Studi teatrali

Oltre ad indicare il momento in cui il teatro di ricerca diventa “alternativa” alla scena ufficiale, gli anni settanta testimoniano un ribaltamento delle coordinate geografiche con cui viene ripensato il Nuovo Teatro sul piano pratico e culturale. Una volta sfaldatosi il movimento che aveva portato alla fine degli anni sessanta all'organizzazione del Convegno di Ivrea, alla programmazione a Milano di una pionieristica stagione underground e all'esplosione a Roma delle cantine, si assiste a un processo di riassestamento guidato da Giuseppe Bartolucci con la complicità di Filiberto Menna che sposta a sud il fenomeno Nuovo Teatro, ridefinendone le coordinate produttive e intellettuali. Questo libro racconta alcune delle tappe decisive di questa riorganizzazione che ha visto protagonista la Campania e in particolare Napoli e Salerno. Vengono presi in esame alcuni eventi cruciali che hanno avuto luogo tra il 1963 e il 1976: la nascita delle cantine a Napoli, le rassegne Off al Teatro Orione e il ruolo determinante dell'humus espresso dall'Università di Salerno nell'accompagnamento critico al Teatro Immagine e alla Postavanguardia.

A dieci anni dalla morte di Franca Rame, questo volume ha un obiettivo chiaro: dimostrare perché sia giusto assegnarle retrospettivamente il premio Nobel per la letteratura del 1997, insieme a Dario Fo. Il nodo fondamentale è quello dell’autorialità, dell’apporto creativo di Rame nel sodalizio con il compagno, del loro lavoro visto come indissolubile e inestricabile collaborazione. Riaprire un caso, riconfigurare una storia, ripensarne i ruoli e i personaggi sono tentativi complessi quando tutto sembra stato già scritto, raccontato, perfino ormai cristallizzato in una leggenda. E ancor più difficile è quando questa leggenda non solo viene reiterata dai diretti interessati, ma viene anche ripetuta da molti studiosi, a volte senza troppe attenzioni a interpretazioni critiche di quello che la coppia è andata, negli anni, rileggendo del suo passato. Questo tentativo è però necessariamente urgente e necessario, sia come contributo alla storia del teatro recente, sia come impegno nel presente, in un mondo che cerca di ripensare le relazioni tra genere, potere e visibilità.

Il volume raccoglie una scelta di interventi e recensioni di Edoardo Fadini che coprono essenzialmente l’arco temporale 1965-75, il decennio cruciale in cui egli è impegnato come critico teatrale. Fadini scrive su «l’Unità» dal 1965 al 1969, su «Rinascita» e «Il Contemporaneo» dal 1965 al 1975. Parallelamente interviene soprattutto su «Sipario», in particolar modo fra il 1967 e il 1976, e sulle due riviste da lui fondate e dirette, «Teatro» (1967-70) e «Fuoricampo» (1973). La silloge che qui presentiamo contiene poi qualche brano tratto da due tavole rotonde sulla critica a cui partecipa nel 1969 e nel 1974. Infine, alcuni saggi pubblicati a partire dal 1987, per dare conto, anche solo in parte, di un cimento che non si spegne mai del tutto con l’interruzione dell’attività di critico teatrale propriamente detta.

La Fondazione Famiglia Sarzi, che custodisce le memorie e i materiali di una delle più eclettiche famiglie d’arte italiane, dà l’avvio con questo volume a una collana di studi volta ad approfondire la conoscenza delle poliedriche personalità dei Sarzi: attori, burattinai, sperimentatori, innovatori, ma anche ferventi antifascisti, protagonisti della lotta partigiana. «La critica è facile, l’arte è difficile», che riprende il motto che campeggiava sulla baracca del capostipite, Antonio Sarzi, mette in luce aspetti poco noti della famiglia, quando dalla fine degli anni Trenta, già perseguitati dal fascismo, recitavano “in persona”, formando con un’altra famiglia d’arte, gli Allegrini, la compagnia drammatica Allegrini-Sarzi. Costretta per motivi politici a esibirsi nelle piazze minori se non addirittura nei cascinali, la compagnia riesuma storie antiche, ma fortemente popolari, attinte al grande repertorio ottocentesco, come Genoveffa di Brabante o Mayno della Spinetta: drammi lontani nel tempo ma resi indirettamente attuali perché portatori di alti valori libertari e di profonde riflessioni sul tema della giustizia.

