sul proprio stato fisico e meccanico in rapporto alle condizioni ambientali, un caso esemplare di conservazione programmata. Le indagini storico-critiche hanno infine svelato aspetti particolari, inconsueti o meno noti, esplorando, anche in questo caso, oltre l’immagine.

Il mondo è un unico grande organismo vivente, da cui si generano le differenze che sono legate da un’anima universale, l’anima del mondo. Tutto è in perenne rotazione e nella giostra della vita gli opposti si rincorrono, si inseguono, talvolta prevalgono l’uno sull’altro ma non si annullano e non si eliminano a vicenda. Tutto finisce, tutto ricomincia. E le differenze sviluppano energia e creatività nel caleidoscopio, che ruotando senza sosta, è mosso dall’anima del mondo.

Torino: otto circoscrizioni, trentaquattro quartieri, oltre 836.000 abitanti. Un solo comune denominatore: l’Arte Nuova, il Liberty. Declinata, caso singolarissimo se non unico al mondo, in ogni tipologia edilizia: dal palazzo di pigione alla villa signorile, dalla fabbrica ai bagni pubblici, dalla scuola alla caserma, all’ospedale, dagli impianti sportivi ai monumenti, la nuova architettura coinvolge committenti e artisti e salda in un solo linguaggio scelte politiche e sociali. La prima capitale dell’Italia finalmente unita, che nel 1861 ha 173.305 residenti, nel cinquantenario arriva a 415.667 abitanti la cui dimora sono gli edifici liberty capaci di dare un nuovo volto alla città juvarriana e attuare un formidabile piano di risanamento del centro storico di quella Torino che, nel 1902, è premiata dal formidabile successo della Prima Esposizione Internazionale d’Arte Decorativa Moderna. È la deflagrazione del nuovo linguaggio, l’arte che diviene quotidianità nella città positivista e in rapidissima crescita. È la nascita di un modello di civiltà urbana unico, espressione di un consapevole atteggiamento degli amministratori locali che agiscono all’unisono, per favorire lo sviluppo sociale ed economico del territorio.

La cicatrice è il segno indelebile dello scontro e del dolore, ma non apre ad una nuova consapevolezza, o come dice l’artista: “L’esperienza non serve, sappiamo bene quali sono le cose che ci fanno male e le rifacciamo. Perché in fondo ci piace quell’errore, l’errore è la vita stessa”.

Gli anni venti rappresentano un decennio tra i più sorprendenti della storia artistica nazionale ed europea. In pieno clima di ritorno all’ordine, il confronto tra Torino e Milano, due realtà al tempo contraddistinte da fervori socio-economici e culturali, a partire dal 1920 entra nel vivo delle complesse vicende pittoriche che hanno caratterizzato le poetiche di Felice Casorati e di Mario Sironi. Alla generazione dei capiscuola novecentisti si affianca la presenza dei più giovani artisti di area piemontese e lombarda, qui rappresentati da capolavori e da opere esposte nelle rassegne storiche del decennio. La “moderna classicità” praticata dai maestri tra il 1920 e il 1930 si confronta e si scontra con la tensione neoromantica dei più giovani Sei di Torino – Boswell, Chessa, Galante, Levi, Menzio, Paulucci – e con l’aggiornato avanguardismo dei Nuovi futuristi operativi nei due capoluoghi, da Fillia, Prampolini, Oriani, Diulgheroff – accostati a Balla, autore di riferimento – ai milanesi Munari, Andreoni, Gambini, Bot.

Virgilio Socrate Achille Funi (Ferrara, 1890 – Appiano Gentile, 1972) ha attraversato da protagonista i principali movimenti che hanno caratterizzato la cultura italiana della prima metà del Novecento. Dopo essersi distinto nell’ala moderata del Futurismo, è salito alla ribalta tra i grandi interpreti del Realismo magico, del moderno classicismo del movimento artistico "Novecento" e del Muralismo degli anni Trenta, pur mantenendo una spiccata autonomia. Innamorato dei miti classici e della sapienza rinascimentale, al punto da essere considerato un moderno umanista, Funi ha saputo celebrare «l’eternità della vita nell’arte» attingendo ai valori formali della tradizione figurativa antica come al linguaggio più attuale di Cézanne, Picasso, Derain, e de Chirico. Il volume consente di rileggere l’intera parabola creativa del pittore attraverso più di centoventi opere tra dipinti ad olio e a tempera, acquerelli e disegni a carboncino e a sanguigna, fino ai cartoni preparatori per i grandi affreschi e mosaici realizzati a Milano, Trieste, Roma e Tripoli nell’ambito dell’estesa attività edilizia e urbanistica promossa negli anni Trenta e Quaranta.

