Musica

Non esistono libri dedicati a Ludovico Einaudi, uno degli artisti italiani più amati e seguiti nel mondo. Questo è il primo, pubblicato per i settant’anni del musicista e scritto da una autorità nel campo del Rock ed amico, da sempre, del musicista. L’opera racconta l'artista dai tempi dell’adolescenza all'affermazione come compositore e concertista. Dai gruppi rock nelle cantine di Torin alle prime esperienze sul palco, quindi gli studi nel campo della musica contemporanea, il Conservatorio, il perfezionamento con Luciano Berio. Einaudi visto da vicino, nella carriera e non solo, attraverso il suo profilo più intimo, famigliare, rimasto gelosamente protetto in questi anni. Il libro è arricchito dalle testimonianze e dai ricordi di chi lo ha conosciuto, da chi ha collaborato con lui. Le opinioni, i pareri, la stima di eminenti musicisti, strumentisti, critici musicali. L’apparato iconografico inedito è corredato da scatti inusuali, raccolti nei viaggi che l'artista e l'autore hanno fatto insieme.

Tecniche di composizione pop-rock è un manuale pratico e teoricamente fondato pensato per compositrici e compositori, musiciste e musicisti che desiderano esplorare in profondità i meccanismi creativi del linguaggio pop & rock. Attraverso un approccio integrato a melodia, forma, armonia e ritmo, il volume guida il lettore nell’analisi e nella rielaborazione consapevole delle strategie compositive più efficaci del repertorio. Ogni capitolo unisce rigore analitico e applicazione pratica, con esempi tratti da brani noti e numerosi esercizi compositivi. Frutto di anni di ricerca, insegnamento e scrittura musicale, il libro si rivolge a chi vuole comporre con maggiore consapevolezza, trovando equilibrio tra intuizione creativa e solidità tecnica. Un percorso accessibile, ma mai semplificato, che invita a riscoprire il rock come forma d’arte viva, stratificata e sorprendente. Un punto d’incontro tra analisi avanzata e prassi creativa, pensato per chi ha già mosso i primi passi nella scrittura musicale e desidera affinare il proprio linguaggio con strumenti teorici solidi e nuove prospettive.

La tecnica del pizzicato nel contrabbasso di Francesco Pierotti è un metodo innovativo dedicato allo sviluppo mirato della tecnica pizzicata, spesso trascurata nella didattica tradizionale. Frutto di una lunga esperienza concertistica e pedagogica, il volume affronta aspetti fondamentali come salto e passaggio di corda, precisione ritmica e velocità, attraverso esercizi graduali ispirati ai grandi maestri del jazz. Un percorso solido e consapevole, pensato per studenti e professionisti che vogliono integrare tecnica ed espressività nella pratica quotidiana.

Questo volume propone un percorso didattico completo attraverso tre opere fondamentali di Matteo Carcassi: i Six Caprices op. 26, gli Études Mélodiques op. 60 e una selezione dalla Méthode complète op. 59. Pensato per chitarristi di livello intermedio e avanzato, unisce rigore tecnico e approfondimento musicale, con l’obiettivo di sviluppare una formazione integrale. L’edizione è arricchita da una biografia critica, un catalogo delle opere e approfondimenti storico-analitici, offrendo così uno strumento di studio ma anche di riflessione interpretativa sulla scrittura raffinata di Carcassi.

Scales di Simon Fischer è un metodo rivoluzionario per lo studio delle scale al violino, pensato per sviluppare in profondità tecnica, consapevolezza e musicalità. Oltre ai materiali tradizionali, il volume propone esercizi innovativi per intonazione, cambi di posizione, condotta dell’arco e organizzazione della mano sinistra, con un’attenzione particolare a dettagli spesso trascurati. Include scale e arpeggi in tutte le combinazioni, anche su una sola corda o con un solo dito. Un testo ricco e stimolante, adatto a violinisti di livello intermedio e avanzato.

