Fotografia e fotografi

Genio ribelle che ha saputo riscrivere i codici della fotografia di ritratto e di nudo; sciamano contemporaneo di una New York segreta e scabrosa; raffinato, sintetico ed elegante cantore di un’idea di bellezza assoluta. Robert Mapplethorpe è stato anche e soprattutto un artista profondamente consapevole della storia dell’arte, un conoscitore raffinato che ha costantemente cercato di dialogare con il passato per generare immagini innovative e contemporanee. La sua visione è stata influenzata dal classicismo, che Mapplethorpe ha non solo studiato, ma anche copiato, rinnovato e interpretato, traducendo in fotografia quei principi di armonia, proporzione e perfezione formale che caratterizzano la scultura antica. Il volume che accompagna il progetto espositivo articolato in tre tappe pone in dialogo diretto le più celebri fotografie di Mapplethorpe che hanno come soggetto le sculture classiche, perfette ed eterne, accanto a immagini con protagonisti modelli maschili e femminili, fugaci e sensuali, che riprendono pose o angolature delle precedenti, creando un confronto visivo tra la rappresentazione scultorea del corpo umano e quella fotografica. Con l’obiettivo di tracciare le varie tappe della carriera e della ricerca artistica di Mapplethorpe, prende vita una monografia completa e aggiornata che racconta le fasi cruciali della sua produzione, dalle prime esplorazioni con i collage no agli ultimi lavori, passando per le sue iconiche fotografie di nudi, ritratti e composizioni floreali.

Dalla prima metà del secolo scorso, con Rrose Sélavy, il celebre fotomontaggio di Marcel Duchamp, passando per la rivoluzione culturale del secondo Novecento – quando l’arte intreccia i suoi destini con i media, il rock e la politica – fino alle espressioni artistiche più recenti, il tema dell’autoritratto e dello specchio si rivela una fonte inesauribile di suggestioni. Un enigma che si intreccia con l’identità di genere, la maschera e l’alterità. L’ambiguità consapevole del travestimento si sovrappone a quella intrinseca alla fotografia, che da un lato è un «certificato di esistenza» e dall’altro cristallizza un «tempo estetico» distinto da quello storico, in cui il divenire e la trasformazione del corpo e della vita sembrano sospesi per un istante. Tra le prime e più complete analisi sul travestitismo, I’ll be your mirror torna in libreria in una nuova edizione rivista e aggiornata, per esplorare le più recenti trasformazioni culturali, tecnologiche e sociali che hanno ridefinito la nostra percezione delle immagini – e, di conseguenza, della nostra identità.

Mimmo Jodice è uno dei grandi protagonisti della storia della fotografia italiana. Fotografo d’avanguardia fin dagli anni Sessanta, attento alle possibilità espressive del linguaggio fotografico, è stato protagonista instancabile nel dibattito culturale che ha portato alla crescita e successiva mente all’affermazione e al riconoscimento della fotografia italiana anche in campo internazionale. Il libro ripercorre gli elementi che hanno caratterizzato tutta la sua ampia produzione artistica: le prime sperimentazioni, in cui Jodice combina elementi astratti e figurativi, interviene sulla carta attraverso il collage e lo strappo e, ancor prima, nella camera oscura, imponendo movimento a soggetti statici; il progressivo allontanamento dalla figura umana, sostituita da paesaggi metafisici in cui realtà e immaginazione si sovrappongono; lo studio del passato e della memoria attraverso i reperti archeologici, collocati in uno stato di sospensione atemporale, e le statue corrose dai secoli, dove l’archeologia diventa una meditazione per immagini sul farsi e disfarsi della forma; il Mediterraneo, dove il tempo e la storia sono assenti per la predominanza indiscussa del mito. Mimmo Jodice è un viaggiatore incantato. Non scatena subito la fotocamera, ma attende il manifestarsi della meraviglia, del mondo, di quell’inarrestabile energia umana che dà un’impronta alle cose, una forma agli oggetti, agli edifici, agli spazi architettonici che sopravvivono attraverso il tempo, anni e secoli dopo la scomparsa degli uomini. Per Jodice la fotografia può rappresentare senza limitarsi a documentare, ed è per questo che le sue immagini sono come antichi oracoli sibillini. Questa raccolta di quasi cento immagini, che restituisce l’importanza di un artista senza tempo, è accompagnata da saggi di Roberto Koch, Alessandra Mauro e Silvia Bianco e da un ampio apparato biobibliografico.

