Silvana

Il volume, edito in occasione di una mostra organizzata dall'Istituto italiano di cultura di Mosca con l'intento di far conoscere al pubblico moscovita gli anni della fervida sperimentazione artistica del dopoguerra in Italia, è dedicato a Pino Pinelli, uno dei maggiori interpreti dall'arte analitica. Ciò che caratterizza la ricerca di questo artista, nato a Catania ma trasferitosi giovanissimo a Milano, è la volontà di frammentare l'oggetto quadro negli elementi che lo compongono (materia cromatica inclusa) e addirittura coinvolgendo in questo processo elementi "estranei" all'oggetto quadro, come la cornice, e addirittura il muro, e l'ombra su di esso proiettata. Un approccio "analitico", gioioso e ludico, che non indebolisce il concetto del quadro come entità, ma ne rafforza l'essenza.

Le opere presentate in questo libro raccontano vent'anni di fotografie di Maurizio Galimberti, l'artista che ha trasformato la Polaroid in una forma d'arte, nella "magica eterna" Parigi. Nella capitale francese, che ha dato i suoi natali alla fotografia, Galimberti - liberata la mente e aperto il cuore - ha via via applicato stilemi diversi e conseguenti della propria creatività a sviluppo immediato in un percorso che traccia la sintesi di tutta la sua progettualità e sperimentazione.

IN-possible presenta al lettore la parte più recondita della collezione del Museo Alessi: una selezione di progetti mai realizzati che dimostra come il lavoro di sviluppo possa portare talvolta a esiti inaspettati. Perché il solo modo per giungere a un oggetto realmente innovativo è saper affrontare l'incertezza della ricerca.

“Sentire. Toccare. Vedere./Fare e pensare. Pensare e fare./L'arte ha grandi capacità evocative,/la sua aniconicità trascende i limiti/del contenuto letterale: li attraversa, incessantemente.” Pino Pinelli

Con l'anno 1910, che dà il via alla genesi del Futurismo, si inaugura un decennio "cruciale" per la nascita dell'arte moderna italiana. Altre tendenze pittoriche giovanili, caratterizzate da una reazione più moderata nei confronti della tradizione e da un'apertura alle avanguardie europee, trovano espressione nei movimenti secessionisti che percorrono la nazione da Venezia a Roma. La Grande Guerra sancisce la fine dell'iconoclastia futurista e l'inizio del processo di ricomposizione delle forme, recuperate alle fonti della tradizione classica mediterranea e italiana. Attraverso i primitivismi di indirizzo sia popolare che colto, e le successive poetiche postbelliche della Metafisica e dei Valori Plastici, la nostra pittura riscopre i principi compositivi di sintesi e di costruzione, in sintonia con il clima europeo del Ritorno all'ordine che avrebbe segnato le sorti del Novecento Italiano dopo il 1920.

Un viaggio lungo cento anni, a cavallo tra XIX e XX secolo, tra palpiti insurrezionali, politica coloniale e pittori viaggiatori, attirati dal mito di terre incognite e vergini, e soprattutto esotiche, che permette di ripercorrere la storia nazionale, dall'Unità d'Italia alla disastrosa avventura imperialistica voluta dal fascismo e sfociata poi nella seconda guerra mondiale. Una ricca documentazione illustra il passaggio tra i due secoli: dalle immagini inedite del Benadir provenienti dall'archivio dell'IsIAO, l'Istituto Italiano per l'Africa e l'Oriente, a quelle di Italo Balbo a Tripoli con l'artista Melkiorre Melis; e poi dipinti, sculture, ceramiche, documenti, riviste e illustrazioni, costumi di scena per l'opera lirica. Cento anni raccontati da un punto di vista insolito, quello della periferica, primitiva e a sua volta esotica Sardegna, prima tappa dell'itinerario che portava in Nord Africa, che, da facile meta di esotismo "della porta accanto", si è talvolta mossa a scoprire gli esotismi degli altri.

Ho cercato di vivere con consapevolezza il mio tempo, di seguirne la complessità, i cambiamenti nel territorio, nella composizione sociale, nel mondo della cultura, con un'attenzione e partecipazione particolari verso realtà difficili, problematiche, di fatica, di negazione dei diritti e verso quei segnali in cui si poteva invece leggere una lotta per la loro conquista, una scoperta di sé, un'affermazione di una propria libertà e creatività. Sono questa dignità e ricchezza umana spesso negate, ma sempre esistenti, che io ho voluto mostrare. Questo è stato il mio sguardo e, direi, il trait d'union fra indagini anche molto diverse fra loro. La fotografia è stato il mezzo per condividere, prima ancora che per raccontare, storie di militanza, di impegno, di travaglio, con persone a cui mi ha sempre legato un'istintiva complicità.

Magnum Photos, fondata nel 1947 da Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, Georges Rodger, David "Chim" Seymour e Bill Vandivert, è tra le agenzie fotografiche più famose al mondo. Fino a non molto tempo fa la mostra curata nel 1956 da L. Fritz Gruber per photokina, a Colonia, era considerata la prima collettiva di Magnum; oggi, oltre cinquantanni dopo, è stata riscoperta un'esposizione che risale a un periodo ancora precedente, di cui questo volume rappresenta una documentazione completa e inedita. Ottantatré stampe fotografiche, opera di otto fotografi della Magnum - Werner Bischof, Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, Ernst Haas, Erich Lessing, Jean Marquis, Inge Morath e Marc Riboud - sono presentate in riproduzioni di grande formato. Il tema principale è l'umanesimo fotografico": persone nel loro ambiente quotidiano ritratte senza alcun genere di sensazionalismo da fotogiornalisti impegnati, che credevano di informare e migliorare il mondo attraverso documenti autentici del loro tempo.

L'agenzia fotografica Magnum e la rivista americana "Life". Due storie che per la prima volta vengono presentate insieme. Nove reportage realizzati da fotografi di Magnum e pubblicati da "Life", nove storie che ebbero un grande impatto sull'opinione pubblica. Un'opportunità per riflettere sulla fotografia e sulle sue implicazioni, sul suo rapporto con la carta stampata, sulle trasformazioni tecnologiche avvenute nel mondo della comunicazione, sulla forza che queste immagini furono in grado di trasmettere.

Nel 1959 Caio Mario Garrubba realizza un lungo reportage nella Cina di Mao, a dieci anni dalla fondazione della Repubblica popolare, desideroso di vedere la Cina rossa della rivoluzione e quella millenaria dei contadini e delle immense distese di riso. In questi anni la Cina è una meta ambita e quasi irraggiungibile per un fotoreporter occidentale e lui è il primo a varcare le sue frontiere dopo Cartier-Bresson. Garrubba si immerge per quaranta giorni nella vita di un popolo che lo accoglie con stupore e curiosità e che ha negli occhi la fatica. Cattura la vita della gente, con quella fotografia "stradale" in cui è maestro: non ci troviamo mai di fronte a dei racconti "a tesi", ritratti di tipi ideali, figure scelte per comprovare un'idea, ma a uomini e donne colti nella concretezza della loro individualità, nella ricchezza del loro mondo interiore, nel loro bagaglio personale di storia. Le sue fotografie richiamano tutta l'atmosfera di un istante, "immagini di un'intuizione", come le definisce lo stesso Garrubba. Esse riflettono un'idea libera e letteraria di fotografia, come viaggio alla scoperta del mondo, come racconto di vite quotidiane che attraversano i grandi fatti della storia: rivelano lo sguardo malinconico e solidale sulla vita degli uomini di un grande fotoreporter, maestro della fotografia "umanista" del secondo Novecento.