Mancini e Gemito, fedeli discepoli di Domenico Morelli, sono qui accostati per richiamare la loro dichiarata filiazione al grande maestro del realismo e con l’obiettivo di instaurare un dialogo fra temperamenti ed espressioni figurative selezionate fra pittura, disegno e scultura. Le opere dei due artisti sono accomunate dal sentimento del vero, concentrato non soltanto sulla immediata percezione delle cose ma soprattutto inteso quale visibile traduzione di stati d’animo via via maturati al fuoco di una fervida immaginazione messa alla prova da temperamenti necessariamente divergenti, con la conseguenza finale di una poetica solitudine o della follia, e poi dell’arte come auspicata consolazione. Il volume è stato dunque pensato come percorso parallelo, denso di capolavori e di qualche opera inedita, ma allo stesso tempo integrato nel più ampio contesto del Museo dell’Ottocento, dove la cultura figurativa di quel secolo, nella sua declinazione meridionale, trova una sede prestigiosa e una più che esauriente narrazione. In tale fedele contesto i curatori hanno individuato nell’opera di Mancini e Gemito e nelle loro avventurose personalità artistiche il tramite più coerente per proporre un inedito confronto che riesca a convincere i lettori e il pubblico più ampio delle inesauribili risorse offerte dal “catalogo” della storia intesa come occasione di vitale dialettica critica e di suggestivo affondo nelle vicende biografiche di due fra i massimi protagonisti della storia dell’arte europea.

Sotto l’impulso individualista della nostra epoca si sono realizzate le condizioni necessarie a una forma nuova e autonoma di pittura figurativa. È l’Altra Individualità, che riunisce un vasto gruppo di artisti nell’intermediazione tra l’individuo e la collettività, con un’arte che esalta il reale evitando il culto dell’oggetto. Parliamo di Silvia Argiolas, Michele Bubacco, Rudy Cremonini, Giacomo Modolo, Giuliano Sale e poi ancora Adriano Annino, Irene Balia, Thomas Berra, Maurizio Bongiovanni, Anna Capolupo, Nicola Caredda, Dario Carratta, Barbara De Vivi, Alice Faloretti, Andrea Fiorino, Agnese Guido, Iva Lulashi, Dario Maglionico, Dario Molinaro, Matteo Nuti, Alessandro Pessoli, Davide Serpetti e Sophie Westerlind e tanti altri artisti divenuti trascrittori di un’identità pubblica e del suo ruolo sociale.

"Tutte le etichette mi vanno bene, ma nessuna mi appartiene. Non posso negare che le mie opere provocano delle reazioni contrastanti, però la polemica non è mai cercata. Credo che se ti relazioni all'arte in maniera sincera, ti troverai spesso di fronte a realtà scioccanti. Il pubblico di fronte alle mie opere si divide, è costretto a prendere una posizione. Questo lo ritengo un fatto positivo. L'arte che mette d'accordo tutti non m'interessa, mi dà la sensazione di trovarmi di fronte a qualcosa di già visto." (Giuseppe Veneziano)

Questo libro rende omaggio all’artista del vetro Yoichi Ohira (1946-2022) e alla vetreria Anfora di Murano, con i suoi maestri soffiatori Livio Serena e Andrea Zilio e il maestro molatore Giacomo Barbini, i quali hanno eseguito centinaia di pezzi unici insieme a questo formidabile artista del vetro. Oltre ai testi di Rosa Barovier Mentasti, Barry Friedman, Federico Zanini e Francesca Giubilei, sono presenti importanti opere e disegni di Ohira e documenti recentemente ritrovati, come un archivio del maestro Barbini con le varie lavorazioni della moleria, che testimoniano la creatività e la dedizione di questo artista capace di unire due culture: quella giapponese e quella della tradizione veneziana del vetro, attuandone una sintesi e una evoluzione di altissima qualità.

Il volume monografico presenta la produzione artistica di Ileana Mendola (Catania, 1926) dagli anni quaranta ai nostri giorni, dalle prime tele ad olio, rigorosamente figurative, alle jute dipinte, dalle opere cosiddette "decorative" fino alla stagione informale, che corrisponde al suo periodo produttivo più intenso. In tale fase, inaugurata nel 1975, abbandona le tecniche tradizionali sperimentando un processo di manipolazione della materia. Nella sua lunga vita non si allontana molto dal proprio ambiente familiare, riuscendo tuttavia a realizzare un corpus di opere importante attraverso il quale è possibile leggere i mutamenti del tempo vissuto. L'artista non si è mai disgiunta nel suo lavoro da un'inclinazione fortemente femminile, muovendosi sicura nel solco di un'indagine artistica sempre ad alto livello; l'azzardo delle sue tecniche inconsuete le ha permesso nel tempo di emergere in modo semplice e per certi versi inconsapevole che oggi ci consente di inserire il suo lavoro nel panorama informale del secondo Novecento. La sua testimonianza rivela un personaggio significativo come artista e come animatrice culturale: ha diretto infatti per un decennio, tra il 1981 e il 1991, il Centro Informazione Arte Contemporanea (CIAC) realizzato nell'atelier del padre Carmelo Mendola a Catania, luogo suggestivo dove oggi continua l'attività dell'Associazione Culturale Carmelo & Ileana Mendola.