Delle sue foto parla così Paolo Sottocorona (meteorologo e conduttore televisivo): “Luce astrale come pennello fotografico, sembra solo una bella frase, finché non si arriva al cospetto delle foto di Meniero e allora ci si accorge non solo che questo pennello esiste, ma anche che Marco lo sa usare bene. Non è però un freddo strumento tecnico, è davvero una finestra aperta ad incontrare emozioni. La tecnica serve, ma senza il cuore è poca cosa! L’astronomo Corrado Lamberti dice: “Estremamente suggestive le foto delle congiunzioni di pianeti: il cielo, sconfinato e maestoso, incombe su ciò che è simbolo della caducità dell’uomo e lo ammonisce a ponderare dimensioni temporali meno effimere, dimensioni spaziali meno anguste. È un richiamo a confrontarci con la storia dell’universo e a riconoscerci in essa”.

Dai panorami mozzafiato dei tramonti agli scatti di squisite cariocas, tra cui la top model Gisele Bündchen, fino al caos pulsante del carnevale, Mario Testino cattura una poesia d'amore a Rio de Janeiro, la metropoli brasiliana che ha conquistato per la prima volta la sua immaginazione alla tenera età di 14 anni e che da allora non ha mai smesso di ispirarlo.

Flat time is the right time è un’occasione per esibire più di cento fotografie emblematiche che hanno indagato e indagano la relazione del medium fotografico con corpi, luoghi, superfici e nature morte, temi cari all’arte e alla fotografia, sia storica che contemporanea. Roberto Maggiori e Luca Panaro hanno selezionato dalla vasta Collezione di Pier Luigi Gibelli settanta autori internazionali che rappresentano al meglio le macro aree indicate. Ogni tema è preceduto da un testo critico che introduce al percorso visivo Fotografie di: Abramow, Abbot, Arbugaeva, Evans, Fontcuberta, Di Bello, Saudek, Smith, Pivi, Soth, Agostini, Araki, Barbieri, Giacomelli, Scianna, Spranzi, Backhaus, Basilico, Gioli, Gligorov, Fossati, Serrano, Tilo & Toni, Berengo Gardin, Ballen, Henri, Ghirri, Giacomelli, Sibidé, Vaccari, Branzi, Barbieri, Botto, Kazumasa, Izu, Guidi, Smith, Ventura, Calle, Bellmer, Koyama, Hido, Witkin, Clavarino, Benassi, Brassaï, Luthi, Lucas, Martin, Weegee, Wegman, Cresci, Blossfeldt, Camporesi, Männikkö, Migliori, Weston, Woodman, Chiaramonte, Olaf, Petersen, Yamamoto, Erwitt, Doisneau, Crewdson, Parlato, Probst, Niedermayr, Minkkinen