"Il teatro a modo mio… Scrivere testi e allestire spettacoli a misura di bambino" nasce dall'esperienza pluriennale dell'autore/docente nelle scuole primarie, in corsi di scrittura creativa. Il volume è anche un'utile guida didattica per docenti e alunni, con proposte operative coinvolgenti, suddivise in vari gradi, dove l'approccio ludico è prioritario. In modo semplice, si parte dal gioco "Facciamo che io ero…" per arrivare al monologo, alle favole in rima e ai testi più strutturati, molti dei quali creati dai bambini. I piccoli lettori/scrittori avranno, così, l'opportunità di avvicinarsi alle basi del teatro, mettendo in scena spettacoli e ispirando e stimolando i loro coetanei.

Toc toc. È il richiamo del kamishibai. Le ante del teatrino si aprono e la magia comincia. Scopri il potere delle storie raccontate dal vivo con questo kit kamishibai pronto all’uso. Il manuale pratico e ispirazionale accompagna educatori, insegnanti e genitori nella scoperta di questa antica forma di narrazione teatrale, offrendo indicazioni passo dopo passo per creare e mettere in scena una performance efficace e coinvolgente: dalla scelta della storia alle tecniche di lettura animata, dalla gestione dello spazio scenico al dialogo con il pubblico. Attraverso esempi concreti e suggerimenti operativi, guida a trasformare la lettura in esperienza condivisa e il racconto in incontro. Il kit include il teatrino Butai in legno naturale non trattato formato A3, stabile e robusto, pronto all’uso o personalizzabile con diverse tecniche creative. Uno strumento completo per introdurre bambini e adulti alla magia della narrazione dal vivo e iniziare subito a raccontare.

Toc toc. È il richiamo del kamishibai. Le ante del teatrino si aprono e la magia comincia. Scopri il potere delle storie raccontate dal vivo con questo kit kamishibai pronto all’uso. Il manuale pratico e ispirazionale accompagna educatori, insegnanti e genitori nella scoperta di questa antica forma di narrazione teatrale, offrendo indicazioni passo dopo passo per creare e mettere in scena una performance efficace e coinvolgente: dalla scelta della storia alle tecniche di lettura animata, dalla gestione dello spazio scenico al dialogo con il pubblico. Attraverso esempi concreti e suggerimenti operativi, guida a trasformare la lettura in esperienza condivisa e il racconto in incontro. Il kit include il teatrino Butai in legno decorato formato A3, stabile, robusto e pronto all’uso. Uno strumento completo per introdurre bambini e adulti alla magia della narrazione dal vivo e iniziare subito a raccontare.

Il volume comprende quattro studi che analizzano, come recita il titolo, alcune scritture e riscritture registiche del secondo Novecento italiano. Caterina Piccione affronta l'analisi di Trovarsi di Pirandello, per la regia di Giorgio De Lullo (1974), proponendo un taglio teorico-filosofico. Simona Brunetti offre una panoramica sulla fortuna dei Due gentiluomini di Verona di Shakespeare, mettendo a confronto quattro allestimenti (De Lullo, Salveti, Sala e Sangati) in un arco cronologico compreso tra il 1965 e il 2017. Il saggio di Leonardo Mancini esamina l'Egmont di Carmelo Bene (1983), analizzando lo spettacolo a partire dalla sua genesi e preparazione. La Mirra di Alfieri diretta da Luca Ronconi (1988) è al centro del contributo di Stefania Onesti. Lo studio viene arricchito dalle conversazioni con i due attori protagonisti: Remo Girone e Galatea Ranzi.

Questo libro descrive l’intenso lavoro svolto insieme ad un folto gruppo di studenti durante un corso di Scenografia e Spazi della Rappresentazione della Scuola di Architettura Urbanistica Ingegneria delle Costruzioni del Politecnico di Milano. In quel contesto abbiamo progettato intervalli scenografici, intesi come scenari di espressione creativa e liberatoria, in grado di rappresentare i movimenti, le posture, le geometrie e gli spazi dello SPORT. Abbiamo voluto raccontare a nostro modo le ragioni del gesto sportivo e il suo senso più autentico e nascosto. I progetti sono stati successivamente realizzati all’interno del Teatro Arsenale di Milano, antica chiesa sconsacrata e luogo non convenzionale per lo spettacolo. Il tutto sotto i riflettori di un insolito spettacolo, inteso come pratica artistica e prova di verità.

