Cinema, televisione e radio

Nel cinquantesimo anniversario della scomparsa di Pier Paolo Pasolini, la mostra «Con le palpebre infuocate». Pasolini e le cinegrafie della memoria di Valentina Restivo è l’omaggio al poeta corsaro e al suo lascito Cinematografico. Allestita presso gli spazi espositivi di Palazzo Scammacca del Murgo a Catania, in occasione del festival dei Cantieri Intermediali, il corpus di immagini presentate dall’artista livornese raccoglie al suo interno una serie di frammenti prelevati dalle pellicole del regista. Sono volti e sguardi di alcuni personaggi rielaborati graficamente, congelati nell’ultimo respiro delle loro esistenze. Dentro frames cartacei che innescano una nuova narrazione visuale, la mostra diventa un pensiero-immagine su Pasolini, una metafora esistenziale che aderisce al ricordo e al volto dello stesso poeta.

Carlo Miccichè ha ripercorso step by step i campi di battaglia della Guerra Civile americana, da Washington a Richmond, le capitali degli schieramenti allora contrapposti. Il suo spigliatissimo diario di viaggio – che ha il passo del grande narratore – tra rievocazioni militari, contaminazioni cinema e visite a monumenti e cimiteri, è un vademecum perfetto per chi voglia capire il tragico conflitto che spaccò gli Stati Uniti d'America. Un suggestivo affresco che restituisce i colori e le atmosfere di Via col vento e della grande filmografia hollywoodiana.

Questo libro è dedicato a uno degli oggetti più strani, quasi inclassificabile, del cinema di Pasolini, “La rabbia” (1963), un film che scuote alle fondamenta la fisionomia estetica e politica del proprio tempo, riuscendo contemporaneamente a evocare un altro futuro e a ridisegnare la grammatica del cinema che verrà. Ma non è tutto: “La rabbia” rappresenta un tornante decisivo – ma non di rado sottovalutato – della stessa traiettoria pasoliniana, ricalibrando anche l’idea di cinema che fin lì il regista aveva frequentato. Sono allora due soprattutto le ragioni per interessarsi, ancora oggi, a un film come La rabbia: il primo, tutto interno all’opera del suo autore (scrittore, regista, poeta, critico e teorico del cinema); il secondo, invece, strettamente connesso alla capacità del film di sollevare problemi che interrogano tanto il mondo di cui racconta, quanto quello dei decenni successivi, sino a oggi.

Dalla sua introduzione nel 1913 fino all’abolizione nel 2021, la censura ha segnato la storia del cinema in Italia, e la sua evoluzione ha rispecchiato i cambiamenti sociali, politici e culturali del paese. Impegnata nell’arginare “le depravazioni e le aberrazioni” del nuovo mezzo nel periodo del muto, durante il regime fascista e nel secondo dopoguerra è stata un potente strumento nelle mani del potere. Alla fine degli anni Sessanta, i censori hanno dovuto affrontare il cambiamento dei costumi e della morale, mutando il loro bersaglio dopo la crisi delle sale, l’influenza crescente della televisione e la diffusione della pornografia. Frutto di rigorose ricerche d’archivio ma avvincente come un romanzo, questo volume rappresenta lo studio più approfondito e aggiornato sul tema. Oltre a esaminare le leggi che hanno disciplinato l’istituto, si propone di indagarne i metodi di lavoro, gli obiettivi, i protagonisti e, non ultime, le vittime. Attraverso documenti ufficiali, sentenze, articoli di cronaca, saggi e interviste d’epoca, vengono analizzati tanto i casi clamorosi quanto quelli meno conosciuti: film e registi importanti e pellicole poco note quando non oscure, dagli albori di “La lampada della nonna” agli ultimi colpi di coda per “La scuola cattolica”. Opere diversissime, capaci ognuna a suo modo di spingere in avanti i limiti di ciò che era accettabile sullo schermo.

Questo libro ripercorre la storia delle trasposizioni per il piccolo e grande schermo ispirate direttamente e indirettamente alle opere di Jane Austen; non solo i sei romanzi canonici, ma anche due testi, uno fra i primi scritti dall’autrice non ancora ventenne (Lady Susan) e l’ultimo, l’incompiuto Sanditon. Le sue storie e la sua vita continuano a essere interessanti ai giorni nostri. Adattamenti in costume, film biografici e rivisitazioni in chiave moderna ci ricordano, in misura più o meno ampia, le caratteristiche della sua scrittura, capace di cogliere con intelligenza e ironia i moti dell’animo femminile. Come scriveva Virginia Woolf: «Jane Austen è padrona di emozioni ben più profonde di quanto appaia in superficie: ci guida a immaginare quello che non dice». Film e serie tv hanno provato a rendere visibile il non detto.