L’"Elogio del mandolino" non è soltanto un amoroso omaggio al popolare strumento, ma un’occasione per tracciarne gli sviluppi nella cultura musicale e distillare i tributi elargitigli in poesia e narrativa, nella pittura, nel cinema e in teatro. Etichettato talvolta come un simbolo oleografico, il mandolino vanta una ricca letteratura che spazia dai maestri barocchi ai compositori romantici, dal folklore ai classici della canzone partenopea. Anche se conta ovunque virtuosi e cultori, il suo suono, come afferma Peppe Vessicchio, è quello “che maggiormente rappresenta Napoli”. Meritava un racconto che fluisce come una rapsodia. Tra passione e informazione.

Ci sono gli appassionati di musica, ci sono i «fan», ci sono quelli a cui la musica piace, quelli a cui piace un po’ ma senza gran trasporto, quelli che la ascoltano passivamente quando ce l’hanno intorno, ci sono anche gli indifferenti alla musica e quelli a cui dà persino fastidio. Questo numero di COSE Spiegate bene è per tutti quanti: perché sulla musica ci sono migliaia di storie da conoscere e di faccende da imparare. Racconta grandi o piccoli eventi con grandi e piccole storie (Woodstock, la foto dei Beatles a Abbey Road, un incendio che distrusse molte registrazioni originali), descrive strumenti musicali e aziende che li producono, ma anche il funzionamento dell’industria musicale e come si è modificata con l’evoluzione tecnologica degli ultimi decenni, tra il ruolo di Spotify e quello della musica dal vivo. Come cambia il nostro rapporto con la musica e come cambia la musica stessa. E poi il lavoro dei dj, la musica classica che sappiamo tutti, il canto delle balene e degli uccelli, e alcune canzoni e musicisti unici e speciali, che tuttora canticchiamo. Con testi di Maurizio Blatto, Dalia Gaberscik, Nicola Savino, Paola Turci e della redazione del Post. A cura del Post, Nicola Sofri e Stefano Vizio. Illustrazioni di Nishant Choksi.

“Classic Rock” è la versione italiana dell’omonima rivista inglese, fondata nel 1988 e dedicata a tutti gli appassionati di musica rock ‘n’ roll. All’interno, trovi interviste esclusive, notizie e aggiornamenti dal mondo del rock e dei suoi protagonisti. La rivista offre anche rubriche dedicate agli eventi musicali, sia italiani che internazionali, recensioni delle ultime uscite discografiche e molto altro. Ogni mese, un focus speciale su band leggendarie e nuovi talenti, con approfondimenti che esplorano la storia, le curiosità e gli aneddoti più affascinanti della scena rock. Non mancano le sezioni per chi ama collezionare vinili, scoprire i backstage dei concerti e immergersi nella cultura rock a 360 gradi.

Così la Prima Musica insegnò a vivere in armonia con la Natura, accogliendone mitemente i doni. La Musica del Disordine rivendicò alla disarmonia dell’umano il diritto di proprietà dei suoni. E la Musica Classica fondò su quel diritto la sua ambizione a fare del mondo un giardino. Possiamo riconoscerci in ognuna di quelle tre visioni – o menzogne. Per quale cammino gli uomini sono arrivati a produrre i capolavori della Musica Classica, e attraverso quali avventure, prodezze ed errori? Usando quali mappe? “In principio era il mistero, e questo dà un senso a tutta la storia. I suoni – erano un mistero.” Agli antichi sembravano fuochi fatui, segni del divino, imprendibili e impossibili da classificare; secoli dopo altri pensarono invece a un materiale piuttosto grezzo presente in natura, che gli uomini potevano conquistare, plasmare, usare per pronunciare se stessi. Seguendo questa oscillazione fra armonia del Cosmo e paesaggio degli umani, fra perfezione e caos, Alessandro Baricco racconta in modo inedito, eretico, la conquista dei suoni: una storia europea, di musici europei. Un’impresa epica. Seguito ideale e in maggiore dei suoi Seminari della Tempesta – Quel che stavamo cercando e La Via della Narrazione –, proprio come I barbari e The Game, questa Breve storia eretica della Musica Classica trasforma una materia tradizionalmente colta in un racconto affascinante e comprensibile a tutti. “È una danza – comprenderla significa danzarla.”

