Silvana: Arte

Curata da Carolyn Christov-Bakargiev, Marcella Beccaria, Elena Volpato ed Elif Kamisli, con la consulenza di Vittorio Gallese e ispirata da Michael Taussig e altri, la mostra L'emozione dei COLORI nell'arte, organizzata da Castello di Rivoli Museo d'Arte Contemporanea, Rivoli-Torino e GAM — Galleria d'Arte Moderna e Contemporanea, Torino, indaga l'uso del colore attraverso più di 400 opere di oltre 130 artisti da tutto il mondo che spaziano dal XIX secolo fino ad oggi. Questo catalogo include i saggi degli organizzatori della mostra e quelli di Richard E. Cytowic, Claire Lehmann, Bracha L. Ettinger, Pietro Rigolo, oltre a una ricca antologia di testi scritti dagli artisti in mostra o selezionati con il loro consiglio.

Il volume, edito in occasione di una mostra organizzata dall'Istituto italiano di cultura di Mosca con l'intento di far conoscere al pubblico moscovita gli anni della fervida sperimentazione artistica del dopoguerra in Italia, è dedicato a Pino Pinelli, uno dei maggiori interpreti dall'arte analitica. Ciò che caratterizza la ricerca di questo artista, nato a Catania ma trasferitosi giovanissimo a Milano, è la volontà di frammentare l'oggetto quadro negli elementi che lo compongono (materia cromatica inclusa) e addirittura coinvolgendo in questo processo elementi "estranei" all'oggetto quadro, come la cornice, e addirittura il muro, e l'ombra su di esso proiettata. Un approccio "analitico", gioioso e ludico, che non indebolisce il concetto del quadro come entità, ma ne rafforza l'essenza.

“Sentire. Toccare. Vedere./Fare e pensare. Pensare e fare./L'arte ha grandi capacità evocative,/la sua aniconicità trascende i limiti/del contenuto letterale: li attraversa, incessantemente.” Pino Pinelli

Con l'anno 1910, che dà il via alla genesi del Futurismo, si inaugura un decennio "cruciale" per la nascita dell'arte moderna italiana. Altre tendenze pittoriche giovanili, caratterizzate da una reazione più moderata nei confronti della tradizione e da un'apertura alle avanguardie europee, trovano espressione nei movimenti secessionisti che percorrono la nazione da Venezia a Roma. La Grande Guerra sancisce la fine dell'iconoclastia futurista e l'inizio del processo di ricomposizione delle forme, recuperate alle fonti della tradizione classica mediterranea e italiana. Attraverso i primitivismi di indirizzo sia popolare che colto, e le successive poetiche postbelliche della Metafisica e dei Valori Plastici, la nostra pittura riscopre i principi compositivi di sintesi e di costruzione, in sintonia con il clima europeo del Ritorno all'ordine che avrebbe segnato le sorti del Novecento Italiano dopo il 1920.

Un viaggio lungo cento anni, a cavallo tra XIX e XX secolo, tra palpiti insurrezionali, politica coloniale e pittori viaggiatori, attirati dal mito di terre incognite e vergini, e soprattutto esotiche, che permette di ripercorrere la storia nazionale, dall'Unità d'Italia alla disastrosa avventura imperialistica voluta dal fascismo e sfociata poi nella seconda guerra mondiale. Una ricca documentazione illustra il passaggio tra i due secoli: dalle immagini inedite del Benadir provenienti dall'archivio dell'IsIAO, l'Istituto Italiano per l'Africa e l'Oriente, a quelle di Italo Balbo a Tripoli con l'artista Melkiorre Melis; e poi dipinti, sculture, ceramiche, documenti, riviste e illustrazioni, costumi di scena per l'opera lirica. Cento anni raccontati da un punto di vista insolito, quello della periferica, primitiva e a sua volta esotica Sardegna, prima tappa dell'itinerario che portava in Nord Africa, che, da facile meta di esotismo "della porta accanto", si è talvolta mossa a scoprire gli esotismi degli altri.