Un viaggio storico nelle produzioni cinematografiche di autori e autrici palestinesi, dagli anni Cinquanta a oggi. Un percorso attraverso alcuni estratti di film per aprire a un dialogo sugli immaginari, sulla storia di un territorio e della sua popolazione. Un movimento continuo tra esperienze individuali e collettive, dinamiche culturali e sociali. Le rappresentazioni filmiche palestinesi sono interconnesse al contesto storico e politico dal quale si dipanano. I contenuti narrativi, gli strumenti utilizzati e la stessa possibilità di raccontare e raccontarsi attraverso il cinema, è sempre stata una forma di resistenza alla cancellazione di memorie e di pratiche di una popolazione resa forzatamente diasporica. In questi drammatici mesi è ancora più importante cercare di capire quale ruolo potrebbe avere il cinema nel trasmettere i valori di tale resistenza.

Questa raccolta di saggi propone un’indagine critica sulla nozione di trash come categoria estetica codificata, emersa con forza nel dibattito culturale dagli anni Ottanta, soprattutto in ambito televisivo e digitale. Lungi dall’essere un fenomeno recente, il trash affonda le proprie radici in una lunga tradizione dello spettacolo occidentale, intrecciandosi con il comico, il volgare, il commerciale e il popolare. “Cose di pessimo gusto” analizza con lucidità le espressioni artistiche, comunicative ed estetiche di questa tendenza nella cultura contemporanea, suggerendo prospettive inaspettate sul nostro modo di guardare, ridere e giudicare. Il testo include i contributi di Fabio Acca, Roberta Bracciale, Junio Aglioti Colombini, Stefano Brilli, Edoardo Giovanni Carlotti, Eleonora Chiais, Gabriele Marino, Giulia Muggeo, Giuseppe Previtali, Oscar Ricci, Gabriele Rigola, Matteo Tamborrino e Andrea Zardi.

Lungi dall'essere scoraggiata dalle difficoltà della comprensione teorica e dal complesso funzionamento dell'arte dell'attore, la critica drammatica non si è mai arresa al riguardo. Non solo è stata a lungo un interlocutore importante per gli artisti, ma ha anche svolto un ruolo decisivo nell'emergere della loro arte come pratica autonoma. Ha innescato molti dei dibattiti che hanno contribuito a definirla, plasmando prospettive e stabilendo i principi in base ai quali gli artisti sarebbero stati valutati. Che tipo di dialogo si è sviluppato tra critici e attori e come si è evoluto nel corso dei secoli? Quale ruolo, duraturo o fugace, ha svolto la critica nello sviluppo del pensiero interpretativo? Quale quadro concettuale e quali categorie analitiche ha stabilito per studiare il mestiere dell'attore? Quale spazio ha offerto la stampa alle voci degli artisti? Quali nuove voci di attori e attrici ha contribuito ad amplificare? In che modo ha permesso l'emergere del loro discorso? Sono queste le domande cui questo libro cerca di rispondere. A tal fine, riunisce studi di ricercatori francesi e italiani, concentrandosi su diversi paesi europei.

Il migliore e più completo lavoro di catalogazione dell'horror mai realizzato in Italia, in una nuova, monumentale versione aggiornata. L’horror è uno dei generi più fertili e longevi della storia del cinema. Da Nosferatu a Frankenstein, da Psyco a Alien, da Shining a Nightmare, con il suo linguaggio inquietante – trasgressivo o rigoroso, esibizionista o introspettivo, volgare o sublimato – da sempre rispecchia l’anima contemporanea e i suoi segreti fantasmi. Nelle oltre 4800 voci di questo dizionario si troveranno tutti i film usciti nel nostro paese più un’ampia selezione di opere straniere inedite: dalle classiche storie di vampiri e licantropi ai più recenti slasher e psycho-thriller, passando per serial killer, mostri umani e animaleschi, zombie, spettri.

Primo film italiano interamente girato negli Stati Uniti, Smog di Franco Rossi apre la Mostra di Venezia del 1962, per poi scomparire quasi del tutto dalla circolazione e dalla memoria collettiva per sessant’anni, fino al recente restauro curato da Cineteca di Bologna e UCLA Film & Television Archive. A metà tra diario di viaggio e road movie dal respiro Nouvelle Vague, Smog racconta lo smarrimento e lo stupore di un italiano di fronte al paesaggio urbano avveniristico di Los Angeles e a una geografia esistenziale che fatica a decifrare. Il volume ricostruisce la storia di questo film unico e dei suoi autori, lo colloca nel contesto di un anno, il 1962, cruciale per la storia del cinema, e ne indaga il profondo legame con la metropoli californiana, allora epicentro del modernismo architettonico. Attraverso luoghi iconici come il Theme Building del LAX, la cupola geodetica della Triponent House e la vertiginosa Stahl House di Pierre Koenig, Smog cattura un momento irripetibile in cui un nuovo modo di vivere, relazionarsi e progettare il futuro prende forma, lasciando un segno indelebile nell'immaginario cinematografico e urbanistico contemporaneo.