Silvana: Arte

La linea, il tempo, l'origine e la memoria: ecco gli elementi cardine dell'opera di Peter Kim (Corea del Sud, 1967). Nella sua opera la linea ripetuta è usata come un mantra visivo, una preghiera composta da piccoli segni intrecciati fra loro, quasi a volere estrarre dal groviglio inestricabile dei fili una misura universale. Il disegno è il frutto di un gesto reiterato che incide nello spazio e costruisce una ragnatela a cui annettere il reale. Il volume raccoglie una selezione di opere dedicate al tema archetipico del vaso: contenitori leggendari, concrezioni di sogno, i vasi di Kim sembrano vascelli fluttuanti nell'oceano del tempo, messaggeri di storia, recipienti d'infinito. Il catalogo accoglie i testi di Maria Giovanna Musso e Rye Dag Holmboe, un'intervista all'artista e apparati biografici.

La fama immediata del Cenacolo dipinto da Leonardo nel refettorio del convento di Santa Maria delle Grazie a Milano fu diffusa e ampliata dal numero di copie dipinte che subito ne furono tratte. Ma la decadenza della pittura, iniziata già nel 1517, rese sempre più difficile accostarsi al capolavoro originale, così da rendere necessario, nei secoli successivi, il riferimento alle prime copie dipinte per ottenerne immagini complete. L'incisione di Raffaello Morghen offrì una riproduzione del Cenacolo elaborata attraverso un lavoro di ricostruzione ideale del "monumento" ormai illeggibile, basato sulle copie antiche, adottando un metodo analogo a quello che si andava impiegando nella nascente disciplina archeologica. L'ampia documentazione qui raccolta dà ragione anche, soprattutto dopo la scoperta della fotografia, delle trasformazioni che l'opera ha subito negli ultimi due secoli, prima che, proprio attraverso un lavoro di scavo archeologico condotto nel vivo della materia, i frammenti della pittura originale fossero raggiunti e resi nuovamente leggibili a ricomporre l'immagine del capolavoro leonardesco. Presentazione di Filippo Del Corno.

Attraverso la selezione di cinquanta opere, provenienti dalla GAM di Torino, si è cercato di ricostruire l'ampio ventaglio delle proposte italiane, maturate proprio nei cruciali primi anni sessanta in cui esplose il fenomeno pop internazionale. In quel contesto fortemente dinamico e propositivo di una nuova visione della realtà, di una rinnovata missione da affidare all'arte, si affermò una svolta linguistica – allora satura di presente – che appare invece a noi oggi velata di struggente malinconia. Il volume illustra, per campionamenti, le differenti declinazioni di stile di artisti come, tra gli altri, Mario Schifano, Franco Angeli, Tano Festa, Giosetta Fioroni, Sergio Lombardo, Fabio Mauri, Mario Geroli, attivi sulla scena romana, accanto a personaggi della statura di Jannis Kounellis o Pino Pascali. Sul versante torinese, saranno da confrontare le proposte di Ugo Nespolo, Aldo Mondino, Piero Gilardi, Michelangelo Pistoletto, Antonio Carena, e così via. Sullo sfondo, esempi delle ricerche "pionieristiche" di Mimmo Rotella ed Enrico Baj. Attraverso il saggio introduttivo, e con l’ausilio delle biografie degli artisti, si è voluto rileggere il fenomeno della pop art; da un lato, ripercorrendo la cronaca di quegli anni, alla ricerca di incroci e corrispondenze dirette con l'arrivo e l'esplosione del fenomeno pop americano, in particolare sul suolo italiano; dall'altro, rimettendo a fuoco la provenienza culturale e linguistica degli artisti italiani, evidenziandone contiguità e differenze rispetto agli episodi internazionali. Interventi di Dario Franceschini, Giandomenico Genta e Maurizio Cibrario.

Il volume documenta la prima tappa dell'iniziativa Open, un tour di eventi espositivi, promosso da fondazione Cariplo e in partenariato con le fondazioni di comunità locali, che intende portare il patrimonio artistico dell'ente milanese in tutta la Lombardia e nelle province del Verbano-Cusio-Ossola e di Novara. La Fondazione comunitaria della provincia di Cremona ospita, presso il locale Museo Ala Ponzone, in collaborazione con il comune di Cremona, il primo evento espositivo dell'iniziativa Open, che raccoglie una scelta di opere provenienti dalle collezioni della fondazione Cariplo e dallo stesso museo cremonese. E propone un percorso incentrato sul paesaggio, che trova filoni paralleli nelle due collezioni, dando luogo a un suggestivo e per tanti versi appassionante viaggio in tre secoli di pittura, dove ogni sosta è la rivelazione di un mondo. Una rassegna di oltre quaranta opere, tra cui dipinti di Alessandro Magnasco, Gaspar van Wittel, Felice Giuseppe Vertua, Pietro Ronzoni, Giuseppe Canella, Emilio Gola, che può destare la curiosità di chi voglia seguire i diversi sviluppi di questo genere pittorico e soprattutto scoprire - in maniera davvero inattesa - piccoli capolavori. Contributi di Giuseppe Guzzetti e Cesare Macconi.

