Fotografia e fotografi

Peter Lindbergh e Azzedine Alaïa, il fotografo e il couturier, erano uniti dall'amore per il nero, un amore che avrebbero coltivato tanto nella stampa in bianco e nero quanto nei capi dalle tinte piene. Questo libro celebra la loro collaborazione artistica.

Venezia, Roma, Napoli, Firenze. Questa è l'Italia come non l'abbiamo mai vista prima. Tra il mare e le strade, da Torino a Montepulciano, scopriamo un ritratto intimo dell'Italia che Mario Testino conosce e ama. Raccogliendo fotografie personali, questo libro è un'ode al popolo, all'arte, al cibo e alla moda italiani.

"Women & Ruins" porta alla luce una storia dimenticata e profondamente attuale: quella di studiose, esploratrici e donne visionarie che, agli inizi del Novecento, utilizzarono la fotografia come strumento scientifico e poetico per raccontare l’archeologia e un’Italia in trasformazione. Non potendo scavare, queste pioniere – tra cui Esther Van Deman, Gertrude Bell, le sorelle Bulwer e Maria Ponti Pasolini – seppero vedere e documentare dettagli invisibili: tracce di vita, paesaggi marginali, gesti quotidiani. Il volume, legato alla mostra ospitata presso l’American Academy in Rome fino al 9 novembre 2025, raccoglie 80 immagini d’archivio e offre un’analisi critica del rapporto tra memoria, modernità, genere e conoscenza. Attraverso saggi di Caroline Goodson, Ilaria Puri Purini, Martina Caruso e Raffaella Silvestri, si delinea un percorso che unisce esplorazione e narrazione, scavo e sguardo. Un catalogo potente e ispirazionale, adatto a studiosi, fotografi, archeologi, curatori e a chi cerca una prospettiva alternativa sulla storia delle rovine e sul ruolo delle donne nel mondo della ricerca.

Il volume è dedicato a Leslie Krims (Buffalo, 1942), tra i protagonisti più originali e controversi della fotografia americana del secondo Novecento. Con le sue immagini costruite e provocatorie, Krims ha saputo fondere teatralità, ironia e critica sociale, trasformando ogni scatto in un racconto satirico che mette in discussione il mito dell’obiettività fotografica. Attraverso un percorso che ripercorre le sue serie più celebri, la pubblicazione indaga l’universo visionario di un autore che ha fatto della messa in scena un gesto politico ed estetico, capace di svelare le contraddizioni della società americana e, al tempo stesso, di divertirsi a sovvertirne i tabù con un’irriverenza lucida e spiazzante.

Il volume ripercorre la straordinaria carriera di Bert Stern (1929-2013), fotografo che ha rivoluzionato la fotografia di moda e ritrattistica, catturando le icone del suo tempo con un linguaggio visivo innovativo, capace di fondere glamour e intensità emotiva. Il suo celebre servizio The Last Sitting, realizzato con Marilyn Monroe, è divenuto un capolavoro assoluto, simbolo della fragile bellezza e della potenza evocativa della sua arte. Attraverso una selezione delle sue immagini più iconiche, la pubblicazione celebra la capacità di Bert Stern di trasformare ogni scatto in un racconto visivo di grande forza e sensibilità, dove creatività e raffinatezza si incontrano in un equilibrio perfetto, lasciando un’impronta indelebile nella storia della fotografia contemporanea.

«La pratica artistica di Maurizio Galimberti da sempre trova nella partecipazione emotiva una referenza culturale. Attraverso lo speciale canale dei sentimenti, riesce a ritagliarsi il posto per coltivare la bellezza dell'incontro con l'altro. Che si tratti di un ritratto o, come in questo caso, di una riflessione su una prestigiosa azienda italiana, per lui non fa differenza: ciò che conta è utilizzare la fotografia come ponte relazionale. Seguendo questa modalità personale, Galimberti tesse un'ode visiva per la Ambrogio Moro spa, una società di Meda, radicata nel cuore della Brianza, custode dell'energia e paladina dell'eco-sostenibilità. Un'impresa legata al rifornimento dei combustibili alternativi, all'interno della quale elettricità, gas, luce si fondono in un'innovativa linfa rinnovabile. Su invito della Ambrogio Moro spa, Galimberti utilizza la propria cifra espressiva per tramandare storie di imprenditoria dal grande valore collettivo. Il rapporto tra fotografia e mondo produttivo vanta precedenti illustri, che hanno lasciato un segno nella storia sia sul piano della comunicazione sia su quello estetico. Uno degli esempi più significativi è senza dubbio offerto da William Eugene Smith il quale, nel 1955, su commissione dell'agenzia Magnum, si trova a compire un resoconto iconografico e operativo della Fondazione Pittsburgh. Le immagini che Smith produce vengono riconosciute come un ambizioso connubio di arte e documentazione. Esse costituiscono un'attenta analisi del ruolo lavorativo di un organismo vitale per lo sviluppo cittadino e della relativa» (dalla introduzione di Denis Curti).

