Arti, cinema e spettacolo

L'estetica modernista in architettura, arte e design del prodotto è familiare a molte delle persone che hanno una propensione per la creatività. In elevate strutture in vetro o in tele minimaliste riconosciamo un'epoca di progresso tecnologico che ha affermato il potere dell'uomo nel dare forma all'ambiente, rompendo, radicalmente, con le convenzioni e le costrizioni del passato. Meno noto ma non meno affascinante è la distillazione del Modernismo nel logo design. Con la creazione di concept visivi dalle linee pulite, i graphic designer aspiravano ad allontanarsi dalla mistica che identificavano con l'arte commerciale e a bilanciare un mondo sempre più complesso con la chiarezza del tratto. Questa pubblicazione raccoglie circa 6000 marchi registrati, concentrati nel periodo 1940-1980, per prendere in esame come l'attitudine e gli imperativi modernisti abbiano dato vita alla corporate identity. Spaziando dai gruppi editoriali ai giganti della vendita al dettaglio, dalle linee aeree alle gallerie d'arte, questa ampia rassegna di loghi è organizzata in tre capitoli in base al tipo di design: "Geometric", "Effect" e "Typographic".

Nel panorama europeo della progettazione di scala vasta è rilevabile una sempre crescente attenzione ai temi ecologici e ambientali. All'interno dei progetti e delle visioni territoriali iniziano dunque ad essere inclusi specifici piani settoriali che approfondiscono queste tematiche. È questo il caso del recente Piano Generale Nazionale del territorio albanese che dedica un'ampia parte della propria struttura discorsiva alla definizione di strategie di "metabolismo" territoriale. Ma con quali strumenti e con quali processi è possibile colmare la distanza che separa queste strategie generali, concentrate sulla gestione dei sistemi di scala nazionale, dalla specificità del territorio locale e dalla sua continua trasformazione dal basso? La riqualificazione del territorio di Divjakë, con i propri caratteri complessivi, offre oggi la possibilità di ripensare gli strumenti del progetto territoriale e si pone in questo contesto come un caso studio esemplare all'interno di una possibile riflessione di più ampio respiro.

La "sabbia rigida" è il materiale di cui sono fatti gli emblemi della modernità: i grattacieli, con la loro visione "verticale" che non può esserci estranea. E familiare è anche il Partenone, monumento per eccellenza: anch'esso, oltre che un edificio, è il messaggio di una civiltà. Ma siamo davvero sicuri di conoscere davvero queste costruzioni? Siamo certi di aver colto l'importante messaggio che ci porgono, e dal quale tutti noi possiamo imparare?Partendo da qui, questo saggio ci conduce per una strada assolutamente inedita: quella della relazione tra l'edilizia e l'architettura. Approcci molto diversi: dove l'edilizia tira su, senza curarsi di ciò che ha intorno, l'architettura si pone problemi più profondi. Problemi che gli architetti hanno affrontato in modo diverso, a seconda della loro cultura e del loro tempo. Ma entrambe, l'architettura e l'edilizia, ci hanno lasciato segni che dobbiamo decifrare. Perché entrambe si sono confrontate con il tema del potere, dando testimonianza delle epoche, oltre che delle tecniche.

Manet, Pissarro, Cézanne, Morisot, Seurat, Gauguin, Van Gogh… insieme ad altri illustri pittori del periodo realizzarono alcuni dei disegni più belli della storia dell'arte. Questo libro inserisce l'uso di questa tecnica nel contesto artistico francese del tardo XIX secolo, spiegando perché tali opere rivestono un'importanza pari a quella dei dipinti nella rappresentazione della modernità. Nella Francia di fine Ottocento, mentre gli artisti d'avanguardia introducevano nelle loro opere scene di vita contemporanea, un nuovo approccio ai materiali e una maggiore possibilità di esporre nelle mostre conferirono un'inedita dignità al disegno. Per la prima volta, dipinti e disegni condividevano gli stessi principî stilistici, contrassegnati da spontaneità, maneggevolezza e una deliberata assenza di rifiniture. I pastelli di Degas, gli acquerelli di Cézanne, i disegni a penna e inchiostro di Van Gogh e le opere a tecnica mista di Toulouse-Lautrec potevano e dovevano essere considerati del tutto autonomamente, e ciò si dimostrò fondamentale per lo sviluppo dell'arte moderna. «Gli artisti hanno ora a disposizione un ventaglio più ampio di materiali che possono utilizzare in nuovi contesti e senza alcun obbligo di aderire a prassi consolidate. Ciò vale in particolare per i materiali più teneri come il gessetto, il carboncino, la matita Conté, la matita litografica, il pastello, l'acquerello, la tempera e la gouache, ora tutti più facilmente reperibili in forma sia naturale sia di produzione industriale. C'era anche una maggiore apertura mentale rispetto all'uso di strumenti più tradizionali come la matita, la penna e i pennelli: Van Gogh, per esempio, amava le matite da falegname, le cannucce e le penne d'oca. C'era poi un più grande desiderio di sperimentare, e molti disegni vengono eseguiti con tecniche miste la cui analisi può risultare estremamente complessa e che non escludono l'olio, normalmente riservato alla pittura. L'improvvisazione dà spazio a varie forme di manipolazione della superficie, che viene macchiata, sfumata, sollevata, modificata con cancellature, raschiata, bagnata o trattata con fissativi adottando alcune tecniche comuni alle incisioni. A seguito di questi sviluppi, linea e colore nell'arte d'avanguardia convergono a tal punto da rendere il disegno indistinguibile dalla pittura». Con 224 illustrazioni a colori.