Parlando di teatro di figura e di teatro ragazzi genericamente ci si riferisce o a un teatro che privilegia il linguaggio o a un teatro che privilegia i destinatari. Da una parte la centralità dell’inanimato che si anima, dall’altra la centralità dell’universo infantile e adolescenziale. È idea diffusa. Ma è sempre stato così? Le diciture “teatro di figura” e “teatro ragazzi” sono recenti, e possono indurre all’equivoco che anche le loro storie lo siano. Ma è tutt’altro. Si tratta di storie che hanno radici lontane, spesso di difficile o equivoca identificazione se considerate a sé stanti e con tali interconnessioni per cui risulta arbitrario, guardando al passato, tracciarne confini netti o specificità. Prendendo le mosse dal convegno Intrecci. Per una storia condivisa tra teatro ragazzi e teatro di figura – organizzato da Unima Italia e Assitej Italia nell’ambito della Giornata mondiale della Marionetta tenutasi a Parma nel 2021 – il volume ripercorre una storia plurisecolare, attraverso saggi, testimonianze, documenti fino ad arrivare alle soglie del presente. Interventi di: Silvano Antonelli, Paola Bassani, Francesca Cecconi, Alfonso Cipolla, Renata Coluccini, Linda Eroli, Claudio Montagna, Fabrizio Montecchi, Loredana Perissinotto, Bruno Stori. Scritti di: Marco Baliani, Gian Renzo Morteo, Remo Rostagno, Mario Serenellini, Maria Signorelli, Sergio Tofano, Luigi Volpicelli.

Louis Jouvet è stato uno dei più fecondi uomini di teatro del Novecento. Fin da giovane, quando era ancora solo un irrequieto farmacista, Jouvet aveva cercato in Molière il “padre” della sua vocazione: da quel momento lo eleggerà a compagno delle sue avventure teatrali. Nel 1939, all’apice della sua fama di grande attore e regista, dedicò a Molière un corso al Conservatoire National d’Art dramatique di Parigi. Il volume raccoglie la trascrizione di quelle lezioni, che presentano i nodi cruciali dell’apprendistato teatrale: i primi incerti passi degli allievi sulla terra sconosciuta che li separa dall’incontro con il personaggio, la metamorfosi delle parole in pura e viva realtà teatrale. Il volume è completato da un’ampia postfazione di Stefano Geraci che percorre la biografia artistica e gli scritti di Jouvet.

Con la produzione artistica costellata dai grandi successi di Napoli Milionaria!, Questi fantasmi e Filumena Marturano, Eduardo De Filippo, ricco, famoso e con l’entusiasmo alle stelle, il 25 febbraio 1948 decide di acquistare il Teatro San Ferdinando, distrutto dalle bombe angloamericane nel settembre del ‘43 e ormai ridotto a un cumulo di macerie. In quei momenti di grande euforia tutto gli sembrava possibile, nonostante le voci, provenienti da più parti, sconsigliassero l’operazione trattandosi di una vera pazzia. Eduardo, viceversa, riteneva doveroso dare un contributo concreto alla rinascita della sua città, alla quale, perfettamente consapevole dei mali che l’affliggevano, era profondamente legato. Vagheggiò, quindi, l’idea di avere un proprio Teatro a Napoli, sulla scia del Piccolo Teatro a Milano, nell’intento di far rinascere la tradizione del teatro napoletano. Nella presentazione del volume edito da Eduardo nel 1954, in occasione della inaugurazione del Teatro San Ferdinando, egli scriveva: "Napulitane belle, vinticinche, trent’anne fa, si quaccheduno m’avesse ditto che io aveva addiventà padrone ’e nu teatro, a parola mia d’onore, l’avarria risposto: Amico, tu piccerillo sì ghiuto c’ ’a capa nterra". Nel libro di Elio Palombi si cerca di comprendere il senso di questa affermazione, analizzando, per un verso, lo stato d’animo di Eduardo, a quell’epoca profondamente turbato a causa dei tanti ostacoli economici che aveva dovuto e doveva ancora affrontare per la realizzazione dell’opera e, per altro verso, quanto l’imponente impegno avesse inciso sulla sua produzione artistica.