Musica

La diaspora italiana ha inciso sulla storia dell’Hip Hop americano? E se sì, qual è stato il suo ruolo? Con una prospettiva interdisciplinare e transculturale, Made with Italy ricostruisce la presenza e l’impatto delle culture italiane e italoamericane nel trentennio in cui si formano e canonizzano i linguaggi Hip Hop (DJing, rap, breaking, graffiti writing e street fashion). Dotandosi di un vasto impianto teorico-metodologico che assume il cinema come strumento d’indagine privilegiato, il volume rintraccia e discute casi esemplari di incorporazione creativa di elementi di italianità da parte del mondo Hip Hop statunitense, mostrando come tali dinamiche abbiano contribuito alla costruzione di un patrimonio corporeo, sonoro e visivo transnazionale, e come abbiano risignificato l’immagine stessa del Made in Italy e dell’italianità contemporanea. Il volume amplia così gli orizzonti degli studi sulle culture mediali transnazionali e si rivolge alla comunità accademica, studentesca e artistica interessata a indagarle con i nuovi strumenti della “scienza doppia H”.

La stagione del romanticismo si estende dal tempo delle rivoluzioni al primo conflitto mondiale, attraversando l'Europa come una lunga onda culturale che plasma sensibilità, arti e immaginari nazionali. Le sue premesse coincidono con la nascita delle culture nazionali moderne: non a caso romanticismo, nation-building e State formation procedono parallelamente. La musica, più di ogni altra arte, diventa voce e simbolo di questo processo: accompagna l'affermarsi delle identità collettive, fornisce talvolta inni ufficiali, più spesso una colonna sonora emotiva ai cambiamenti politici e istituzionali. In alcuni Paesi già consolidati lo slancio romantico rafforza tradizioni e sentimenti nazionali; in altri risveglia comunità latenti, contribuendo alla loro coesione culturale e preparando - in alcuni casi - la futura indipendenza. Nell'età degli Imperi, inoltre, la musica romantica dà forma ai primi segni di frattura interna, alimentando immaginari che favoriranno la disgregazione degli assetti sovranazionali. Nel complesso, la musica romantica agisce come parte essenziale dell'humus culturale (linguistico, letterario, artistico, filosofico) entro cui le nazioni europee diventano consapevoli di sé, definiscono i propri confini simbolici e consolidano la propria identità. È in questo intreccio di suoni e idee che l'Europa ottocentesca compone la sua "voce" nazionale.

Questo manuale "Laboratorio chitarra" permetterà di avere in piccole dosi, tutto quello che serve per intraprendere lo studio dello strumento in maniera chiara e assolutamente semplice, poter avere tutte le pozioni magiche da creare un mix completo e graduale. Alcune info di teoria, alcuni accordi, già utili per accompagnare diverse canzoni, tanti esercizi e melodie originali e divertenti per conoscere la musica e interpretarla sulla chitarra. All'interno del manuale sono presenti alcune novità, come ad esempio il "chitarra quiz", domande alle quali rispondere per controllare lo stato di preparazione. Il prontuario di accordi strutturato in modo da iniziare con accordi e corde vuote e gradualmente fino ad arrivare all'uso delle 4 dita della mano sinistra, con giri armonici dedicati e canzoni famose da studiare. Seguendo con attenzione questo manuale è possibile avvicinarsi alla musica preferita più facilmente avendo a disposizione tutte le info basic per diventare un "vero" chitarrista.

Ear Training lo faccio anch’io è un corso pratico per lo sviluppo dell’orecchio musicale, pensato per bambini e principianti. Il volume propone un’ampia varietà di giochi, esercizi e dettati che stimolano l’ascolto attivo e favoriscono la familiarità con gli elementi fondamentali del linguaggio musicale. Le attività si basano su tracce audio scaricabili online, ma l’insegnante può anche eseguire personalmente gli esercizi al pianoforte grazie a un’appendice in formato PDF disponibile in download. Il libro offre così uno strumento completo, flessibile e immediato per introdurre l’ear training in modo ludico ed efficace.

Con le sue attese e le sue intime interazioni, l'insonnio di Niccolò van Westerhout non si qualifica sul piano formale, ma sperimenta idee scaturite dalla vocazione di un musicista colto ed eclettico. Il fiammingo di terra di Puglia fissa le impalcature di un cantiere dell'io alla ricerca di nuovi significati da dare alle proprie idee, mutuando dall'arte quel senso di stupore che ci rende partecipi delle meraviglie del mondo e delle esigenze dell'io che con il mondo si rapporta.

Cantore e custode della tradizione, Matteo Salvatore ha saputo trasformare la memoria popolare del Sud in una forma d’arte irripetibile, capace di fondere dolore, ironia e resistenza. In queste 40 ballate, analizzate con sguardo critico e appassionato, affiora un universo narrativo che oltrepassa il tempo e lo spazio, dando voce agli ultimi e celebrando la dignità delle vite marginali. Il volume ha l’intento di iniziare a colmare un vuoto critico attorno all’opera del cantastorie pugliese, restituendone la complessità musicale, poetica e culturale. Tra oralità e scrittura, tradizione e reinvenzione, Matteo Salvatore si rivela autore a pieno titolo: non solo per i testi e le melodie, ma per la forza espressiva e la carica visionaria con cui li ha incarnati. Un libro che invita ad ascoltare più a fondo e a ricordare che nessuna storia, se autenticamente narrata, è mai davvero perduta.