Per la prima volta un artista interpreta la storia e la memoria del Centro Arti Visive, che ospita due installazioni di Gregorio Botta ispirate dal "genius loci" dello spazio espositivo. Nel "Suffragio" l'artista ha collocato una scultura monumentale che ripropone la struttura dodecagonale della chiesa, mentre il "Loggiato" ospita lunghi tavoli che possono ricordare i banchi del pesce, rivisitati in maniera rarefatta ed evocativa. Botta ha costruito una mostra giocata sul contrasto tra spirito e materia, architettura e visione, stasi e movimento, luce e ombra.

"Fausto Melotti. Trappolando" rappresenta un omaggio all'opera plastica dell'artista (Rovereto 1901 - Milano 1986), con particolare attenzione alla produzione ceramica. Le circa trenta opere selezionate fra sculture e bassorilievi in ceramica - alcune mai esposte prima - sono tutte in diverso modo esemplari dei passaggi cruciali del suo lungo percorso artistico. Melotti definì la ceramica come "un pasticcio", "una cosa anfibia", forse per evidenziare la sfida cui essa ogni volta sottopone il suo artefice. Il termine "trappolare" deriva da una frase pronunciata da Melotti all'indomani del precipitare degli eventi bellici e della distruzione del suo studio di Milano: "Mi sono messo, se non proprio a lavorare, a trappolare. Ho un po' di creta e faccio delle testine grosse come un pugno. Ma mi organizzerò eglio". Il volume include anche due nuclei di fotografie inedite realizzate da Vittorio Pigazzini e da Toni Thorimbert.

Il MIDeC Museo Internazionale Design Ceramico -Civica Raccolta di Terraglie di Laveno è ospitato nel cinquecentesco Palazzo Perabò, a pochi passi dalla riva del lago Maggiore. Il museo, e questa guida, testimoniano della storia della ceramica di Laveno e delle personalità artistiche che ne furono artefici: da Andlovitz a Campi, da Biancini a Tofanari, da Saponaro a Costantini a Leonor Fini. La collezione del MIDeC ripercorre l'evoluzione stilistica delle arti decorative da metà Ottocento all'inizio del Duemila. Il visitatore potrà ammirare vasi, servizi da tavola, da tè e da camera, sculture e pannelli, prove dell'alto livello artistico raggiunto in 150 anni di produzione.

Il volume è un dialogo a due tra la collezione AGI Verona e la città di Siena. AGI Verona è una delle maggiori collezioni di arte italiana e internazionale, costruita in diversi decenni di attività, il cui tratto peculiare è quello di aver intercettato opere di artisti in una fase iniziale della loro carriera. In un confronto ideale tra storia senese e produzioni artistiche contemporanee, il volume narra il rapporto instauratosi tra le opere della collezione e le diverse Istituzioni di Siena che le hanno ospitate - Palazzo Pubblico, Santa Maria della Scala e Accademia dei Fisiocritici - caratterizzate storicamente da una ricerca del vero intesa come espressione di una razionalità politica, umanitaria e scientifica. Che il vero possa confutare il falso è una rigorosa interrogazione del reale da parte delle opere degli artisti, dove l'investigazione di problemi gnoseologici, l'analisi di memorie pubbliche e private, ma anche la riflessione su temi sociali e politici, trovano espressione mediante un approccio nel quale emozioni e passioni divengono parte di un più ampio tentativo dell'arte di comprendere il mondo.

L’immagine del DNA, notissima icona di casualità e destino, di speranza e condanna al contempo, permea, tramite il significato che rappresenta, numerosi aspetti della società del nostro tempo. Attraverso testi, immagini, grafiche e reperti originali che rievocano storie di scienziati e di scoperte, il volume intende far emergere le caratteristiche della formidabile invenzione dell’evoluzione quale “libro della vita”, “alfabeto del vivente”. Ne risulta una visione realistica e concreta degli sviluppi della genetica volti a comprendere le trasformazioni sociali e culturali che essa stessa produce e che rappresentano, per molti aspetti, una delle sfide più affascinanti, controverse e anche inquietanti della democrazia e dell’etica contemporanee. Tutto questo è raccontato nel presente volume, che accompagna la mostra esposta a Palazzo delle Esposizioni a Roma, e che accoglie, testi esplicativi e scientifici, a corredo delle illustrazioni di reperti storici.