La prima volta che è salito sul palco aveva cinque anni. Da allora il mondo della musica non è più stato lo stesso. In cinquant’anni, di cui quarantacinque trascorsi sotto i riflettori, Michael Jackson ha ridefinito le regole dell’industria dello spettacolo e rivoluzionato il panorama musicale mondiale. Ha reinventato i video musicali, battuto ogni record e demolito barriere razziali diventando il primo artista afroamericano ad andare in onda su Mtv nei primi anni Ottanta. Dagli inizi nei Jackson 5 alla svolta solista con album leggendari come Thriller e Bad, Michael Jackson Legend ripercorre la straordinaria carriera del Re del Pop e, attraverso una cronologia dettagliata e un’analisi completa del suo lavoro, restituisce al lettore l’immensa portata storica della sua musica ed eredità, affrontando ogni aspetto della sua vita: dall’impegno umanitario ai momenti più oscuri che hanno segnato il suo cammino. Prefazione di Vincent Paterson.

I dischi in vinile sono, ancora oggi, oggetti sonori ambitissimi per chiunque, dall’audiofilo più accanito al neofita in cerca di vecchie o nuove emozioni. Questo libro è un compendio ideale per entrambe le categorie o, più in generale, per ogni appassionato di musica degno di questo nome. Scritto da affermati giornalisti pop rock anglo americani, storici del settore e tecnici qualificati a livello mondiale, il volume è impreziosito da un ricco impianto fotografico che illustra efficacemente tutti i capitoli. Una sezione dedicata all’Italia completa il tutto e fa capire come, anche nel nostro paese, la “Vinilmania” sia tutt’altro che una moda passeggera.

“Un amore israelita, l’attrice di ieri, il quadro immacolato, il grande salto, il sole rosso…” tutti abbiamo cantato le canzoni di Battisti senza chiederci cosa significassero certi versi o a cosa alludessero certi simboli. Mogol ha sempre detto di essersi ispirato alla sua vita e che non c’è nulla da scoprire, ma questo libro non segue la vulgata e si addentra nei testi per ricostruirne la genesi. Parole chiave, simboli, metafore ricorrenti suggeriscono che c’è stata una fonte di ispirazione ben precisa: il lavoro portato avanti con Battisti è ricalcato sulla Grande Opera, l’Opus Magnum degli alchimisti. È un percorso iniziatico che comincia con una metamorfosi interiore (“Emozioni”), conduce alla scoperta dell’anima (“I giardini di marzo”), del Dio nascosto di Niccolò Cusano (“Anche per te”), dell’uomo nobile di Meister Eckhart (“Sì, viaggiare”), dell’eros neoplatonico di Marsilio Ficino (Amarsi un po’). È un’educazione spirituale che ripudia i falsi dèi (il Dio israelita in “Pensieri e parole”) e gli antichi lasciti pagani (il mito di Demetra ne “I giardini di marzo”) ed esalta le nozze alchemiche del sole e della luna (“La canzone del sole”). Solo così è possibile compiere il grande salto verso l’ignoto (“Io vorrei… non vorrei… ma se vuoi…”) e liberarsi dal mondo-prigione affidandosi alla Vergine (“Il mio canto libero”). Il percorso prevedeva una morte simbolica (“Una giornata uggiosa”) a cui doveva seguire una rinascita spirituale, ma a cantarla sarà Cocciante (“Cervo a primavera”), perché Lucio volta le spalle alla Grande Opera e fa un passo fuori dal sacro recinto, come scrive allusivamente lui stesso. Per Mogol è come se il cantante avesse tradito la sua anima, non glielo perdonerà mai. Analizzando le canzoni secondo questo prisma emerge la dimensione spirituale in cui erano immersi i due artisti, il profondo legame che li ha uniti e il progetto che ha guidato sottotraccia la loro discografia.