Parte della ricerca più recente di Matteo Negri abbandona la composizione tridimensionale e sposta l’indagine dall’oggetto al piano. I volumi lasciano il posto a sculture basate su formati bidimensionali che si intersecano tra loro, tra rifrazioni, moltiplicazioni e inciampi dello sguardo. L’astrazione formale è necessaria all’artista per il nuovo orizzonte della sua sperimentazione: la forma diventa un’area liminale che permette di scoprire l’opera come qualcosa di non distinto dal mondo che la contiene, ma piuttosto come un luogo di configurazione, di ridefinizione del mondo stesso.

Il volume ripercorre la storia del tatuaggio in Italia e l'evolversi di una espressione artistica che ha vissuto nella sua storia momenti di grande fortuna e altri di vita clandestina, coinvolgendo ambiti sia sacri che profani: una tradizione antica – qui testimoniata dai tatuaggi terapeutici di Ötzi, il cui corpo mummificato è stato ritrovato sulle Alpi a più di 5000 anni dalla sua morte – che riemerge nella civiltà cristiana del Medioevo, per diffondersi in età più recente nel linguaggio comunicativo degli ambienti malavitosi, illustrato dalle rudi immagini di corpi istoriati dei carcerati. Il racconto si avvale di una ricca documentazione di foto, strumenti, stampe e disegni inediti provenienti da raccolte museali di diversa formazione, come il Museo archeologico dell'Alto Adige dedicato al ritrovamento dell'"Uomo venuto dal ghiaccio", il Museo di antropologia criminale "Cesare Lombroso" dell'Università di Torino, il Museo delle arti e tradizioni popolari di Roma, fino alle collezioni private del Queequeg Tattoo Studio & Museo di Gian Maurizio Fercioni a Milano e dell'ArtTattoo Studio di Marco Pisa a Bologna. Prefazione di Guido Guerzoni e introduzione di Nicolai Lilin.

Il 3 dicembre del 1996 il Museo civico Amedeo Lia apriva al pubblico, mettendo a disposizione della comunità un patrimonio d'arte privato fino ad allora di difficile consultazione. Accanto a opere celebrate dalla letteratura artistica, oggetto in alcuni casi di annose riflessioni, ne apparivano altre inedite 0 poco indagate, sprone ancor maggiore di ricerca e approfondimento. Venti capolavori provenienti da venti prestigiosi musei italiani e stranieri celebrano i venti anni trascorsi da quella data: dipinti, sculture, miniature, oggetti d'arte dialogano con opere della collezione permanente, in un colloquio proficuo di spunti e di occasioni di confronto. Un omaggio alla bellezza, illustrata da celebri artisti quali Beato Angelico, Dosso Dossi, El Greco, Bernini, ma anche al desiderio di raggiungerla, inderogabile costante delle felicissime incursioni nel mondo dell'arte sempre operate con lungimirante entusiasmo da Amedeo Lia. Contributi di Massimo Federici, Matteo Melley e Marzia Ratti.

Fin dalla sua apertura nel 1988 il Centro per l'arte contemporanea Luigi Pecci di Prato ha intrapreso la raccolta e l'incremento di una "collezione permanente": una sintesi non esaustiva ma significativa dell'arte dell'ultimo mezzo secolo, il cui carattere peculiare è la varietà di generi e l'eterogeneità di forme e materiali, tipiche delle ricerche artistiche postmoderne su cui è incentrata la raccolta. Essa è formata in prevalenza da lavori plastici, grandi sculture, installazioni e ambienti, dipinti, lavori fotografici e video, realizzati dagli anni cinquanta del novecento fino ad oggi. Nell'insieme queste opere costituiscono il primo patrimonio pubblico dell'attualità artistica in una terra come la Toscana, attenta a favorire sviluppi artistici e attiva nel promuovere esperienze culturali.

Attraverso oltre cinquanta opere, il volume accende i riflettori sulle più interessanti espressioni artistiche e sugli strabilianti protagonisti del movimento futurista. Il titolo "Venti futuristi" vuole sottolineare la carica innovativa che il futurismo portò nella penisola italiana, un vento di cambiamento che non coinvolse solamente le arti figurative, ma tutti gli aspetti del vivere quotidiano: dalla moda al teatro, dalla cucina alla letteratura, provocando un rinnovamento radicale negli stili di vita. Seguendo un percorso tematico, si potranno così ammirare i capolavori dei firmatari del primo manifesto del futurismo, come "Linee - forza di mare" di Giacomo Balla, in un dialogo costante e serrato con varie manifestazioni della creatività del movimento. Dai disegni per tessuti e arredi e dai modelli per abiti e stravaganti accessori dello stesso Balla, alle caricature di Ivo Pannaggi, alla creatività femminile testimoniata dallo splendido arazzo di Leandra Angelucci Cominazzini, per giungere alle vertiginose visioni aeree di Tullio Crali, Gerardo Dottori e Sante Monachesi. Contributi di Alfio Bassotti e Maurizio Mangialardi.