Questo quarto volume de Il corpo solitario è il seguito di quelli usciti, con lo stesso titolo, nel 2011, nel 2017 e nel 2021, sempre per le Edizioni Rubbettino, e segna la conclusione della lunga ricerca dell’autore su questa tematica. Questi volumi risultano la rassegna, nel mondo, più completa ed esaustiva sull’autoritratto fotografico, con artisti di tutti i Paesi degli anni che vanno dai Settanta ai nostri giorni che sono maestri affermati e giovani agli inizi, comunque tutti “artisti”, sebbene di differenti livelli. In questo studio poderoso vengono presi in considerazione solo autoscatti di artisti, escludendo l’odierno fenomeno del selfie che attiene alla sociologia e non all’estetica. Attraverso la ricerca della proprio identità, con il travestimento, con la narrazione, la sperimentazione, la denuncia, gli artisti pongono problemi profondi che sono psicologici ed estetici, sociali e politici. Ogni autore è presente con alcune immagini e un breve commento critico. Il corpo viene definito “solitario” proprio perché l’opera è realizzata in solitudine: l’artista si autoscatta da solo o al massimo con l’ausilio di un amico che preme il pulsante della macchina fotografica. In questo volume c’è un’Appendice in cui si riportano gli autoscatti che moltissime artiste hanno fatto alla propria “origine del mondo” (per riprendere il titolo di un famoso quadro di Courbet) con intenzioni poetiche, ironiche, di denuncia, sperimentali, senza nulla concedere al voyerismo.

Sebastião Salgado è uno dei più grandi e conosciuti fotografi contemporanei, da cinquant’anni impegnato a documentare la vita degli esseri umani e del pianeta. Dopo anni di attività come fotoreporter, dai primi anni Duemila Salgado ha rivolto il suo obiettivo e la sua sensibilità alla Terra come risorsa magnifica da raccontare, contemplare, conoscere, amare. Dopo l’imponente progetto “Genesi”, dedicato alle regioni più remote del pianeta per testimoniare la maestosa bellezza di mondi in cui natura, animali ed esseri viventi vivono ancora in equilibrio con l’ambiente, con il successivo progetto “Amazônia” Salgado ha intrapreso una serie di viaggi per catturare l’incredibile ricchezza e varietà della foresta amazzonica brasiliana e i modi di vita dei suoi popoli, stabilendosi nei loro villaggi per diverse settimane e fotografando vari gruppi etnici. Ora, con “Ghiacciai”, Salgado cattura la bellezza mozzafiato dell’Antartide in questa galleria di immagini esclusive. Dalla Penisola Antartica al Canada, dalla Patagonia all’Himalaya, dalla Georgia del Sud alla Russia, queste fotografie sorprendenti ritraggono, in un bianco e nero ricco di contrasti, luoghi che negli anni sono sempre più studiati da ricercatori che indagano la storia geologica del nostro pianeta, così come le conseguenze a breve e lungo termine della crisi climatica e del riscaldamento globale. Salgado ci propone un nuovo tributo visivo che ci invita ancora una volta a riflettere sull'importanza di un pianeta che necessita di essere salvaguardato, attraverso comportamenti più rispettosi e consapevoli nei confronti della natura, per preservare la bellezza e l'equilibrio dell’ambiente e di tutto ciò che ci circonda. Il volume è arricchito da un saggio di Elisa Palazzi, climatologa e professoressa presso il Dipartimento di Fisica dell’Università di Torino.

Questo catalogo – in edizione numerata a tiratura limitatissima, quasi un libro d’artista, inaugura la nuova collana di fotografia Orcynia – è un resoconto attento di modi di vita: negli anni settanta con le sue fotocamere il fotografo Enrico Borrometi ha annotato, anzi tradotto, tutto ciò che incontrava nelle sue escursioni fuori porta (feste popolari, artigiani, pastori o contadini al lavoro), ignorando per scelta il dilagante e superfotografato barocco siciliano le cui esuberanze delle forme (e gli ideali che lo sottendono) risultano tanto distanti dall’equilibrio raggiunto nella quotidianità umana delle fotografie qui per la prima volta pubblicate, in opposizione semantica alle immagini del Grand Tour.

Vaghe visioni dai contorni indefiniti. Nella nebbia. L’Adriatico, quello che va da Rimini alle lagune del nord, nella morta stagione il più delle volte appare liscio, umido, appena increspato. Senz’onde. Così lo sguardo segue la linea dell’orizzonte che apre a paesaggi minimi, di pochi dettagli, quasi assenti, seppur significativi perché intimi. È un paesaggio conosciuto e al contempo sconosciuto. Un paesaggio dell’anima.