Venezia, una città iconica, è visitata ogni anno da ben 28 milioni di persone. E il Canal Grande, una delle sue più famose meraviglie, è una tappa imprescindibile per chiunque approdi in laguna. I palazzi veneziani che orlano i 5 chilometri del canale, veri e propri gioielli della Serenissima, testimoniano la grandezza, la potenza e la bellezza dell'antica città marinara, mentre i campi (è così che si chiamano le piazze a Venezia), i pontili, i giardini e i ponti suggeriscono la fervente attività che ha sempre contraddistinto il capoluogo veneto. E quale visuale migliore, per godere di questa meraviglia, se non quella dall'acqua? Il fotografo Laurent Dequick presenta questo fantastico scenario conferendo alle immagini un tono etereo che esalta la delicatezza degli edifici e rafforza il carattere romantico della città. Il volume, una selezione di 300 immagini a partire dalle 4500 fotografie scattate, comprende una prefazione di Lucie Tournebize e un indice degli edifici principali.

Dai ritratti di corte per la famiglia reale spagnola alle strazianti scene di guerra e sofferenza, Francisco José de Goya y Lucientes (1746–1828) si è affermato come uno degli artisti spagnoli più stimati e controversi di sempre. Maestro di luce e forma, Goya esercita la propria influenza da secoli, ispirando e ammaliando artisti di ogni epoca, dal romantico Eugène Delacroix ai fratelli Chapman, gli enfants terribles della Britart. Nato a Fuendetodos nel 1746, Goya fu messo a mestiere presso la famiglia reale spagnola nel 1774, dove realizzò acqueforti e disegni preparatori di arazzi per imponenti palazzi e residenze reali in tutto il paese. Dopo aver ottenuto il patrocinio dell'aristocrazia, iniziò a dipingere ritratti su commissione di ricchi e potenti in uno stile sempre più fluido ed espressivo. In seguito, dopo un periodo di malattia, l'artista passò ad acqueforti e disegni dall'atmosfera più cupa, dando vita a un mondo spaventoso popolato da streghe, fantasmi e creature fantastiche. Fu tuttavia con le sue raccapriccianti rappresentazioni della guerra che Goya ottenne imperitura fama. Realizzato tra il 1810 e il 1820, I disastri della guerra si ispira alle atrocità compiute durante la lotta spagnola per l'indipendenza dal dominio francese e coglie nel profondo la crudeltà e il sadismo dell'uomo. Se i toni tetri, le pennellate frenetiche e l'uso energico del chiaroscuro alla maniera barocca ricordano Velázquez e Rembrandt, la brutale sincerità del soggetto di Goya non ha precedenti. Questo volume introduttivo pubblicato da Taschen nella collana Basic Art 2.0 si propone di ripercorrere l'intera parabola della straordinaria carriera di Goya, da raffinato pittore di corte a nefasto profeta di sofferenza e mostruosità. Pagina dopo pagina, troveremo ritratti celeberrimi come Manuel Osorio Manrique de Zúñiga, la splendida Maja desnuda e Il 3 maggio 1808, una delle immagini di guerra più sconvolgenti della storia dell'arte.

Curato da Luca Barbieri e Christian Marra, il libro ripercorre la carriera di Fabio Civitelli, storico illustratore delle avventure di Tex e Mister No. Maestro della linea chiara, declinata attraverso una regia elegante e plastica, Civitelli negli anni è diventato un punto di riferimento per tutti coloro che vogliano approcciarsi allo stile classico bonelliano. Il volume, stampato su una raffinata carta usomano, si presenta nel consueto grande formato a colori, per valorizzare al meglio la resa delle illustrazioni.

Mazzi disordinati, bouquet formali, allestimenti casuali e silenziosi incontri rurali: «Fiori d'autore» raccoglie alcune delle più notevoli rappresentazioni di fiori nella storia dell'arte. Spaziando dal celebre pittore di fiori Henri Fantin-Latour, i cui studi formali furono molto amati dal pubblico inglese, a Matisse, Mackintosh, Millais, Manet e, più recentemente, Hockney, tra le sue pagine non mancano anche fotografi come André Kertész e Edward Steichen, artisti più anticonvenzionali come Gluck (per anni compagna della nota decoratrice floreale Constance Spry) o celeberrimi illustratori botanici del XVIII secolo come Georg Dionysius Ehret. Le illustrazioni sono accompagnate da brevi testi sugli artisti e la loro passione per determinate specie floreali, dai sontuosi close-up di stramonio e fiori di cactus di Georgia O'Keeffe alle rose di Matisse, dai crisantemi di Keika Hasegawa agli attenti studi di zinnie di Albert York. Un florilegio per tutti gli amanti dell'arte, dei giardini e dei fiori.

I disegni del volume "L'architettura degli alberi" di Cesare Leonardi e Franca Stagi rappresentano uno strumento per la progettazione del verde. Frutto di uno studio durato oltre vent'anni, il libro contiene la trattazione di 212 specie arboricole, disegnate in scala 1:100, con e senza fogliame, corredate dai diagrammi delle proiezioni delle ombre durante le ore della giornata e nel corso delle stagioni, dalla tabelle di variazione cromatica stagionale delle chiome e da 393 schede descrittive di ogni famiglia (53), genere (128) e specie (212), con 185 disegni particolari di foglie, fiori e frutti. Un testo - oggi di nuovo disponibile in questa rinnovata edizione con una veste grafica più attuale, opportunamente rivista, corretta e aggiornata - rivolto a professionisti, architetti, paesaggisti e designer, e a chiunque subisca l'irresistibile fascino del meraviglioso mondo degli alberi.