“Venezia è una città bella ma difficile.” “Venezia è cara.” “A Venezia non ci vivrei.” Venezia rischia di essere schiacciata dagli stereotipi. Orde di turisti si avventano sul suo corpo fatto di campi, calli, ponti e canali, impreparati alla sua bellezza, troppo di fretta per scoprirne il cuore e l’essenza. Gli scatti in bianco e nero di Antonio Ferrari esplorano un lato inusuale della “Serenissima”. Le immagini si concentrano sull’architettura contemporanea rispetto alla Venezia più iconica. “Non ci si propone”, racconta il fotografo, “di documentare ogni edificio costruito dopo gli anni ’50, ma di sfidare la nostra percezione della città, stimolando una riflessione sui suoi problemi attuali”.

Utilizzando come nessun altro il nero profondo dell’eliotipia, in Paris la nuit il grande fotografo Brassaï ha fissato per sempre il mondo notturno della capitale negli anni Trenta. Una Ville Lumière misteriosa e al contempo molto reale, fatta di bassifondi e cabaret, clochard e aristocratici, ma anche di fornai, orto lani, guardie e stampatori di giornali… Brassaï considerava il biennio 1932-1933 il più importante della sua vita, poiché in quel periodo aveva incontrato Picasso, pubblicato questo volume e collaborato con la rivista surrealista Minotaure. Ma aggiungeva subito, quasi a voler prendere le distanze dal gruppo: « Il surrealismo delle mie immagini non è altro che la realtà resa fantastica dallo sguardo. Io cercavo soltanto di esprimere il reale, perché nulla è più surreale… La mia ambizione è sempre stata far vedere un aspetto della vita quotidiana come se lo si scoprisse per la prima volta ». La poesia ipnotica di Paris la nuit, suo primo libro fotografico, esprime fedelmente questo credo nelle risorse inesauribili della quotidianità.

La luce modella il mondo e la percezione che se ne ha a seconda di come si poggia, partorendo ombre e influenzando le nostre emozioni. Catturarla è rivoluzionario. Occorre imparare a fare luce sulle cose ben oltre le loro superfici d’ombra. "The Catalogue of Huts" affronta il tema della violenza sulle donne attraverso un linguaggio visivo inusuale, capace di unire passato e presente, memoria e materia. Il progetto utilizza un doppio dispositivo tecnico: la fotografia nella sua forma più primitiva e l’incisione manuale su plexiglass, un mezzo fragile, trasparente, eppure resistente. Ogni opera è un pezzo unico, costruito per essere visibile solo se illuminato. Questo meccanismo non è solo estetico, ma profondamente simbolico: le immagini che parlano di dolore e invisibilità si manifestano solo quando una luce.

Il volume si interroga sulla possibilità di avvicinare linguaggi ritenuti distanti: la fotografia come riflesso oggettivo e diretto della realtà, e la poesia come espressione più pura e intima della soggettività. Da questo confronto nasce la volontà di esplorare, attraverso la pratica artistica, le tensioni e i cortocircuiti che emergono nel rapporto tra immagine e parola. Il tema viene analizzato a partire da esempi illustri della fotografia degli Stati Uniti d’America, dove questo legame si evidenzia fin dalle origini della fotografia, in autori come Herman Melville e Carleton Watkins nel XIX secolo, Walt Whitman ed Edward Weston a inizio Novecento, e poi nella Beat Generation del dopoguerra, in autori come Jack Kerouac, Robert Frank e Minor White.

Nel cuore bianco della Sardegna, Fortunato Scrimali fa qualcosa che nessuno aveva mai osato prima: introduce la moda – archetipo della grazia e dell’effimero – in uno degli scenari più duri del lavoro umano, la salina. Con un’intuizione al tempo stesso poetica ed antropologica, il fotografo sceglie come set il paesaggio lunare delle montagne di sale di Santa Gilla, 2700 ettari di acqua, sole, vento e solitudine. Non c’è artificio, non c’è retorica: solo la consapevolezza compiaciuta che anche nel luogo più remoto e duro possa attecchire il seme di una bellezza altra e spiazzante. Le immagini, pubblicate dalla rivista “Bellezza” nel 1955, di cui Scrimali diventa il fotografo di punta, costituiscono ancor’oggi, a distanza di settant’anni, un documento raro di un cortocircuito visivo, una felice commistione tra il linguaggio della bellezza e quello della fatica.