Il libro ripercorre il complesso delle esperienze musicali di Antonio Gramsci: dall'infanzia al liceo (periodi in cui emerge una conoscenza della musica popolare sarda anche sul piano dell'esecuzione), dagli anni torinesi al periodo Russia-Vienna-Roma, sino all'acutissima riflessione sul melodramma italiano come corrispettivo del romanzo popolare nazionale europeo, in particolare quello "alto" (Dickens, Balzac, i russi…) e in specie per ciò che riguarda Verdi (apprezzato da Gramsci, insieme a Wagner). Le principali esperienze musicali Gramsci le fece a Torino, lasciandone traccia in vari articoli pubblicati su l'Avanti! nel periodo 1916-1918; articoli perlopiù non firmati, e perciò il saggio affronta anche questioni attributive. Nei suoi scritti musicali, il grande intellettuale tratta di operetta, opera lirica e concerti. Todde esamina a fondo questa pubblicistica e, con erudizione spigliata ed elegante, ricostruisce, fin dove possibile, anche i cast delle varie esecuzioni di cui gli articoli si occupano, dando notizie degli interpreti. Inizia a emergere in questa produzione l'idea del melodramma italiano come "romanzo popolare musicato", e si può affermare che senza le esperienze musicali torinesi difficilmente Gramsci avrebbe potuto maturare il concetto sinteticamente quanto acutamente espresso nei Quaderni del carcere sul melodramma italiano. Todde effettua quindi un excursus sulla presenza dell'opera lirica nei Quaderni, completando il vivace quadro della cultura musicale gramsciana che questo volume ha il pregio di restituire con rara competenza.

C’è un’eco che viene da lontano, un suono che non si lascia dimenticare. È il blues, con le sue ferite e la sua grazia, che attraversa le pagine di questi racconti come un vento caldo e malinconico. Luciano Federighi, scrittore e conoscitore profondo della musica afroamericana, ci conduce tra California e Mississippi, Londra e Italia, in un viaggio costellato di voci, volti e destini che sembrano emergere da un vecchio vinile rigato dal tempo. I protagonisti sono musicisti veri e immaginari, anime inquiete sospese tra genio e autodistruzione, gloria e oblio: il soulman scomparso nel nulla, il critico che insegue una bellezza irraggiungibile, il jazzista che danza sull’orlo del fallimento come su un palco invisibile. Ogni storia è un assolo, un’improvvisazione lirica dove l’ironia sfiora la tragedia e il ricordo diventa canto. Alternando racconto e visione, parola e disegno, Federighi compone un mosaico di esistenze in chiaroscuro, illuminate da lampi di musica e da una scrittura densa, raffinata, febbrile. La sua prosa, colta e sensuale, restituisce la vibrazione del blues come linguaggio universale dell’anima: luogo di perdita e di redenzione, di malinconia e di desiderio. Blues perduti e anime lacerate è un omaggio a chi ha trasformato il dolore in arte, ma anche a chi, nell’ascolto, cerca ancora un senso. Tra club fumosi e motel della periferia americana, tra ironia e poesia, il libro diventa un viaggio nella memoria sonora del Novecento, e insieme una dichiarazione d’amore alla musica come ultimo rifugio dell’umano.

Una serie di racconti, storie di canzoni e remix celeberrimi, che formano un unico grande affresco sonoro sulla “black culture”; la narrazione epica di una musica che dai Caraibi arriva a New York prima di invadere il vecchio continente, contaminando, rivoltando, ridefinendo il paesaggio sonoro di fine Novecento e oltre. Profondo conoscitore di quella tradizione nera che sul web ha trovato nuova linfa e canali di diffusione inauditi, l’autore – già direttore per la strategia digitale di un importante gruppo editoriale e freelance consultant nell’ambito dell’AI – ci guida alla scoperta di curiosità, aneddoti, retroscena che costituiscono una Storia non solo musicale alternativa, eppure tanto più autentica e incredibilmente ricca di talento e umanità.

Questa nuova pubblicazione raccoglie, insieme all’inedito “Scripta manent”, due precedenti titoli dello strumentista e compositore romano, “Tragicommedia dell’ascolto” e “Immaginare la musica”. I tre saggi trattano quindi l’esperienza dell’ascolto, la composizione e la scrittura musicale, non solo nella pratica occidentale contemporanea, ma attraverso un viaggio a ritroso nel tempo e nelle varie culture extraeuropee. Un volume di particolare interesse e completezza, che si rivolge agli studiosi, ai musicisti e agli appassionati, fornendo un prezioso compendio dell’esperienza musicale più moderna attraverso gli strumenti di sempre.